Una pizca de arte renacentista (Quatrocento)

Sirviendo de introducción la entrada Síntesis de la transición Medieval a la Modernahoy trataré de forma breve los rasgos más destacados y sobresalientes de los inicios del periodo que tanto admiramos y llamamos Renacimiento.

Giotto, Resurrección de Lázaro.

Giotto, Resurrección de Lázaro.

En los antecedentes de la pintura y la plástica destacó Giotto (1266-1337) siendo el iniciador de la pintura moderna. Buscó mejorar las técnicas pictóricas y experimentó con la perspectiva. Gracias a Giotto se logró mayor individualismo y realismo, sobre todo en las figuras humanas. Su serie de frescos sobre la vida de Cristo y la vida de San Francisco de Asís muestran la experimentación técnica y la evolución del Arte Medieval al Moderno. Giotto representó mayor diversidad e intentó mostrar distintas posiciones en una sola pintura. El talentoso Giotto fue un precursor que abrió el camino a los próximos artistas.

Las características generales del Arte del Renacimiento son:

  •  Arte que aspira a la perfección técnica.
  • Retorno a los modelos del arte clásico.
  • Antropocentrismo.
  • Glorificación e idealización del cuerpo humano.
  • Síntesis e unión de las artes.
  • Uso paralelo de temas mitológicos y judeocristianos.
  • Búsqueda de equilibrio y armonía.
  • Expresión de ideales de la época; confianza en las capacidades humanas, ideal del “uomo universalis” naturalismo, individualismo y humanismo.
Lorenzo de Medici

Lorenzo de Medici

En el siglo XV, conocido artísticamente como el Quatrocento, Florencia, bajo el gobierno y mecenato de los Médici, primero Cosme y luego su hijo Lorenzo el Magnífico, fue el centro artístico de mayor importancia. En 1492 murió Lorenzo y en medio de una gran confusión política tomó el poder el monje dominico Savonarola, instaurando un gobierno de fanatismo religioso y persecución de los artistas que duró seis años, hasta que murió el clérigo en la hoguera sentenciado por la Inquisición. La Toscana que fue la capital y sede de las artes, el humanismo y el Renacimiento, comenzó una paulatina decadencia en la cual la ciudad de Florencia perdió su liderato cultural.

Previo al Renacimiento lo más importante era la arquitectura, ahora la pintura y la escultura tomaron importancia y vida propia. Las iglesias continuaron siendo las edificaciones por excelencia. Las catedrales italianas son un conjunto formado por tres edificios:

  1. La Catedral
  2. El Campanario
  3. El Baptisterio
Duomo Florencia

Duomo Florencia

La Catedral de Florencia no tenía una cúpula y Cosme de Médici la encargó para celebrar una de sus victorias. La cúpula florentina se convirtió en un modelo a seguir. La construcción de dicha bóveda estuvo a cargo del conocido y afamado Brunelleschi. Se fue rompiendo con el esquema tradicional de las construcciones en forma de cruz a partir de este momento.

Artistas como Ghiberti se unieron a las labores artísticas y destacaron por nuevas técnicas como el vaciado de bronce de Las Puertas del Paraíso del baptisterio.

Ghiberti, Puertas del Paraíso.

Ghiberti, Puertas del Paraíso.

Donatello con su David, presentó a Florencia como la figura del bíblico David; hombre joven que encarna el triunfo. Esta escultura conmemoró la victoria de Florencia sobre el ducado de Milán. Aquí al igual que Ghiberti se usó la técnica del vaciado de bronce.

Donatello, David.

Donatello, David.

Masaccio en La Trinidad mediante la pintura al fresco, creó una ilusión pictórica con la arquitectura. Masaccio dominó el arte de la perspectiva totalmente. En la obra están los tres componentes de la trinidad, la Virgen María y Juan Apóstol.

Masaccio, La Trinidad.

Masaccio, La Trinidad.

Mantegna y El Cristo Yaciente destacó por el realismo. Pintó la escena como si los espectadores estuviéramos al pie de la cama. Representó a María como una mujer vieja, con una mano fuerte y muy grande. Rompió con cánones, incluso posteriores a él, pero trajo el realismo máximo a la obra.

Mantegna, Cristo yaciente.

Mantegna, Cristo yaciente.

Perugino en La entrega de las llaves introdujo entre los laterales de la Capilla Sixtina una escena antigua con personajes vestidos con la ropa de su época, estando todo en armonía y equilibrio. (Una técnica ya utilizada por el Greco). Esta obra es además un ejemplo claro del excelente dominio de la perspectiva central y el individualismo de los personajes.

Perugino, La entrega de las llaves.

Perugino, La entrega de las llaves.

Boticelli:

El nacimiento de Venus usó la mitología, restándole un poco de importancia a la perspectiva, pero enfocándose en lo mítico y clásico.La figura principal es la diosa Venus destacando el amor, la belleza y la fertilidad.

Boticelli, El nacimiento de Venus.

Boticelli, El nacimiento de Venus.

Adoración de los Magos, es una obra representada de manera muy distinta, aunque es una escena de mucho gusto para los artistas, en realidad los reyes y sus acompañantes son la familia Médici. Boticelli también se pintó en la obra, técnica que en el futuro se pondría de moda.

