Movimiento, Futuro y la Vanguardia en Italia

» …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.«

futurismoEn la Italia de 1909, y previo a la Primera Guerra Mundial, surgió un manifiesto con premisas políticas radicales al que se comenzó a llamar Futurismo. Como ya he escrito en entradas previas, siempre que existen conflictos políticos, está demostrado que hay una mayor creación artística en todos los medios y estilos de vida.

Poema Futurista

Poema Futurista

El Futurismo fue una crítica social radical que tuvo a la guerra como motor y surgió como un movimiento literario con Filipo Tommaso Marinetti, poeta y dramaturgo. Los futuristas se acogieron al lenguaje radical, glorificando la guerra a la que no apreciaban como un mal elemento, sino todo lo contrario.

La guerra para los futuristas era algo positivo y necesario para el cambio social. El Futurismo ensalzó las revueltas, la tecnología y todo lo relacionado con las máquinas y el movimiento.

En los futuristas encontramos un germen muy similar al que años posteriores elaborarán y propagarán los partidos fascistas. Tenían la visión de una limpieza en la sociedad, ya que ninguno de los sistemas y modelos anteriores habían funcionando.

Italia desde el siglo XVIII no había producido artistas de gran nombre. No olvidemos que aunque en el siglo XX la capital del arte se consideraba París, y luego emigró a Nueva York, desde antaño se considera a Italia y sus ciudades como la cuna y meca del arte.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

La actitud y visión de mundo de los futuristas estaba guiada por el “chauvinismo” o patrioterismo, una creencia narcisista en la que se considera a lo propio del país como lo mejor del mundo. De manera radical se le une una alusión y énfasis excesivo en el nacionalismo, rechazando lo extranjero y abriendo paso a la ideología de superioridad racial.

La obra Manifestación Intervencionista de Carlo Carrà es un ejemplo en el que diferentes tipografías e imágenes alusivas a Italia, dan un sentimiento patriótico acompañado de una composición circular que sugiere dinamismo y movimiento. La técnica del collage y la fragmentación nos da aires e impresiones cubistas en la obra.

Lo que muchos historiadores pasan por alto es que sumado al chauvinismo; fue el Futurismo quien coció y desarrolló un arte nacional que fue de la mano con las nuevas políticas y que pasó a Alemania bajo el nacional socialismo.

El nacional socialismo pone a una raza inferior a otra y por ende justifica cualquier acción. Los futuristas vieron el lado positivo de la guerra, y según sus palabras, la misma servía como herramienta purificadora. Es una línea de pensamiento muy similar al discurso que años más tarde dio Adolf Hitler.

Los futuristas entendían que existía la crueldad y la maldad, pero no había formas ni maneras de erradicarlas por vías pacíficas. Se apoyan en un discurso que enfatiza a los fuertes, sólo ellos pueden sobrevivir, rechazando totalmente al pasado y enfocándose en un futuro prometedor y nuevo.

En el ámbito artístico los temas principales fueron la tecnología, la velocidad, el movimiento, la rapidez y el dinamismo. Los futuristas tenían conciencia del Cubismo pero lo consideran estático, no por ello no recibieron una retroalimentación del mismo y en algunos momentos hacen referencia a él como el que ya mencioné en la obra de Carlo Carrà.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

La obra que juzgo como ícono del Futurismo por excelencia, y una de mis pinturas favoritas, es Dinamismo de un perro sujeto con correa de Giacomo Balla. En el cuadro no importa nada, sólo el movimiento. Giacomo Balla logró pintar en una imagen estática el dinamismo y el movimiento. No hay narrativa presente, no hay historia y tampoco hay simbolismos, lo único y verdaderamente importante es el efecto del paso del tiempo.

