El GRANDE de los grandes

>>No puedo expicar la sensación al ver eso, me invadió y me consumió. Toco tan hondo que no me podía quedar tranquilo.<<

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, sin lugar a dudas, ha sido uno de los artistas más grandes que ha tenido nuestra historia. Aunque fue poseedor de un talento innato para crear obras de la magnitud de Velázquez, elaboró un lenguaje propio, muy personal y único.

Pablo Picasso

Pablo Picasso

Picasso abandonó su natal Málaga a temprana edad, estableciéndose en Barcelona; ciudad que sin duda marcó la evolución artística y su visión de mundo. Muchos artistas se parecen a su ciudad, Barcelona fue la Ciudad de la Furia para Picasso.

 

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso es una figura clave en el desarrollo de la pintura y la democratización del arte. En su carrera encontramos pinturas tradicionales españolas, pinturas melancólicas y nostálgicas muy características de su “Periodo Azul,”

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

los vaticinios de un cambio radical, que comenzó en el que los historiadores del arte llamaron “Periodo Rosa”, figuras colosales, diferentes perspectivas conviviendo en un mismo plano, geometrización y un sinfín de nuevas características nunca antes vistas, o muy poco tratadas, en el mundo de la Historia del Arte.

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Les Demoiselles D'Avignon. 1907.

Pablo Picasso, Les Demoiselles D’Avignon. 1907.

La constante búsqueda y el interés en otras culturas, como la africana, llevaron a Picasso a adentrarse en un mundo mágico que tuvo como resultado el “cubismo“.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso fue una figura clave para los posteriores movimientos de vanguardia en Europa. Gracias a él, el arte comenzó a dejar de ser una simple reproducción o representación simbólica. Picasso dio una nueva definición al arte. Un arte libre que no se rige por reglas arcaicas y que no es exclusivo a los sectores elitistas de la sociedad. 

Gracias y feliz cumpleaños Picasso.

Movimiento, Futuro y la Vanguardia en Italia

» …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.«

futurismoEn la Italia de 1909, y previo a la Primera Guerra Mundial, surgió un manifiesto con premisas políticas radicales al que se comenzó a llamar Futurismo. Como ya he escrito en entradas previas, siempre que existen conflictos políticos, está demostrado que hay una mayor creación artística en todos los medios y estilos de vida.

Poema Futurista

Poema Futurista

El Futurismo fue una crítica social radical que tuvo a la guerra como motor y surgió como un movimiento literario con Filipo Tommaso Marinetti, poeta y dramaturgo. Los futuristas se acogieron al lenguaje radical, glorificando la guerra a la que no apreciaban como un mal elemento, sino todo lo contrario.

La guerra para los futuristas era algo positivo y necesario para el cambio social. El Futurismo ensalzó las revueltas, la tecnología y todo lo relacionado con las máquinas y el movimiento.

En los futuristas encontramos un germen muy similar al que años posteriores elaborarán y propagarán los partidos fascistas. Tenían la visión de una limpieza en la sociedad, ya que ninguno de los sistemas y modelos anteriores habían funcionando.

Italia desde el siglo XVIII no había producido artistas de gran nombre. No olvidemos que aunque en el siglo XX la capital del arte se consideraba París, y luego emigró a Nueva York, desde antaño se considera a Italia y sus ciudades como la cuna y meca del arte.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

La actitud y visión de mundo de los futuristas estaba guiada por el “chauvinismo” o patrioterismo, una creencia narcisista en la que se considera a lo propio del país como lo mejor del mundo. De manera radical se le une una alusión y énfasis excesivo en el nacionalismo, rechazando lo extranjero y abriendo paso a la ideología de superioridad racial.

La obra Manifestación Intervencionista de Carlo Carrà es un ejemplo en el que diferentes tipografías e imágenes alusivas a Italia, dan un sentimiento patriótico acompañado de una composición circular que sugiere dinamismo y movimiento. La técnica del collage y la fragmentación nos da aires e impresiones cubistas en la obra.