Boticelli, Adoración de los Magos.

Boticelli, Adoración de los Magos.

El Decamerón – Giovanni Boccaccio

Giovanni Boccaccio, El Decamerón

Giovanni Boccaccio, El Decamerón

Retomando el tema que inicié hace algunos días (Síntesis de la transición Medieval a la Moderna), hoy hago hincapié en la narrativa, hablando un poco sobre la gran obra de Giovanni Boccaccio. Decamerón es una palabra griega que significa diez por diez. Boccaccio, nativo de Florencia, fue un hijo fuera del matrimonio. Su padre era un hombre burgués, como todo un hijo de la burguesía Boccaccio recibió una educación de primera en Nápoles. Era un gran admirador de Dante y Petrarca, pero contrario a sus ídolos Boccaccio se dedicó a la prosa.

El Decamerón fue un gran éxito, el best seller de aquel entonces. Inmediatamente fue prohibido por la iglesia. Sin embargo, la historia de la humanidad ha demostrado que una vez se prohíbe un libro se alientan las ganas de querer leerlo. La obra continúo prohibida por la iglesia hasta el siglo XX. En El Decamerón vemos el nacer de la burguesía que se quedó con todo una vez se gestó. Lo que era importante en la Edad Media se volcó, ahora se convirtió en objeto de burla.

La nueva sociedad asumió una actitud de irreverencia, no respetó nada. Las personas eran amorales, no se consideran inmorales pues el inmoral desobedece un sistema que reconoce. El amoral no tiene un sistema moralista. Se valorizó el dinero y el gozo del momento, a la medida que surgían héroes y heroínas amorales. Una sociedad casi espiritual pasó a ser una casi material. Al hombre se le hace muy difícil crear un equilibrio.

El Decamerón tiene como subtitulo “el Príncipe Galeoto,” un personaje de las leyendas del rey Arturo y es el libro que estaban leyendo Paolo y Franccesca en la Divina Comedia antes de cometer el adulterio. Las cosas que Dante vio como sinónimo de pecado Boccaccio las encontró divertidas.

A tale from Decameron

A tale from Decameron

El Decamerón comienza con la descripción de la Peste Bubónica, mostrando el escenario que atravesó la Europa de ese momento. Inició en esa crisis un cambio de actitud: “disfrutar y no sufrir” ante la vida el humor es un arma. Un grupo de mujeres y hombres deciden marcharse a las afueras de la ciudad ante la ineficacia de los rezos y el sufrimiento. Este grupo cuenta diez historias por diez noches. Siendo algo muy trabajoso y extenso, a continuación les presentó algunas de mis historias favoritas:

  • La historia de Ciappelletto introduce al abogado, una profesión completamente burguesa. Toda su vida fue un tramposo y fraudulento, engaño por doquier para su satisfacción y beneficio propio. Aun así es visto como un hombre digno y ejemplar. Su confesión final fue su último gran caso legal. Ciappelletto cuenta su vida de una manera ficticia, no importan los medios, lo que importa es el resultado. Fue así como un charlatán, abusivo y delincuente de ser un hombre tan malo acabó siendo un santo de la iglesia.
  • Masseto en su historia se ve claramente al héroe amoral. Un hombre que se sale con la suya a base de engaños. Masseto acabó como guardián de un convento en el que regó el huerto a todas las novicias y a la Priora. Una de las monjas representa la nueva actividad científica, ella no conoce a los hombres y decide lanzarse al conocimiento empíreo, no basta la observación, se necesita la experimentación. Señalo que Boccaccio no denuncia las creencias y la fe, a él no le interesan los conceptos religiosos, sino la práctica de sus funcionarios.
  • En el caso del palafrenero vemos a un Boccaccio que es muy democrático. Esta historia presenta la lucha de la astucia. Un palafrenero gracias a su buen plan no solo se acostó con la reina, sino que sale ileso de cualquier castigo. Boccaccio trasmite el mensaje de que la inteligencia no depende del estatus o la casta social. La astucia te puede llevar incluso a burlar al rey.
  • En la historia de Ferondo, un pobre imbécil, es palpable la burla al Purgatorio. Como ya mencioné cuando discutía la Divina Comedia, el Purgatorio fue una creación de las escolástica medieval. Esta institución religiosa es burlada por un clérigo enamorado de la esposa de uno de sus seguidores que se aprovecha de la ignorancia del esposo. No quedando satisfecho con ello, encierra a Ferondo en un calabozo, haciéndole creer que es el Puergatorio. Ferondo regresa del “Purgatorio” no por purgar sus pecados, sino porque su esposa quedó embarazada.
  • La historia de Giletta trae a colación las nuevas visiones humanísticas y renacentista. Se presenta la inteligencia y astucia en el personaje de la mujer. En cierta medida la mujer está siendo igualada al hombre, aunque no del todo, si logra subir un gran escalón social siendo presentada con atributos que se creían exclusivos del hombre.
  • Confieso que mi historia favorita es la de Alibech y el rústico. Una desamparada e inocente joven se va en busca de la ayuda espiritual y la vida de retiro. Boccaccio llega a la picardía por medio de la irreverencia del discurso de la iglesia. En ningún momento se llaman las cosas por sus nombres. Siendo pues el Diablo y el Infierno, las metáforas para los órganos sexuales y resultado muy peculiar la expresión de meter el diablo en el infierno.
  • En la historia de Fray Rinaldo se burla a la lógica aristotélica y los silogismos que tanto usaba la escolástica medieval. Por medio de silogismos manipulados un fraile consigue que la esposa de su compadre de el consentimiento para tener relaciones carnales.
  • Otras historias son magnas como el hombre que es estafado por sus amigos luego de cobrar un dinero. Sus amigos le hacen creer que está embarazado y que necesita abortar. La ingenuidad es tratada de igual forma en el hombre como en la mujer, mencionando el ejemplo de la dama vanidosa que fue engañada por un religioso que luego de halagarla le hizo creer que el ángel Gabriel estaba enamorado de ella y usaría su cuerpo para consumar el acto.