Marinetti propuso en su manifiesto futurista quemar las bibliotecas, destruir todos los libros, universidades y quemar todos los museos. En otras palabras destruir todas las instituciones tradicionales europeas. Siendo, a mi juicio, la vanguardia más radical del siglo XX. La masiva destrucción evitaría la reflexión, las personas tendrían solamente una visión de mundo y se impediría el desarrollo de un pensamiento crítico y reflexivo, que tantas desgracias había traído.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

El Futurismo fue un movimiento de corta duración. Los eventos a los que debió su florecimiento tuvieron fecha de culminación temprana. Sin embargo, las ideas que promovió desarrollarán y jugarán un papel importante en los fundamentos políticos, ideológicos y sociales en el fascismo.

El Futurismo como la mayoría de las vanguardias, buscó romper con los cánones del pasado y los convencionalismos en la Historia del Arte. Los postulados principales radicaron en la acentuación sensual, el apego y propagación a lo nacional (banderas, guerras, soldados), una predilección impresionante por las máquinas y un interés peculiar por retratar el movimiento de las cosas. En esculturas como la de Boccioni se plasma el alto por ancho por profundidad por velocidad por tiempo. Teniendo como resultado final de la ecuación una obra que ante los ojos sentimos que se desplaza a través de tiempo y espacio.

A manera de conclusión soy partidario de que el Futurismo nació directamente del Cubismo. El paralelismo entre estas dos vanguardias es evidente. Observando muchas de las obras futuristas es imposible no pensar en Picasso, Braque y Gris. Aun así la obsesión por hacer visible la velocidad y el movimiento acabaron dándole características visuales únicas al Futurismo, siendo una de las vanguardias más radicales, originales y significativas.

Cuadrado, círculo, cuadrado, círculo, círculo, cuadrado

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

La otra corriente artística que surgió en la Rusia Bolchevique fue el Suprematismo, este movimiento artístico se desarrolló entre 1915 y 1916. Muchos de los artistas que formaron parte del Constructivismo emigraron o “evolucionaron” al Suprematismo. Sin embargo, es un error común clasificar al Suprematismo como una expansión, alargación o una rama dentro del Constructivismo. Ambos estilos nacieron paralelos en Rusia y aunque recibieron una retroalimentación, yo diría que Suprematismo y Constructivismo son más independientes él uno del otro que movimientos como el Expresionismo y el Die Brücke en la Alemania del norte.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

El Suprematismo se enfocó en las figuras geométricas con especial atención al círculo y el cuadrado. El padre de este movimiento o la gran mente, como lo llaman algunos, fue Kazimir Malévich. Las ideas de Malévich se alejan por completo de la funcionalidad y labor social que pregonaba el Constructivismo, pues basándose en las figuras geométricas y el arte abstracto, proponía representar y plasmar lo más puro del arte.

El objetivo de Malévich, y dónde está la génesis del nombre del movimiento, era darle supremacía a la nada para así llegar a la representación del universo sin objetos. Los suprematistas rechazaron el arte tradicional y no les interesó seguir los estilos y modelos que se venían copiando en el mundo artístico desde antaño.

Suprematism.

Suprematism.

El Suprematismo, al igual que el Fauvismo, fue de las pocas vanguardias del siglo XX que no difundió mensajes sociales y no se comprometió con ninguna causa o sector social. Muchos críticos juzgan y clasifican algunas obras de Aleksandr Ródchenko como suprematistas. En adición a Kazimir Malévich otros artistas destacados del Suprematismo fueron Liubov Papova, El Lissitzky y Naum Gabo.

El Cubismo trabajó con las facetas y perspectivas de las figuras geométricas, pero fue el Suprematismo el movimiento que se encargó se la representación tridimensional de la geometría. Las técnicas artísticas en ocasiones se mezclaron con tradiciones del folclore ruso como situar las obras en la unión de dos paredes, espacio tradicionalmente designado para los íconos religiosos.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky trabajó con materiales no tradicionales intentando sacar el arte de las dos dimensiones y creó el término proun; concepto que usó para las obras que combinaban elementos de la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. Lissitzky destacó también en la técnica del collage y los carteles, siendo un artista destacado en la futura Segunda Guerra Mundial.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, considerado por la crítica como  la antítesis de Vladimir Tatlín, a nivel teórico se opuso a las ideas del espacio que proclamó el Constructivismo y escribió un manifiesto en contra de Tatlín. El argumento de Gabo indicó que el enfoque de los artistas debía ser en lo real, algo que trascendía más allá de la Faktura. Gabo se concentró más en las fórmulas matemáticas. En sus teorías hay confusión de términos, en ocasiones compartió puntos que le criticó a Tatlín.