Lo que muchos historiadores pasan por alto es que sumado al chauvinismo; fue el Futurismo quien coció y desarrolló un arte nacional que fue de la mano con las nuevas políticas y que pasó a Alemania bajo el nacional socialismo.

El nacional socialismo pone a una raza inferior a otra y por ende justifica cualquier acción. Los futuristas vieron el lado positivo de la guerra, y según sus palabras, la misma servía como herramienta purificadora. Es una línea de pensamiento muy similar al discurso que años más tarde dio Adolf Hitler.

Los futuristas entendían que existía la crueldad y la maldad, pero no había formas ni maneras de erradicarlas por vías pacíficas. Se apoyan en un discurso que enfatiza a los fuertes, sólo ellos pueden sobrevivir, rechazando totalmente al pasado y enfocándose en un futuro prometedor y nuevo.

En el ámbito artístico los temas principales fueron la tecnología, la velocidad, el movimiento, la rapidez y el dinamismo. Los futuristas tenían conciencia del Cubismo pero lo consideran estático, no por ello no recibieron una retroalimentación del mismo y en algunos momentos hacen referencia a él como el que ya mencioné en la obra de Carlo Carrà.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

La obra que juzgo como ícono del Futurismo por excelencia, y una de mis pinturas favoritas, es Dinamismo de un perro sujeto con correa de Giacomo Balla. En el cuadro no importa nada, sólo el movimiento. Giacomo Balla logró pintar en una imagen estática el dinamismo y el movimiento. No hay narrativa presente, no hay historia y tampoco hay simbolismos, lo único y verdaderamente importante es el efecto del paso del tiempo.

Marinetti propuso en su manifiesto futurista quemar las bibliotecas, destruir todos los libros, universidades y quemar todos los museos. En otras palabras destruir todas las instituciones tradicionales europeas. Siendo, a mi juicio, la vanguardia más radical del siglo XX. La masiva destrucción evitaría la reflexión, las personas tendrían solamente una visión de mundo y se impediría el desarrollo de un pensamiento crítico y reflexivo, que tantas desgracias había traído.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

El Futurismo fue un movimiento de corta duración. Los eventos a los que debió su florecimiento tuvieron fecha de culminación temprana. Sin embargo, las ideas que promovió desarrollarán y jugarán un papel importante en los fundamentos políticos, ideológicos y sociales en el fascismo.

El Futurismo como la mayoría de las vanguardias, buscó romper con los cánones del pasado y los convencionalismos en la Historia del Arte. Los postulados principales radicaron en la acentuación sensual, el apego y propagación a lo nacional (banderas, guerras, soldados), una predilección impresionante por las máquinas y un interés peculiar por retratar el movimiento de las cosas. En esculturas como la de Boccioni se plasma el alto por ancho por profundidad por velocidad por tiempo. Teniendo como resultado final de la ecuación una obra que ante los ojos sentimos que se desplaza a través de tiempo y espacio.

A manera de conclusión soy partidario de que el Futurismo nació directamente del Cubismo. El paralelismo entre estas dos vanguardias es evidente. Observando muchas de las obras futuristas es imposible no pensar en Picasso, Braque y Gris. Aun así la obsesión por hacer visible la velocidad y el movimiento acabaron dándole características visuales únicas al Futurismo, siendo una de las vanguardias más radicales, originales y significativas.

La Construcción del Mundo

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Luego de la Revolución de Octubre de 1914, en la Rusia bolchevique surgieron dos tendencias artísticas de forma paralela. En la entrada de hoy me concentro en la construcción del mundo ruso o como en la Historia del Arte llamamos al movimiento artístico: el Constructivismo ruso.