El Decamerón es una obra extraordinaria para conocer no sólo la nueva actitud medieval, sino también nuestros actuales comportamientos y razonamientos.  En mi opinión, este libro debe ser leído luego de leer la Divina Comedia de Dante, ya que así veremos y entenderemos el gigante cambio que dio la sociedad. En suma, este libro puede curar hasta la más terrible de las depresiones. El Decamerón es una joya que rebasa los clásicos universales y debe ser una lectura compulsoria para la vida.

 

Este libro, sin duda alguna, lo califico con un 5/5.

Síntesis de la transición Medieval a la Moderna

Edad Moderna

Edad Moderna

Poco a poco la sociedad pasó de la Edad Media a una cultura nueva. Este cambio se venía cociendo desde la Baja Edad Media. En el siglo XIV se comenzó a ver un cambio cultural que culminó en una época de transición en la que la sociedad fue dejando atrás muchas nociones. “Lo nuevo” fue acogiendo a una sociedad vacía que ya no sabía en qué creer y a medida que dormitaba dejaba de ser medieval, pero no sabía aún hacia donde se dirigía.

1350 La Peste Bubónica

1350 La Peste Bubónica

Los valores sociales y humanos cambiaron con el paso del tiempo y desapareció una forma de ser. Para el año 1348 se desató la peste bubónica. La gran epidemia de peste bubónica, también llamada peste negra, se cree que acabo con 1/3 de la población europea. La crisis fue tal, que trastocó todos los valores que la larga Edad Media encubó y abrazó.

Médico Medieval

Médico Medieval

Curiosamente, fue la peste bubónica la que trajo a colación una de las figuras más emblemáticas para el folclore y la cultura del terror y el horror; el Médico Medieval, también conocido como Médico Brujo. Como muestra la imagen de la derecha, es ese personaje que de sólo verlo quedamos fascinados y casi enamorados de él. Su uniforme receptivo para protegerse de la peste negra incluye la fascinante y aterrante máscara. Los extraños picos de las máscaras estaban rellenos de sustancias aromáticas, ya que se entendía que funcionaban como un agente protector contra las infecciones.

Desde el punto de vista histórico, se suele considerar a la peste negra como uno de los factores que contribuyó y aceleró la crisis del sistema feudal y, con ello, el final de la época medieval y el paso a la modernidad.

Hoy día sabemos que la peste bubónica fue ocasionada por una bacteria que trasmitió la pulga de la rata negra. La picadura de la pulga avanzaba a una infección que iba directamente al sistema linfático de la persona y lo destruía. La sociedad de aquel momento conocía y tenía pocos hábitos de higiene, sumado a eso estaban las ciudades puertos, que eran los principales centros de intercambio y comercio, pero también el epicentro de la propagación de enfermedades.

Mapa político de la Europa Moderna

Mapa político de la Europa Moderna

Las personas rezaron, rezaron y rezaron hasta sentir impotencia, no sabían como enfrentar esta crisis. Poco a poco se fue desmoralizando la humanidad europea. En el aspecto económico cada día la burguesía se hacía más fuerte. En el ámbito político habían demasiadas turbulencias que desencadenaron dos tendencias: Países unificados como Gran Bretaña y Francia y territorios que no lograron unificarse como la península italiana, los estados germánicos y los Balcanes. En cuanto al poder de la iglesia, iba en picada hacia la decadencia.

La burguesía al dominar el aspecto económico impuso sus valores. Apareció el aprecio a los bienes materiales, se gestó la filosofía de trabajar para tener lujos, valorando la astucia que trae la gran competencia. Es ahí donde está la génesis de la mentalidad que apela a pasarla bien y disfrutar. Había que ser listo y para ello era necesario tener un plan. La cultura y los nuevos valores se van a los extremos y no dan lugar a los términos medios.

En su gran mayoría toda la nueva visión de mundo se vio trastocada por la gran crisis religiosa. En el mundo eclesiástico solo podían ser papas los nobles, muchos de ellos no querían estar en esas posiciones y altos cargos. No todos los clérigos tenían vocación religiosa, lo que resultó en una gran corrupción en la alta jerarquía cristiana y la práctica de la simonía.