Es importante señalar que las construcciones suprematistas debían ser hacia afuera, dándole al artista libertad de representación. Para los constructivistas las construcciones eran hacia dentro, condicionadas a la sociedad y la funcionalidad.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Ambos movimientos, aunque diferentes e incluso antagónicos, prepararon e hicieron caminar, no solo a la Rusia Bolchevique, sino también a toda la Unión Soviética en su inicio. Mientras el Constructivismo preparó tecnológica e industrialmente a Rusia, el Suprematismo lo hizo cultural y artísticamente. No olvidemos que algunas de las raíces de la futura abstracción y el Expresionismo Abstracto están presentes en el Suprematismo.

La Construcción del Mundo

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Luego de la Revolución de Octubre de 1914, en la Rusia bolchevique surgieron dos tendencias artísticas de forma paralela. En la entrada de hoy me concentro en la construcción del mundo ruso o como en la Historia del Arte llamamos al movimiento artístico: el Constructivismo ruso.

La Rusia de las vanguardias fue el producto de climas de guerra desde antes de 1917. La Revolución Bolchevique o Revolución de Octubre derrocó al gobierno provisional e instaló un gobierno bolchevique que anexó una inmensa cantidad de territorios formando así la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

El objetivo de la revolución fue mostrar el poder de las masas al mundo. El gobierno central ruso comenzó a utilizar el arte, y sobre todo la arquitectura, como herramienta educativa. Cabe señalar, que antes de la formación de la URSS el gobierno bolchevique y los comunistas hacían uso del llamado Agit-prop; arte como propaganda de agitación. Tampoco debemos pasar por alto que el urbanismo y la Revolución Industrial, llegaron tarde a Rusia que se mantuvo aislada de todo el mundo.

Los avances tecnológicos moldearon en la Rusia bolchevique la concepción del arte al servicio de la política. El Constructivismo ruso, por tanto, rechazó todo lo tradicional. Los cuadros y las esculturas eran vistos como una conexión con la burguesía a la que ellos intentaban aplastar.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

En la maqueta del Monumento a la tercera internacional, se hacía homenaje al progreso logrado gracias a la unión de la ciencia, la tecnología, la industria y el arte. Podríamos decir que aunque se aisló al arte de sus “funciones” y cánones tradicionales, en compensación se le integró al mundo primario dándole un valor funcional y vital en igualdad de condiciones con doctrinas, a veces antagónicas, como la ciencia.

En el Constructivismo ruso algunos de los aspectos más importantes eran el espacio y el tiempo, que condicionaban al arte haciéndolo productivo, masivo y funcional. Más que artistas estas personas fueron teóricos en la creación de las posibilidades. Fue en Rusia donde la escultura moderna se fundió por fin con los profundos cambios sociales y políticos operados por la Revolución de Octubre dando como resultado la elaboración de grandes y ambiciosos proyectos.

Ninguno de los portavoces y miembros del Constructivismo poseía formación escultórica. Los constructivistas crearon arquitecturas más radicales que cualquier otra tendencia de la época. Hacían una referencia especial a reorganizar el sentido visual en función del tacto. En mi opinión, diría que a pesar de romper con los cánones renacentistas, barrocos y neoclásicos hay una raíz medievalista en el Constructivismo, vale recordar que el arte Medieval surgió como uno de comunidad, donde desaparecían los protagonistas y se aprovechaba y adaptaba las creaciones al espacio trabajado.

Georgia

Georgia

Los teóricos constructivistas más influyentes se oponían al idealismo, ya que todo se ponía a disposición de la creación de objetos útiles para la sociedad y la industria. A diferencia de movimientos como el Die Brücke, el Constructivismo tenía una visión más optimista del hombre.