La Rusia de las vanguardias fue el producto de climas de guerra desde antes de 1917. La Revolución Bolchevique o Revolución de Octubre derrocó al gobierno provisional e instaló un gobierno bolchevique que anexó una inmensa cantidad de territorios formando así la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

El objetivo de la revolución fue mostrar el poder de las masas al mundo. El gobierno central ruso comenzó a utilizar el arte, y sobre todo la arquitectura, como herramienta educativa. Cabe señalar, que antes de la formación de la URSS el gobierno bolchevique y los comunistas hacían uso del llamado Agit-prop; arte como propaganda de agitación. Tampoco debemos pasar por alto que el urbanismo y la Revolución Industrial, llegaron tarde a Rusia que se mantuvo aislada de todo el mundo.

Los avances tecnológicos moldearon en la Rusia bolchevique la concepción del arte al servicio de la política. El Constructivismo ruso, por tanto, rechazó todo lo tradicional. Los cuadros y las esculturas eran vistos como una conexión con la burguesía a la que ellos intentaban aplastar.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

En la maqueta del Monumento a la tercera internacional, se hacía homenaje al progreso logrado gracias a la unión de la ciencia, la tecnología, la industria y el arte. Podríamos decir que aunque se aisló al arte de sus “funciones” y cánones tradicionales, en compensación se le integró al mundo primario dándole un valor funcional y vital en igualdad de condiciones con doctrinas, a veces antagónicas, como la ciencia.

En el Constructivismo ruso algunos de los aspectos más importantes eran el espacio y el tiempo, que condicionaban al arte haciéndolo productivo, masivo y funcional. Más que artistas estas personas fueron teóricos en la creación de las posibilidades. Fue en Rusia donde la escultura moderna se fundió por fin con los profundos cambios sociales y políticos operados por la Revolución de Octubre dando como resultado la elaboración de grandes y ambiciosos proyectos.

Ninguno de los portavoces y miembros del Constructivismo poseía formación escultórica. Los constructivistas crearon arquitecturas más radicales que cualquier otra tendencia de la época. Hacían una referencia especial a reorganizar el sentido visual en función del tacto. En mi opinión, diría que a pesar de romper con los cánones renacentistas, barrocos y neoclásicos hay una raíz medievalista en el Constructivismo, vale recordar que el arte Medieval surgió como uno de comunidad, donde desaparecían los protagonistas y se aprovechaba y adaptaba las creaciones al espacio trabajado.

Georgia

Georgia

Los teóricos constructivistas más influyentes se oponían al idealismo, ya que todo se ponía a disposición de la creación de objetos útiles para la sociedad y la industria. A diferencia de movimientos como el Die Brücke, el Constructivismo tenía una visión más optimista del hombre.

Cuando hablamos del arte no debemos pasar por alto el concepto Faktura: parte material y visible de la obra. El aspecto físico material, lo táctil del mismo y los distintos tipos de materiales son los cimientos de la vida cotidiana del Constructivismo.

En el ámbito de la propaganda y agitación destacó la figura de Aleksandr Ródchenko, un teórico que escribió un ensayo sobre la línea y que declaró que el color y la pincelada habían muerto. Ródchenko criticó a los artistas que se desplazaron hacia la otra tendencia artística; el Suprematismo y que alegaban que el arte era una manera de plasmar los sentimientos puros.

rodchenko3_122341sA manera de conclusión recalco que el arte del Constuctivismo tenía que ser algo pragmático. Los artistas como constructores pasaron de la bidimensionalidad a la tridimencionalidad. La Revolución Bolchevique y la Rusia Comunista, más allá de las demonizaciones y críticas que recibimos en Occidente, significó el cambio y la evolución de Rusia. En mis palabras diría que fue también la que preparó a Rusia para competir con las potencias europeas del momento.

No es menos importante el rol social que este movimiento significó, empleando a miles de artistas en su momento. Los artistas se convirtieron en agentes de cambio social,  que no se podían quedar ajenos a las transformaciones sociales. En Rusia, aunque no sea así hoy día, se construyó el espacio con posibilidades de mejoramiento social. Generalmente, recibimos la crítica de que los artistas dejaron sus verdaderas vocaciones o talentos, por hacer infraestructura y labor comunitaria. Sin embargo, y como siempre ando diciendo, no debemos juzgar el pasado con los criterios del presente.