En los territorios de los estados de la actual Italia, desde el siglo XIV, comenzó un movimiento de renovación e interés por los valores humanísticos de la edad antigua; específicamente la cultura grecorromana. Fue un movimiento que se extendió a las artes plásticas, las letras, la ciencia, la política y la religión. El máximo esplendor de este nuevo periodo se dio en los siglos XV y XVI y es lo que tradicionalmente conocemos como Renacimiento.

El Renacimiento no surgió de improviso, en los últimos siglos de la Edad Media se dieron las condiciones que prepararon el camino. Los cambios se definieron gracias a factores:

  • Demográficos: movimiento poblacional del campo a la ciudad. La agricultura sufre una gran crisis al cambiar los modos de producción y darse un paso paulatino a la industria y manufactura.
  • Económicos: inicios del mercantilismo, el comercio internacional, la distribución mercantil a gran escala y la banca. La clase burguesa obtuvo cada vez mayor poder al ser la controladora de todos los aspectos económicos.
  • Políticos: se afianzó el poder de las monarquías y se dio un proceso de unificación nacional en países como Gran Bretaña, Francia y España. En otras regiones, la unidad cultural no podrá traducirse en unidad política, es lo que ocurrió, como ya mencioné, en la península itálica, los Estados Germánicos y la región de los Balcanes.
  • Sociales: los valores de la burguesía como el aprecio de los bienes materiales, el deseo de progreso y el valor de la astucia y la inteligencia, se impusieron en la sociedad, desplazando poco a poco a lo puramente religioso.
  • Religiosos: el poder papal que había unificado la cristiandad durante siglos, entró en una gravísima crisis. En 1309 la sede del Papado se trasladó a la ciudad francesa de Avignon, provocando protestas masivas. El periodo del Papado de Avignon se distinguió por una corte y administración fastuosas de gran corrupción en la alta jerarquía eclesiástica. En 1377 se fijó nuevamente la Santa Sede en Roma, pero intrigas políticas del bando francés impidieron una solución pacífica, ocurriendo así el Gran Cisma de Occidente. Dos Pontífices, uno en Roma y el otro en Avignon reclamaron la autoridad. Al resolverse finalmente la controversia el Papado se estableció definitivamente en Roma, pero quedaron profundas huellas sociales.
  • Artísticos: el arte se diversificó y secularizó. Ahora los artistas buscaban mayor naturalismo y perfección técnica. Destacaron tres artistas que son representativos de estas nuevas visiones de mundo:
  1. Petrarca (1304 – 1374): Iniciador de la lírica moderna. En su Cancionero estableció los fundamentos de una poesía más individualista y cercana de la realidad psicológica humana. Expresó toda la ambivalencia y ambigüedad de los sentimientos humanos, en especial del sentimiento amoroso. Fue estudioso de los clásicos y precursor del interés por los estudios humanísticos.
  2. Boccaccio: (1313 – 1375): Iniciador de la narrativa moderna. En sus obras se refleja la rebeldía de la nueva sociedad burguesa que quiere vivir de forma alegre y divertida, lejos del misticismo y la teología. Su obra cumbre, El Decamerón, ha sido llamada “La épica mercantilista” pues retrata magistralmente la mentalidad burguesa y urbana. Exalta la vida presente, el amor terreno, las pasiones humanas y el goce de las mismas en una narración elegante colorida y pícara. La obra apareció en el año 1351. Los que conocemos esta narrativa, aunque nos divertimos en cantidad y reímos desmesuradamente, no dejamos de preguntarnos ¿qué paso en tan poco tiempo? ¿Qué sucedió con la obsesión religiosa? El Decamerón es una obra que sintetiza la nueva visión social y los nuevos valores: ahora lo peor es ser tonto, hay que ser listo y astuto para triunfar en la vida. Lo que importa es el aquí y el ahora. Se resta el valor y la importancia de la vida en el más allá.
  3. Giotto: (1266 – 1337): Iniciador de la pintura moderna. Buscó mejorar las técnicas pictóricas y experimentó con la perspectiva. Trató de lograr mayor individualismo y realismo, sobre todo en la figura humana. Su serie de frescos sobre la vida de Cristo y la vida de San Francisco de Asís muestran su experimentación técnica.
Leonardo da Vinci, Hombre de Vitruvio.

Leonardo da Vinci, Hombre de Vitruvio.

Todos los cambios y los nuevos valores trajeron una perspectiva de renovación cultural dentro del Renacimiento. La nueva postura conocida como Humanismo, surgió en la Toscana y aunque su inspiración tenía raíces en la antigüedad griega y romana no se quedó en ello. El humanismo se caracterizó por la exaltación del ser humano, los intereses en la ciencias y el progreso técnico y la utilización de la lenguas vernáculas.

Las academias impulsaron el pensamiento humanista y gracias a la invención de la imprenta se facilitó la difusión del mismo. En las universidades se trasmitían los nuevos conocimientos y se gestó a la par del concepto humanista la idea del hombre universal. El antropocentrismo de la época reflejó lo que se consideró como la armonía existente en el Universo; la idea de que el ser humano ha sido creado para dominar el mundo, y que dispone de ingenio y fuerza suficientes para conseguirlo.

Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494), erudito y humanista, en su Oración sobre la dignidad humana pone en boca de Dios las siguientes palabras en el momento de la creación de Adán:  

Te he puesto en el centro del mundo para que puedas mirar más fácilmente a tu alrededor y veas todo lo que contiene. No te he creado ni celestial ni ser terreno, ni mortal ni inmortal, para que seas libre educador y señor de ti mismo y te des, por ti mismo, tu propia forma. Tú puedes renegar hasta el bruto o, en libre elección, regenerarte hasta lo divino… Sólo tú tienes un desarrollo que depende de tu voluntad y encierras en ti los gérmenes de toda la vida.

El humanismo pretendió sustituir el sistema mental jerárquico de la sociedad medieval con una perspectiva que, si bien era individualista, tendía a una unión fraterna con igualdades sustanciales entre todos los seres humanos. Los humanistas no deseaban en absoluto renunciar a sus creencias cristianas, o a lo que les parecía el núcleo esencial de la religión como la existencia de Dios, la inmortalidad del alma y la virtud moral. Sostenían una concordancia metafísica entre antiguos y cristianos.

Los estudios humanísticos, la observación de la naturaleza y el nuevo espíritu de investigación desbordaron las concepciones aristotélicas y ptolemaicas del Universo. Inició un cambio radical en la concepción del mundo y sumado a los avances científicos se fueron desechando ideas absurdas que eran dadas por verdades absolutas y nacieron teorías en base a los nuevos estudios. Algunos de los más destacados científicos de ese momento fueron:

  • Andrés Vesalio: en 1543 publicó De Humani corporis fabrica libri septem, Vasalio fue uno de los que inició el estudio de la anatomía, basó sus ideas en la observación directa y la prueba. Su publicación constituyó un punto de partida y llegada.
Vesalius

Vesalius

  • Girolamo Fracastoro: en 1546 publicó De contagione et contagiosis morbis, tenía muchas ideas cruzadas a su época. Se le atribuye el concepto de contagio. Desde sus inicios se opuso a la práctica de la sangría. Trajo una visión social de la medicina y relacionó los temas de enfermedad y pobreza. Hoy día lo conocemos como el padre patología moderna. Es el primero en conseguir una descripción exacta de las enfermedades epidémicas y el primero en mostrar la contagiosidad de la tuberculosis.
  • Paracelso: dio los fundamentos físico-químicos de la vida.
  • Miguel Servet: (1511 – 1553) médico español ejecutado por los calvinistas en la hoguera, descubrió la circulación sanguínea.
  • William Harvey: (1578 – 1657) sistematizó los descubrimientos de Servet.
Circulación

Circulación

  • Nicolás Copérnico: Elaboró la teoría heliocéntrica del universo. Chocó fuertemente contra la iglesia. También mostró el giro de la tierra sobre su eje y la movilidad permanente de los planetas alrededor del sol.
Sistema Copernicano

Sistema Copernicano

  • Giordano Bruno: amplió el sistema copernicano con una visión panteísta del universo, fue quemado por sostener sus teorías en Roma.
  • Tycho Brahe: Llegó a la concepción elíptica de las órbitas y fundó el primer observatorio astronómico.
Modelo de Brahe

Modelo de Brahe

  • Johannes Kepler: enunció las leyes referentes a la mecánica celeste.
  • Galileo Galilei: refutó toda afirmación que excluyera la comprobación experimental. Basándose en el sistema copernicano estudió las leyes de movimiento y gravedad. Mostró la nueva actitud al arriesgar la vida por llegar al conocimiento.
El Duomo y el Batisterio de Florencia desde el Piazzale Michelangelo

El Duomo y el Batisterio de Florencia desde el Piazzale Michelangelo

La sabiduría del pasado ya no se tomó como autoridad única, todo se cuestionó y se prefería lo que se pudiera probar por la experiencia. Las nuevas corrientes culturales comenzaron a manifestarse en la Baja Edad Media en la ciudad de Florencia. Un siglo después ya habían triunfado en casi todo Occidente.

En conclusión, el desapego por lo que ya existía y las ansias por conocer y aprender fueron los principales motores para el cambio de lo Medieval a lo Moderno. Es meritorio señalar que no solo se quedó ahí, la educación jugó un papel importante y salió de los monasterios y las instituciones religiosas. Ese término al que llamamos Renacimiento se traduce como un fenómeno cultural que expresó grosso modo los aspectos de la cultura occidental en torno al 1500 como momento inicial de la historia moderna de Europa.

Humanismo laico

Humanismo laico

Lo fundamental del humanismo renacentista fue su tendencia a la universalidad y su capacidad de expresar valores adecuados a un tipo de sociedad en desarrollo dinámico. El humanismo italiano del siglo XV apareció esencialmente ligado a la ideología de una burguesía mercantil, ciudadana y precapitalista. Al transplantarse a otras sociedades donde la burguesía no era la misma se mostró igualmente fructuoso. Esto significa que, al margen de sus particulares formas éticas, artísticas o literarias, el Renacimiento y el Humanismo acertaron a ser históricamente funcionales.

El arte constituyó el campo en que la visión humanística alcanzó sus realizaciones más coherentes y continuas, así como más originales y fecundas. Se legitimó, por primera vez en muchos siglos, el valor autónomo de la obra de arte. El arte y la plástica renacentista son grandes y abarcadores temas que merecen una entrada propia y otro día atenderé.