Cuando hablamos del arte no debemos pasar por alto el concepto Faktura: parte material y visible de la obra. El aspecto físico material, lo táctil del mismo y los distintos tipos de materiales son los cimientos de la vida cotidiana del Constructivismo.

En el ámbito de la propaganda y agitación destacó la figura de Aleksandr Ródchenko, un teórico que escribió un ensayo sobre la línea y que declaró que el color y la pincelada habían muerto. Ródchenko criticó a los artistas que se desplazaron hacia la otra tendencia artística; el Suprematismo y que alegaban que el arte era una manera de plasmar los sentimientos puros.

rodchenko3_122341sA manera de conclusión recalco que el arte del Constuctivismo tenía que ser algo pragmático. Los artistas como constructores pasaron de la bidimensionalidad a la tridimencionalidad. La Revolución Bolchevique y la Rusia Comunista, más allá de las demonizaciones y críticas que recibimos en Occidente, significó el cambio y la evolución de Rusia. En mis palabras diría que fue también la que preparó a Rusia para competir con las potencias europeas del momento.

No es menos importante el rol social que este movimiento significó, empleando a miles de artistas en su momento. Los artistas se convirtieron en agentes de cambio social,  que no se podían quedar ajenos a las transformaciones sociales. En Rusia, aunque no sea así hoy día, se construyó el espacio con posibilidades de mejoramiento social. Generalmente, recibimos la crítica de que los artistas dejaron sus verdaderas vocaciones o talentos, por hacer infraestructura y labor comunitaria. Sin embargo, y como siempre ando diciendo, no debemos juzgar el pasado con los criterios del presente.

Si os interesa el tema del Constructivismo ruso os recomiendo la película Man with a Movie Camera, la misma muestra las dos vertientes del Constructivismo: la social-política y la estética-cultural. No es una película de cine tradicional por lo que va en contra de la burguesía y las clases sociales. Juega con el tiempo y el espacio, dándole a la cámara la cualidad de ojo humano y mostrándonos la enajenación de la Unión Soviética hacia el mundo.

Un Puente Hacia Nuevas Dimensiones

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

El Expresionismo alemán, del que hable anteriormente, llevó a los artistas de la Europa del Norte a una lucha por un nuevo mundo. Querían pasar del universo existente a su utopía con bases artísticas. Estos artistas si contaron con una agenda política y social, a diferencia de las Fieras Salvajes en Francia. Ellos mismos se dieron el nombre de Die Brücke, El Puente, pues eran el vehículo y guía para la nueva sociedad pensada.

Los miembros del grupo, reunidos en la ciudad de Dresde, eran artistas jóvenes, que pretendían llevar un nuevo tipo de arte y estilo de vida. En general abarcaron la visión de un mundo pesimista; entendiendo que la juventud era la única alternativa que tenía Alemania para lograr un cambio social.

Todos los pintores eran expresionistas y abandonaron y rechazaron la educación formal del arte, pensando despectivamente del Fauvismo, que lo veían como muy idealista y superficial. Para algunos historiadores del arte el Die Brücke es la evolución del Expresionismo, para otros es una categoría o etapa del mismo.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Los artistas del Die Brücke plasmaron lo peor del mundo en que vivían. Mientras Matisse quería trasmitir tranquilidad y placer desinteresado, los expresionistas alemanes querían excitar e incitar al público; donde el primero evitaba los problemas de la vida moderna, los últimos se sumergían en ellos. Los expresionistas sentían empatía por lo impuro, lo miserable y lo oprimido de la Tierra.

Aunque se suele ver al Die Brücke como un movimiento dentro del expresionismo alemán, se debe tener presente su base filosófica existencialista basada en Frederich Nietzsche como inspiración y una visión contraria al pensamiento cristiano. Para ellos el ser humano no tenía prueba de una vida lejana, el hombre tenía que vivir para hoy sin esperar el consuelo de una futura vida mejor. De acuerdo a ellos, el hombre para superarse no necesitaba depender de un dios sino de sí mismo, para lograrlo debía trascender de su condición actual creando al “superhombre”. El resultado final sería una sociedad armónica sin dependencia de nadie.