Si os interesa el tema del Constructivismo ruso os recomiendo la película Man with a Movie Camera, la misma muestra las dos vertientes del Constructivismo: la social-política y la estética-cultural. No es una película de cine tradicional por lo que va en contra de la burguesía y las clases sociales. Juega con el tiempo y el espacio, dándole a la cámara la cualidad de ojo humano y mostrándonos la enajenación de la Unión Soviética hacia el mundo.

Un Puente Hacia Nuevas Dimensiones

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

El Expresionismo alemán, del que hable anteriormente, llevó a los artistas de la Europa del Norte a una lucha por un nuevo mundo. Querían pasar del universo existente a su utopía con bases artísticas. Estos artistas si contaron con una agenda política y social, a diferencia de las Fieras Salvajes en Francia. Ellos mismos se dieron el nombre de Die Brücke, El Puente, pues eran el vehículo y guía para la nueva sociedad pensada.

Los miembros del grupo, reunidos en la ciudad de Dresde, eran artistas jóvenes, que pretendían llevar un nuevo tipo de arte y estilo de vida. En general abarcaron la visión de un mundo pesimista; entendiendo que la juventud era la única alternativa que tenía Alemania para lograr un cambio social.

Todos los pintores eran expresionistas y abandonaron y rechazaron la educación formal del arte, pensando despectivamente del Fauvismo, que lo veían como muy idealista y superficial. Para algunos historiadores del arte el Die Brücke es la evolución del Expresionismo, para otros es una categoría o etapa del mismo.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Los artistas del Die Brücke plasmaron lo peor del mundo en que vivían. Mientras Matisse quería trasmitir tranquilidad y placer desinteresado, los expresionistas alemanes querían excitar e incitar al público; donde el primero evitaba los problemas de la vida moderna, los últimos se sumergían en ellos. Los expresionistas sentían empatía por lo impuro, lo miserable y lo oprimido de la Tierra.

Aunque se suele ver al Die Brücke como un movimiento dentro del expresionismo alemán, se debe tener presente su base filosófica existencialista basada en Frederich Nietzsche como inspiración y una visión contraria al pensamiento cristiano. Para ellos el ser humano no tenía prueba de una vida lejana, el hombre tenía que vivir para hoy sin esperar el consuelo de una futura vida mejor. De acuerdo a ellos, el hombre para superarse no necesitaba depender de un dios sino de sí mismo, para lograrlo debía trascender de su condición actual creando al “superhombre”. El resultado final sería una sociedad armónica sin dependencia de nadie.

El Die Brücke entendía que ellos podían construir “el puente” para pasar del hombre al superhombre. Su enfoque se centró en la juventud, pues la revolución debía nacer desde la base de la sociedad. Los artistas de El Puente formaron una comuna en la que vivieron bajo sus propias leyes y al margen de las normas sociales de la época. El Die Brücke no era un nombre o un simple movimiento, era un estilo de vida en todo el sentido amplio de la palabra.

Aunque criticaron al Fauvismo y a Henri Matisse, esto no quiere decir que no se dio una retroalimentación entre las dos vanguardias. Ambos movimientos creían en la separación del color de su función descriptiva y tenían a  Nietzsche como instructor filosófico.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

El expresionismo empleó imágenes religiosas grotescas con Emil Nolde, el Die Brücke continuó con esta línea representativa y añadió a los marginados como protagonistas de su práctica. El impasto era la técnica grotesca por excelencia y la ciudad volvió a sus bases renacentistas en las que se convirtió en el centro de intercambio cultural.

A pesar de reconocer la importancia de la ciudad, para el Die Brücke las ciudades eran la herencia de generaciones anteriores, desgastadas y miserables. En su gran mayoría, los miembros eran hijos de la burguesía y como tales adoptaron la tradición de vivir en las afueras de la ciudad.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

El arte del Die Brücke fue uno impulsivo y contó con la participación activa de mujeres. Un ejemplo fue Paula Modersohn, quien se concentró más en temas personales como la mujer y la fertilidad y no se inclinó tanto por la mirada social y política. Muchas otras mujeres fueron acogidas en las comunas como musas.