El matrimonio Arnolfini – Jan van Eyck

Continuando con el tema del Renacimiento Nórdico y con la entrada previa como introducción; (El Renacimiento Nórdico, Protorrenacimiento o Gótico Tardío), hoy hablo un poco de uno de los grandes artistas flamencos, tomando como ejemplo de discusión y análisis una de las obras más emblemáticas y significativas en el mundo de las artes. En la pintura, pese a algunas discrepancias, se puede afirmar que Jan van Eyck, trajo los cambios e innovaciones al Norte de los Alpes.

Existen muchos mitos sobre la relación entre Jan y su hermano Hubert, disputas que incluso cuestionan la autoría de algunas de sus obras. Aun así, los hermanos van Eyck ya sea con una relación de complementación o de maneras independientes, crearon una técnica y un estilo al cual podemos adjetivar como eyckiano.

Jan van Eyck, Retrato de hombre con turbante rojo. 1433. (Posible autorretrato)

Jan van Eyck, Retrato de hombre con turbante rojo. 1433. (Posible autorretrato)

Al apreciar las pinturas de Jan van Eyck se observa un arte nuevo que representa la vida de manera diferente. Una de las características más destacadas es el cruce entre la realidad y la fantasía sin ocasionar ningún tipo de conflicto pictórico. Es de conocimiento que Jan van Eyck tuvo relaciones muy estrechas con la corte de Borgoña, pero encontraremos muy poca influencia de los territorios más al sur de Bélgica en su pintura.

Van Eyck comenzó por innovar los procesos de creación y la elaboración de materiales. Aunque no todos los historiadores del arte afirman que él fue el creador de la técnica del óleo, si podemos apostar por él.  La técnica del óleo dio a los artistas colores más brillantes y múltiples pinceladas capaces de captar los reflejos de la luz en los ojos de los personajes de la obra.

El óleo permitió alcanzar el más fino barniz y el más grueso de los impastos. Fuera Jan o Hubert, los hermanos van Eyck se convirtieron en los padres de la Pintura Moderna, a partir de ellos la mayoría de los pintores, hasta hoy día, eligen la pintura al óleo como su principal técnica de creación.

Jan van Eyck mostró que la Naturaleza se puede representar con exactitud. Su pintura podría llamarse; espejo visible del mundo. Aunque van Eyck creó pinturas sobre la naturaleza y temáticas religiosas, la gloria máxima la alcanzó como retratista. A mi criterio, aseguro que es la pintura El matrimonio Arnolfini la más destacada y la que reúne lo mejor de Jan van Eyck como retratista y pintor en general. En adición a que es la obra que lo define como artista pionero y futuro ícono de movimientos artísticos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

El matrimonio Arnolfini presenta el momento del intercambio de votos nupciales entre el comerciante italiano Giovanni Arnolfini y su recién esposa Juana de Chenany, también llamada Giovanna Cenami. Al prestar atención a la obra, nos fijamos en la alfombra, el rosario, los zapatos, incluso una mascota, entre muchos otros detalles que nos dan la sensación de ser nosotros quienes visitamos a la pareja en sus aposentos.

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, como también se conoce a la obra, está inmerso en múltiples detalles que a su vez están acompañados de una iconografía con una diversidad de posibles interpretaciones. Jan van Eyck transportó acontecimientos sobrenaturales de un escenario simbólico a un espacio ordinario. La pintura goza de un simbolismo disfrazado en el que todos los detalles son portadores de un mensaje. Es ese simbolismo desmesurado el que convierte esta pintura en una de las fuentes de inspiración para la futura pintura metafísica y artistas como Giorgio de Chirico.

El Maestro de Flémalle y Jan van Eyck (Técnica)

El Maestro de Flémalle y Jan van Eyck (Técnica)

Al analizar detalladamente el espejo que aparece en esta pintura notamos la importancia de la perspectiva y la realidad. En el espejo van Eyck presenta a los novios desde el otro plano, de espaldas, y la presencia de otros dos personajes en la obra; un funcionario religioso y él mismo van Eyck. Esta técnica fue sin lugar a dudas del agrado de muchos artistas posteriores como Diego Velázquez en su obra Las Meninas y Francisco de Goya en el Retrato de la Familia de Carlos IV. Sien embargo, no fue Jan van Eyck el primero en usar está técnica, sino otro artista flamenco, el Maestro de Flémalle. En obras como San Juan Bautista y Le Peseur d’or et sa femme, que datan de años previos a van Eyck, encontramos espejos y objetos en los que se reflejan las imágenes y el artista las capta tal cual.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle espejo.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle espejo.

Al rededor del espejo, encontramos en su marco diez de las catorce imágenes de la Pasión de Cristo, el mismo se encuentra relativamente cerca de la ventana, una frecuente tradición; usar un espejo para alejar la mala suerte. Sumado a las escenas de carácter sagrado, apreciamos una sola vela encendida en el candelabro, posible simbolismo de la presencia del Cristo omnividente o la llama del hogar. También aparece un rosario, un regalo común del esposo a su amada. El rosario de los Arnolfini es de cristal, signo de la pureza y virtud de la novia, pero también de la pureza del sacramento del matrimonio

Jan van Eyck, El matrimonio Alnorfini. 1434. Detalle lámpara.