El Die Brücke entendía que ellos podían construir “el puente” para pasar del hombre al superhombre. Su enfoque se centró en la juventud, pues la revolución debía nacer desde la base de la sociedad. Los artistas de El Puente formaron una comuna en la que vivieron bajo sus propias leyes y al margen de las normas sociales de la época. El Die Brücke no era un nombre o un simple movimiento, era un estilo de vida en todo el sentido amplio de la palabra.

Aunque criticaron al Fauvismo y a Henri Matisse, esto no quiere decir que no se dio una retroalimentación entre las dos vanguardias. Ambos movimientos creían en la separación del color de su función descriptiva y tenían a  Nietzsche como instructor filosófico.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

El expresionismo empleó imágenes religiosas grotescas con Emil Nolde, el Die Brücke continuó con esta línea representativa y añadió a los marginados como protagonistas de su práctica. El impasto era la técnica grotesca por excelencia y la ciudad volvió a sus bases renacentistas en las que se convirtió en el centro de intercambio cultural.

A pesar de reconocer la importancia de la ciudad, para el Die Brücke las ciudades eran la herencia de generaciones anteriores, desgastadas y miserables. En su gran mayoría, los miembros eran hijos de la burguesía y como tales adoptaron la tradición de vivir en las afueras de la ciudad.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

El arte del Die Brücke fue uno impulsivo y contó con la participación activa de mujeres. Un ejemplo fue Paula Modersohn, quien se concentró más en temas personales como la mujer y la fertilidad y no se inclinó tanto por la mirada social y política. Muchas otras mujeres fueron acogidas en las comunas como musas.

Uno de mis artistas favoritos, fue uno de los miembros más destacados del Die Brücke; Egon Schiele. Egon mostró una visión más explicita y cruda, una crítica al arte tradicional y a la representación de la mujer a través de la historia del arte. (Mi análisis de Egon Schiele aquí.)

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Los pintores del Die Brücke querían denunciar las atrocidades del ser humano para cambiarlas. Más que una nueva estética del arte se centraron en crear una nueva ética. En mi opinión, más allá de la innovación y experimentación, fue el carácter de crítica y protesta lo que destacó del Die Brücke como movimiento artístico y vanguardia del siglo XX. En mis palabras diría que más que Der Blaue Raiter, fue el Die Brücke el movimiento que marcó y dio fin a la conocida Belle Époque del arte.

Egon Schiele Autorretrato, 1911 naranjaSi hablamos de Die Brücke como estilo artístico cabe señalar que dentro de sus características principales destacaron las siguientes tres:

  • Los colores estridentes
  • Las líneas caóticas
  • Los múltiples ángulos

Los temas preferidos por estos artistas eran los cargados de ansiedad y deformaciones. A la vez que nos presentaron sus propias inquietudes psicológicas también retrataron la sociedad decadente de principios del siglo XX. La presencia del simbolismo de Munch y el uso de colores y técnicas como las de Vincent van Gogh y Paul Gauguin son apreciables claramente. Algunos discuten lo innovador del Die Brücke plásticamente hablando, como ya mencioné me concentro y enfoco más en lo que el movimiento significó como estilo de vida y arte de protesta.


Cronológicamente al Die Brücke le siguen movimientos artísticos que ya he comentado anteriormente en este blog como lo son Der Blaue Raiter y el Orfismo.

Entre el Cubismo y el Fauvismo

Todos los colores son los amigos de sus vecinos y los amantes de sus opuestos.

Marc Chagall

Marc Chagall

En el mundo de la Historia del Arte generalmente se enfoca a los mitos, leyendas y grandes personajes. El factor de la moda y el gusto popular son la clave y la orden del día para los libros, estudios e investigaciones. Nos topamos entonces con barreras y muros elaborados por la misma sociedad, que en ocasiones son un impedimento para la variedad, el gusto, la estética y los estilos.