Uno de mis artistas favoritos, fue uno de los miembros más destacados del Die Brücke; Egon Schiele. Egon mostró una visión más explicita y cruda, una crítica al arte tradicional y a la representación de la mujer a través de la historia del arte. (Mi análisis de Egon Schiele aquí.)

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Los pintores del Die Brücke querían denunciar las atrocidades del ser humano para cambiarlas. Más que una nueva estética del arte se centraron en crear una nueva ética. En mi opinión, más allá de la innovación y experimentación, fue el carácter de crítica y protesta lo que destacó del Die Brücke como movimiento artístico y vanguardia del siglo XX. En mis palabras diría que más que Der Blaue Raiter, fue el Die Brücke el movimiento que marcó y dio fin a la conocida Belle Époque del arte.

Egon Schiele Autorretrato, 1911 naranjaSi hablamos de Die Brücke como estilo artístico cabe señalar que dentro de sus características principales destacaron las siguientes tres:

  • Los colores estridentes
  • Las líneas caóticas
  • Los múltiples ángulos

Los temas preferidos por estos artistas eran los cargados de ansiedad y deformaciones. A la vez que nos presentaron sus propias inquietudes psicológicas también retrataron la sociedad decadente de principios del siglo XX. La presencia del simbolismo de Munch y el uso de colores y técnicas como las de Vincent van Gogh y Paul Gauguin son apreciables claramente. Algunos discuten lo innovador del Die Brücke plásticamente hablando, como ya mencioné me concentro y enfoco más en lo que el movimiento significó como estilo de vida y arte de protesta.


Cronológicamente al Die Brücke le siguen movimientos artísticos que ya he comentado anteriormente en este blog como lo son Der Blaue Raiter y el Orfismo.

Las Fieras Salvajes

Expresión y forma: Los fauvistas y su representante clásico

Henri Matisse, La Danse.

Henri Matisse, La Danse.

El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración, 1904 – 1908. El crítico de arte Louis Vauxcelles le puso el nombre de “faves” fieras en castellano, como un calificativo peyorativo a las obras expuestas en el Salón de Otoño de París en 1905. Faves terminó por darle el nombre al grupo de artistas que encabezados por Henri Matisse crearon nuevas pinturas que abogaban por la liberalizacíon del color.

Alfred Henry Maurer, Provenza.

Alfred Henry Maurer, Provenza.

Las principales obras del Fauvismo simplificaron las creaciones y plasmaron la subjetividad del color que tanto predicaban los miembros del nuevo movimiento artístico. Fue el rechazo de la crítica lo que convirtió al Fauvismo en un movimiento de vanguardia. El Fauvismo no fue un movimiento definido, careció de manifiesto y cada pintor acometía sus obras como experiencia personal, cargadas de espontaneidad y frescura. No tuvo una base teórica como el resto de las vanguardias. Tampoco debemos olvidar que El Fauvismo converge cronológicamente con el Expresionismo Alemán

Los fauvistas se enfrentaron con una actitud violenta a los convencionalismos, rechazando las reglas y los métodos establecidos. Las principales influencias de los favistas fueron Paul Gauguin, Émile Zola y Friedrich Nietzsche. Como movimiento artístico los componentes del Fauvismo reaccionaron contra el Expresionismo, pero continuaron siendo un movimiento expresionista.

Los fauvistas creían que a través de los colores se podía expresar los sentimientos, este pensamiento condicionó su forma de pintar. Emplearon una pincelada directa y vigorosa con toques gruesos buscando la máxima intensidad emocional, combinada con la máxima simplificación de los elementos.

Henri Matisse, Self-Portrait.

Henri Matisse, Self-Portrait.