Jan van Eyck, El matrimonio Alnorfini. 1434. Detalle lámpara.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle zuecos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle zuecos.

Aunque la visión y la pasión religiosa de la época eran enormes, enfocando el hecho de que los novios están descalzos, todos los factores elaboran la idea de reverencia al pisar la Tierra Sagrada. También desde la Edad media se tenía la creencia de que pisar con los pies desnudos aseguraba fertilidad. Con relación a los zuecos notamos que los de la novia están cerca a la cama indicando su espacio íntimo e interior, mientras que los de Giovanni se encuentran más alejados, señal de que es el encargado del sustento y el trabajo en el exterior.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle cama y zuecos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle cama y zuecos.

 

Señalo que a pesar de que la mayoría de los críticos concluyen que la obra se desarrolla en la alcoba nupcial, se debe tener presente que en las casas de los años 1400’s, y mucho más frecuente en Borgoña y Brujas, era de total normalidad contar con una cama en el salón principal donde se atendía a las visitas. Hablando de la cama, cabe mencionar el ciclo de vida que la misma representa pues es en ella donde nacían los niños y donde fallecían los ancianos. En este casó las sábanas de color rojo simbolizan la pasión y el amor conyugal.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle naranjas.Sabemos que Giovanni Alnorfini fue un rico mercader italiano. El uso de elaboradas túnicas como parte de su vestimenta lo indica. Detalles en la apariencia física de la habitación, los muebles, la alfombra procedente de Anatolia, dejan en evidencia la buena posición económica y social de Arnolfini. Muchas de las piezas son de diferentes ciudades europeas, por lo que el cuadro también indica la prosperidad burguesa y el intercambio cultural de la ciudad de Brujas. Al enfocarnos notamos unas naranjas cerca del alféizar de la ventana, no están ahí porque sí. Las naranjas eran importadas del sur, en el norte de Bélgica eran un verdadero lujo. Aunque son símbolos claros de estabilidad y prosperidad económica, otros críticos han señalado la posible evocación al Paraíso Perdido.

Santa Catalina (Maestro de Flémalle) Juana de Chenany (Jan van Eyck)

Santa Catalina (Maestro de Flémalle) Juana de Chenany (Jan van Eyck)

Hablando un poco de Juana de Chenany, todos dan por sentado que está embarazada al ver la pintura. Lo cierto es que no lo está. Sostiene el vestido junto a su vientre en una posible señal de deseo y ansia por convertirse en madre. Varios críticos interpretan un acto de picardía en ella como gesto del coito que próximamente consumaría el matrimonio.

Lo cierto es que no se debe pasar por alto que los esposos están en una representación antagónica en la que el hombre bendice a la mujer y ella en una actitud sumisa acepta el liderato del esposo. El verde del traje de Juana enfatiza la viva paleta de colores de van Eyck, pero es también un símbolo de fertilidad y maternidad. En la representación de Juana de Chenany, van Eyck se inspiró en una representación de Santa Catalina del Maestro de Flémalle.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle Santa Margarita y Santa Marta.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle Santa Margarita y Santa Marta.

Otra simbología femenina es palpable en la estatuilla de una mujer y un dragón junto a una escobilla. Es muy probable que la mujer represente a Santa Margarita, la patrona de los alumbramientos, y la escoba a Santa Marta, patrona del hogar. Pese a todo esto y como es de conocimiento histórico, Juana de Chenany nunca se convirtió en madre.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle perro.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle perro.

El perro que goza de perceptiva central y un primer plano, es un símbolo de fidelidad. En esta mascota Jan van Eyck se lució completamente. Quienes hemos tenido la oportunidad de apreciar la obra personalmente podemos ver como el pelaje del animal da un impresión  tan real que pareciera que cada pelo fue pincelado individualmente. No conforme con esto, los ojos del perro fungen como espejos en los que también se reflejan partes de las escenas.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle firma.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle firma.

Finalmente, otra de las muchas innovaciones que trajo Jan van Eyck fue la firma en las obras. Previamente el arte medieval era uno colectivo que no tenía un fin personal ni lucrativo, por lo que no era importante firmar o dejar constancia de la creación de una obra. Con el Renacimiento y la llegada de la Edad Moderna, los valores del individualismo comenzaron a cobrar importancia, nos encontramos con artistas que quieren dar a conocer su talento e inmortalizar su figura. Van Eyck no sólo dio constancia de su autoría al pintarse en la obra, sino que también en la parte superior al espejo firma con la expresión latina Johannes de Eyck fuit hic, Jan van Eyck estuvo aquí.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle gárgola.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle gárgola.

La interpretación más aceptada de El matrimonio Arnolfini, es que es una alegoría del matrimonio y la maternidad. La presencia del clérigo y de Jan van Eyck como testigo, que incluso firmó la obra, son la evidencia de que la obra fue un certificado matrimonial pictórico.

En ese sentido desestima las alegaciones de que un matrimonio se celebraba en la iglesia y no en un hogar. Según las leyes del momento siempre que se presentara la evidencia contundente el matrimonio se podía realizar en privado.