En un mundo con este panorama nos encontramos con magníficos artistas que al no alcanzar la fama de alguno de los “padres” del arte o no tener un apellido de la élite artística, viven a la sombra de otros y en ocasiones son revividos sólo por los que como yo, no nos quedamos en los artistas del boom y estudiamos más allá de la cultura popular.

Marc Chagall, The Birthday, 1915.

Marc Chagall, The Birthday, 1915.

En ese escenario, aunque encontramos a muchos, hoy hablo del pintor Marc Chagall. Nacido en Bielorrusia como Mark Zajárovich Shagálov, en el mundo artístico lo conocemos como el pintor, nacionalizado francés, Marc Chagall. En libros europeos, sí se menciona a Chagall como uno de los artistas más importantes del vanguardismo europeo, en libros americanos no es tan conocido y apenas mencionado. Marc Chagall, I and the village. 1911.

La educación de Marc Chagall, su trabajo como profesor de arte y su papel activo en la Revolución Rusa son, a mi interpretación, pruebas irrefutables de la importancia de Chagall en el desarrollo de movimientos como el Constructivismo y el Suprematismo ruso. La Europa de entreguerras fue la que detonó mucha de la ardua labor de Chagall, pero también fue la que lo llevó a Estados Unidos huyendo de los campos de concentración y el gobierno de la Alemania Nazi, dado que Chagall y su familia eran judíos.

Marc Chagall fue uno de los artistas que  vivió y fue protagonista del traspaso hegemónico del arte de París a Nueva York. El arte de Chagall estuvo inspirado por las tradiciones y el folclore bielorruso, destacando en gran medida las obras con temática religiosa, bíblica y la herencia judía. La evolución artística de Marc Chagall es muy rica en la integración del arte moderno europeo de su tiempo. Chagall formó parte, abiertamente, de las vanguardias de la Europa del siglo XX. Sin embargo, es difícil etiquetar o definir una vanguardia exclusiva para su plástica.

Marc Chagall

Marc Chagall

En la mayoría de las obras que he estudiado de Chagall, diría que se tambaleó más entre el Cubismo y el Fauvismo, aunque la felicidad, el optimismo y los intensos colores también me hacen recordar al Der Blaue Reiter y el Orfismo. Tampoco paso por alto que otras de sus pinturas se encuentran entre las resonancias de la fantasía y los sueños, siendo Chagall un contribuyente y participe del Dadaísmo y el Surrealismo.

Piet Mondrian, Theo von Doesburg y el Neoplasticismo

Hoy es el natalicio de Pieter Cornelius Mondriaan, un artista neerlandés de vanguardia del siglo XX. Conocido por todos como Piet Mondrian formó parte del movimiento artístico De Stijl y en colaboración con Theo von Doesburg fundaron el Neoplasticismo. La pintura de Mondrian al igual que la de von Doesburg, evolucionaron del naturalismo al simbolismo y finalizaron en  la abstracción.

Piet Mondrian, self-portrait. 1900.

Piet Mondrian, self-portrait. 1900.

Theo van Doesburg, Selfportrait with hat. 1906.

Theo van Doesburg, Selfportrait with hat. 1906.

Piet Mondrian, Árbol rojo. 1911.

Piet Mondrian, Árbol rojo. 1911.

Piet Mondrian, Árbol gris. 1912.

Piet Mondrian, Árbol gris. 1912.

Theo van Doesburg, A dog. 1899.

Theo van Doesburg, A dog. 1899.

El Neoplasticismo inició en Holanda en 1917 y también es conocido como el Constructivismo Holandés, esto debido a las similitudes y paralelos con el Constructivismo Soviético. El Neoplasticismo pretendió deshojar el arte y desprenderlo de todos los elementos cosméticos e irrelevantes, intentando así llegar a la esencia del arte por medio del lenguaje plástico. Un movimiento claramente minimalista. En ese contexto de depuración se llegó a la teoría de los elementos fundamentales de la obra: líneas, cubos y planos. A la teoría le acompañan colores puros (primarios) negro y blanco. Cabe recordar que tampoco son líneas y planos al azar, se sigue un orden, en la mayoría de los casos líneas horizontales o verticales y figuras geométricas que crean armonía en la obra.