Henri Matisse  fue considerado el líder de los fauvistas, siendo el único de ellos que no cambió su dirección. Estaba influenciado por Vincent van Gogh y Paul Gaugain principalmente. El sueño de Matisse era crear un arte de equilibrio, pureza y serenidad, desprovisto de temas inquietantes o depresivos. Un arte que para cualquier trabajador mental, fuera un hombre de negocios o un escritor, sería una fuente de sosiego, como un calmante mental, algo así como una buena butaca donde descansar de la fatiga física.

Los objetivos de los fauvistas eran: las cosas bellas, la tranquilidad del espíritu y el placer sensual. El Fauvismo fue un movimiento de vanguardia que surgió tras la inconformidad social, respondiendo a muchos asuntos sociales. Se representan escenas del diario vivir, un liviano contenido con técnicas de colores puros y hace un especial énfasis en la bidimensionalidad.

Henri Matisse, Game of Bowls.

Henri Matisse, Game of Bowls.

Como todo movimiento de vanguardia quería romper con los cánones establecidos en el arte, para así liberar el color que según ellos era lo más importante en la obra. El motor y objetivo primordial era liberar al color de su forma descriptiva. Ahora no se hablaría de verde césped, ni de azul cielo.

Los fauvistas se cuestionaron el porqué representar las cosas de la misma manera, sí el mundo en sí no es el mismo. Estamos hablando de que el Fauvismo fue también una escuela de pensamiento filosófico del siglo XX. Las decisiones de los fauvistas no eran por un vacío, sino que fueron el resultado de causas sociales. Sin embargo, enfatizo que los fauvistas nunca desarrollaron una agenda política.

Henri Matisse, Armonía en rojo.

Henri Matisse, Armonía en rojo.

El ejemplo clásico para estudiar el Fauvismo es la obra “Armonía en rojo” donde Matisse liberó el color de su función descriptiva. Matisse definió su creación como “pintura pura, pintura liberada de cualquier aleatoriedad, pintura por sí misma”. Una pintura donde el rojo se funde con una infinidad de cosas que a mi interpretación acaba en muchas cosas, mas no en armonía.

Maurice de Vlaminck, The River Seine at Chatou.

Maurice de Vlaminck, The River Seine at Chatou.

Teniendo como mentor, guía e inspiración al color, los fauvistas combinaron una pincelada brusca con el empleo de la Teoría de Colores. Volviendo a los colores primarios, secundarios y complementarios el Fauvismo creó una armonía colorida que acabó dando un mayor contraste visual y cromático. Siendo el color el personaje principal de las obras, las mismas terminaron careciendo de perspectiva y técnicas tradicionalistas como el claroscuro. Aunque lo que más destaca del Fauvismo son los paisajes, no dejan de ser menos encantadores los escenarios urbanos, los bodegones y sobre todo los desnudos.

Acentuación Masculina

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann fue un pintor y grabador alemán, generalmente catalogado como impresionista. Sin embargo, queda evidenciado, en sus obras y algunas memorias, que participó en corrientes y movimientos artísticos como el Modernismo, Simbolismo e Historicismo. Colaboró y aportó enormemente a la iniciativa Neues Weimar siendo el artista al cual el museo homónimo le dedica y rinde tributo en la actualidad.

Ludwig von Hofmann, Adam.

Ludwig von Hofmann, Adam.

La plástica de von Hofmann resalta la juventud y la belleza masculina. Sus principales obras son composiciones de modelos masculinos, desnudos o semidesnudos, que disfrutan de su compañía o se encuentran en actividades de ocio en contacto con la naturaleza. La embriaguez pictórica del extraordinario von Hofmann es alcanzada gracias a la fusión del desnudo masculino con los coloridos paisajes y escenarios.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann ha sido, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos que mejor trato estético ha dado al cuerpo masculino. Sin abundantes estudios anatómicos o científicos, von Hofmann plasmó su gusto y admiración por la desnudez  masculina, sin caer en los desnudos vulgares, pero contribuyendo al estereotipo del físico masculino que nuestra sociedad ha heredado con gran arraigo.