Aún así, el hecho de que Juana de Chenany nunca se convirtió en madre y el encuentro de correspondencia de Jan van Eyck y Giovanni Arnolfini, se sumaron a especulaciones de que Arnolfini era un mujeriego. Una gárgola sonriente que se aprecia en la obra y que no había sido analizada anteriormente llevó a que, basándose en lo ya mencionado, naciera una nueva interpretación. La moderna lectura indica que se representa un exorcismo o ceremonia para que Juana recuperará la fertilidad. Una interesante interpretación muy especulativa y cargada de los gustos contemporáneos. En lo personal la estudié, pero la desestimé al rato.

Así concluyo este pequeño estudio de la que es mi obra de arte favorita. Considero que un detalle que no debemos olvidar es que esta magnífica obra tan solo mide 82 cm x 60 cm, 3′ x 2′ aproximadamente.

El Renacimiento Nórdico, Protorrenacimiento o Gótico Tardío

Uomo_ Vitruviano

Uomo_ Vitruviano

En las ciudades de Florencia y Roma, y por casi toda la península itálica, llegó una nueva visión de mundo que como todas, vino acompañada de una filosofía de vida diferente e innovadora con relación a las ideas medievales. Fue así como el Renacimiento comenzó a dar vestigios por la costas tirrenas y adriáticas.

En los aspectos sociales fomentó la educación humanista e interdisciplinaria, con base en los textos clásicos grecorromanos. Se buscó en adición convertir al hombre en el Uomo Universale. El mundo de las artes entró en rigurosos cánones estéticos y rescató los valores culturales de las antiguas Grecia y Roma, motivo por el cual se llamó al movimiento Renacimiento.

Los Alpes

Los Alpes

Mientras esto pasaba, incluso desde algunos años antes, una nueva perspectiva sobre la realidad se manifestó en los países del norte de Europa. Muchos historiadores del arte utilizan términos como Protorrenacimiento, Renacimiento Nórdico y Gótico Tardío, para llamar a esta corriente artística. Cabe señalar que el Renacimiento Italiano creó obras con proporciones más realistas, alejándose por completo de las desmesuradas desproporciones del arte medieval y trayendo consigo el gusto por la perspectiva central.

Sin embargo, la realidad artística del Renacimiento Italiano respondió más al ideal de belleza clásico.  El Renacimiento Nórdico, en contraparte, pretendió crear un arte fiel a la Naturaleza, elaborando cuadros que casi parecen cuentos de hadas en donde la escala y la proporción son manejadas a la voluntad del artista, pero sin perder la perspectiva de la realidad. Podemos utilizar pues a los Alpes como una frontera entre dos renacimientos con objetivos comunes, pero con muchas diferencias visuales.

Región de Flandes

Región de Flandes

Más allá de los Alpes, a mi criterio, fue Flandes la ciudad equivalente a la Florencia de la Toscana. La región flamenca poco tenía que envidiar a las ciudades y ducados italianos. A nivel social y económico gozó de orden político y poder monetario.

Importantes familias también fomentaron las artes y la educación, tomando a artistas y jóvenes promesas como pupilos. Analizando las relaciones europeas de los años 1400’s, y excluyendo la península ibérica donde el Renacimiento tardó un poco más en llegar, la realidad es que el Protorrenacimiento Nórdico fue de mayor influencia que el tan alabado y estudiado Renacimiento Italiano.

Las relaciones diplomáticas y la cercanía territorial de Flandes con el Sacro Imperio Germánico, propiciaron más artistas flamencos en las cortes y territorios germanos, por lo tanto más influencia flamenca que italiana. En Gran Bretaña, aunque también tardó en surgir el Renacimiento Inglés, fueron más los artistas flamencos que se instalaron en Calais y cruzaron el canal de la Mancha llegando a las cortes inglesas, como ya mencioné en (Retratos flamencos en la corte inglesa). Incluso se debate sobre la previa existencia de artistas nórdicos en Polonia, antes de la llegada de los artistas florentinos que dieron inicio al Renacimiento Polaco.

Jan van Eyck, La virgen del Canciller Rolin. c. 1435.

Jan van Eyck, La virgen del Canciller Rolin. c. 1435.

La pintura flamenca es una muy particular y con un amplio lenguaje propio. El postulado de definir la belleza afín con la naturaleza muestra entonces que es en el arte nórdico donde se encuentra la raíz principal del Realismo y su evolución al Naturalismo. Tampoco se debe pasar por alto que fue en Flandes donde se elaboró la técnica del óleo, permitiéndole a los artistas un secado más lento que a su vez logra un mejor desempeño en la pintura y abre una nueva gamma de colores y tonalidades.

El Maestro de Flémalle, Anunciación. s. XV.

El Maestro de Flémalle, Anunciación. s. XV.

En mi opinión, el Renacimiento Nórdico elaboró un camino impresionante del cual se nutrieron muchas de las futuras corrientes y estilos artísticos. Una de las figuras más destacadas en la historia de la pintura flamenca y el Gótico Tardío fue Jan van Eyck, un extraordinario artista, y autor de mi obra de arte favorita, al que estudiaré en la siguiente publicación pues merece una entrada dedicada sólo a él.