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul. 1921.

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul. 1921.

Theo van Doesburg, Contra-Composition of Dissonances, XVI. 1925.

Theo van Doesburg, Contra-Composition of Dissonances, XVI. 1925.

Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo. 1937.

Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo. 1937.

Theo van Doesburg, Composition XIII. 1918.

Theo van Doesburg, Composition XIII. 1918.

Piet Mondrian, Composición con gris y luz tostada. 1918.

Piet Mondrian, Composición con gris y luz tostada. 1918.

Theo von Doesburg, Composition XIII (Woman in studio). 1918.

Theo von Doesburg, Composition XIII (Woman in studio). 1918.

Broadway Boogie-Woogie es una obra muy particular e interesante dentro del Neoplasticismo. Aunque sigue los patrones y características de la corriente artística, en esta pintura se agregan elementos que entrelazan y cruzan los sentidos. El espectador va más allá de la visión, una técnica de Sinestesia sin duda y que para los sinestéticos como yo le resulta alucinante.

Según Mondrian la pintura es una representación de una calle de Broadway, NuevaYork. El título de la obra es el de un famoso baile y alusivo a la canción Boogie Woogie Stomp de Albert Ammons, la cual en lo personal les recomiendo escuchar mientras aprecian la obra.

Piet Mondrian, Broadway Boogie-Woogie. 1921.

Piet Mondrian, Broadway Boogie-Woogie. 1921.

Blaue Valentín

Der Blaue Reiter, en español El jinete azul, fue un movimiento artístico-pictórico que surgió en Múnich, Baviera. El movimiento nació como una facción dentro del Expresionismo. Sus fundadores fueron Wassily Kandinsky y Franz Marc. Culminó siendo un movimiento relativamente corto que sólo duró de 1911 – 1913. Su brevedad se debió a posteriores evoluciones que culminaron en el famoso Expresionismo Alemán.

Autorretrato, W. Kandinsky

Autorretrato, W. Kandinsky

Autorretrato, F. Marc

Autorretrato, F. Marc

Kandinsky, Der Blaue Reiter. 1944.

Kandinsky, Der Blaue Reiter. 1944.

La base y el postulado principal que siguió este movimiento fue la igualdad de derechos en las diferentes manifestaciones artísticas. Cada artista era visto como un cúmulo de experiencias internas y externas que se daban la mano gracias a la vía del arte.

El nombre del movimiento tiene su génesis en un cuadro de Kandinsky que llevó ese título. Los artistas que pertenecieron al Blaue Reiter crearon y desarrollaron una conexión con el arte primitivo, el Gótico, África, el gran Oriente, pero sobre todo con el arte infantil.

El color tuvo plena libertad en las obras del Jinete azul, eliminaron todo tipo de reglas, ningún color era exclusivo a nada. Según su noción no se tenían que respetar los tradicionalismos de que el césped es verde, el sol amarillo y el mar azul, cada artista podía ser como un niño y dar libertad a sus deseos y sobre todo a su imaginación.

Las pinceladas de la mayoría fueron sueltas y frágiles, dando una sensación de inacabado e inconcluso.  Der Blaue Reiter fue, sin lugar a dudas, un movimiento artístico importante en las vanguardias del siglo XX. Algunos de los postulados del arte contemporáneo y los nuevos movimientos pictóricos tienen como inspiración y motor al Jinete azul.

Franz Marc, Caballos rojo y azul. 1911.

Franz Marc, Caballos rojo y azul. 1911.

Franz Marc, La vaca amarilla. 1911.

Franz Marc, La vaca amarilla. 1911.

Franz Marc, Der Traum. 1912.

Franz Marc, Der Traum. 1912.

Franz Marc, Blaues pferd. 1911.

Franz Marc, Blaues pferd. 1911.

Franz Marc, Caballos azules. 1911.

Franz Marc, Caballos azules. 1911.

Franz Marc, La torre de caballos azules. 1913.

Franz Marc, La torre de caballos azules. 1913.