Ludwig von Hofmann, Reiter an südlicher Küste.

Ludwig von Hofmann,
Reiter an südlicher Küste.

A mi juicio los paisajes de von Hofmann fueron tan significativos como los de Vincent van Gogh para el desarrollo de movimientos como el Fauvismo. El trato que le dio von Hofmann al desnudo masculino fue uno de los propulsores para el desarrollo del futuro término homoerotismo y por consiguiente una técnica y tradición para el futuro arte gay o gay art. Finalmente muchas otras de las vanguardias del siglo XX se beneficiaron inmensamente de la nociones y percepciones de von Hofmann, por ejemplo contemplad la siguiente imagen de von Hofmann y decidme si no es inevitable pensar en Der Blaue Reiter.

Entre el Cubismo y el Fauvismo

Todos los colores son los amigos de sus vecinos y los amantes de sus opuestos.

Marc Chagall

Marc Chagall

En el mundo de la Historia del Arte generalmente se enfoca a los mitos, leyendas y grandes personajes. El factor de la moda y el gusto popular son la clave y la orden del día para los libros, estudios e investigaciones. Nos topamos entonces con barreras y muros elaborados por la misma sociedad, que en ocasiones son un impedimento para la variedad, el gusto, la estética y los estilos.

En un mundo con este panorama nos encontramos con magníficos artistas que al no alcanzar la fama de alguno de los “padres” del arte o no tener un apellido de la élite artística, viven a la sombra de otros y en ocasiones son revividos sólo por los que como yo, no nos quedamos en los artistas del boom y estudiamos más allá de la cultura popular.

Marc Chagall, The Birthday, 1915.

Marc Chagall, The Birthday, 1915.

En ese escenario, aunque encontramos a muchos, hoy hablo del pintor Marc Chagall. Nacido en Bielorrusia como Mark Zajárovich Shagálov, en el mundo artístico lo conocemos como el pintor, nacionalizado francés, Marc Chagall. En libros europeos, sí se menciona a Chagall como uno de los artistas más importantes del vanguardismo europeo, en libros americanos no es tan conocido y apenas mencionado. Marc Chagall, I and the village. 1911.

La educación de Marc Chagall, su trabajo como profesor de arte y su papel activo en la Revolución Rusa son, a mi interpretación, pruebas irrefutables de la importancia de Chagall en el desarrollo de movimientos como el Constructivismo y el Suprematismo ruso. La Europa de entreguerras fue la que detonó mucha de la ardua labor de Chagall, pero también fue la que lo llevó a Estados Unidos huyendo de los campos de concentración y el gobierno de la Alemania Nazi, dado que Chagall y su familia eran judíos.

Marc Chagall fue uno de los artistas que  vivió y fue protagonista del traspaso hegemónico del arte de París a Nueva York. El arte de Chagall estuvo inspirado por las tradiciones y el folclore bielorruso, destacando en gran medida las obras con temática religiosa, bíblica y la herencia judía. La evolución artística de Marc Chagall es muy rica en la integración del arte moderno europeo de su tiempo. Chagall formó parte, abiertamente, de las vanguardias de la Europa del siglo XX. Sin embargo, es difícil etiquetar o definir una vanguardia exclusiva para su plástica.

Marc Chagall

Marc Chagall

En la mayoría de las obras que he estudiado de Chagall, diría que se tambaleó más entre el Cubismo y el Fauvismo, aunque la felicidad, el optimismo y los intensos colores también me hacen recordar al Der Blaue Reiter y el Orfismo. Tampoco paso por alto que otras de sus pinturas se encuentran entre las resonancias de la fantasía y los sueños, siendo Chagall un contribuyente y participe del Dadaísmo y el Surrealismo.

El Cubismo Órfico

Orpheus

Orpheus

El Cubismo Órfico es también conocido en el mundo de las artes como Orfismo. Ambos términos son utilizados para llamar a la tendencia más coloristas y abstracta del cubismo. Los críticos del arte lo estudian y clasifican como un movimiento artístico independiente, pero los historiadores del arte lo catalogan como una subrama del Cubismo.

En lo personal, me inclino por la primera postura, pues aunque en teoría tiene su génesis cubista al ver las obras contrastan de manera obvia con las de Pablo Picasso y Georges Braque. Como sea que queráis estudiarlo o verlo, el mismo se desarrolló en París, entre 1913-1914, y acentuó los elementos y las características de la luz en la obra.

El nombre de esta nueva tendencia artística fue acuñado por el poeta Guillaume Apollinaire, según él, el personaje mitológico Orfeo, por medio de su lira unió la poesía y la música, de la misma forma que estos artistas combinaron el color y la luz en sus pinturas.

František Kupka, Amorpha, fugue en deux couleurs. 1912.

František Kupka, Amorpha, fugue en deux couleurs. 1912.

Dentro de las principales características del Orfismo están: la exaltación del color puro en las formas y temáticas, la importancia y el protagonismo del espacio pictórico y la sustitución de los elementos naturales por lumínicas de color. La crítica y la historia del arte suelen identificar como orfistas a los artistas Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay y Frank Kupka.

 

En la memoria Meditaciones Estéticas se declaró lo siguiente sobre el Cubismo Órfico:

Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Es arte puro.

Robert Delaunay, Rythme, Joie de vivre. 1930.

Robert Delaunay, Rythme, Joie de vivre. 1930.

El Orfismo se encuentra entre los antecesores de la pintura abstracta, destacando las formas circulares que plasman movimientos y se asemejan a la sensación de sonido. La mayoría de los objetos no lo son realmente, son formas a las que el color es quien define. Es a través del color y respaldado con la luz, que se introduce el efecto de movimiento. En la actualidad existe la teoría de que los miembros de esta tendencia eran sinestésicos y aunque quizás no lo hicieron con consciencia, le dieron riendas sueltas a su Sinestesia.

Las formas geométricas se unen a la combinación de colores y el uso de la ley del contraste simultáneo haciendo que sobre la superficie de la obra se creen vibraciones ópticas y dinamismo. Es pues el Cubismo Órfico el antecedente del arte óptico.

Francis Picabia, Udnie young american girl. 1913.

Francis Picabia, Udnie young american girl. 1913.

Se emplean otras técnicas como la contraposición de colores primarios con sus complementarios, aportando gran luminosidad a las pinturas. Son destruidas las líneas horizontales y verticales, la luz es la protagonista, quien se encarga de desintegrar y abrazar a los colores para destruirlo todo.

La crítica considera que la construcción espacial del Orfismo fue arrastrada del Cubismo, pero sumándole la noción de rapidez y la sensación de fuga del Futurismo. Esta corriente o movimiento artístico, como la queráis llamar, es un ejemplo destacado de como las vanguardias del siglo XX, se bifurcaban, complementaban e involucraban entre ellas mismas. No sólo el arte óptico y la pintura abstracta tienen raíces órficas, me atrevo a decir que más del ochenta y cinco por ciento del arte contemporáneo está salpicado del Cubismo Órfico.

Robert Delaunay, Rythm I. 1939.

Robert Delaunay, Rythm I. 1939.

Concluyo diciendo, que como estudiante de artes que fui, me apena mucho que un vasto e interesante tema como es el Orfismo, no sea tan estudiado ni abarcado con el mérito y rigor que se merece. No sólo en las redes cibernéticas encontramos escasa información, también en las bibliotecas y librerías. De treinta licenciados en arte moderno y contemporáneo, al menos veinticinco hacen sus tesinas sobre Salvador Dalí, Andy Warhol o Vincent van Gogh, tendencia que se repite con muchos estudiantes graduados y doctores del arte contemporáneo. Mi exhortación es más bien una invitación a indagar, a ver más allá de Dalí, a conocer más allá de Warhol y a aprender más allá de van Gogh.