A little bit of Greco

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Doménikos Theotokópoulos, el Greco, es uno de mis pintores favoritos, así que hoy he decidido introducir un poco de su obra. Este magnífico artista, adoptado por España, se ubica cronológicamente en el periodo que llamamos Renacimiento, aunque a mi me gusta más clasificarlo como manierista.

Entre las muchas características que marcan el siglo XV europeo, resaltó la belleza ideal, que va más allá de la naturaleza, nos hayamos ante una beldad matemática en la cual la palabra clave podría ser proporción. Las medidas, el sistema métrico y la belleza artificial del mundo, se convierten en complementos necesarios para alcanzar el ideal de belleza del momento.

La perspectiva tridimensional o el afán de convertir algo de dos dimensiones en un espacio que aparente tres dimensiones, es otra peculiaridad de este siglo y es obtenida mediante los cálculos matemáticos, marcando un punto focal y trazando diagonales para luego acomodar los componentes de la obra en orden de tamaño ascendente.

El Greco, Laocoonte

El Greco, Laocoonte

Finalmente, y la que debe ser la característica más importante dado que otorga el nombre a este estilo artístico, es la vuelta a los modelos clásicos griegos y romanos o al llamado mundo grecorromano, grecolatino para otros. Distinto a lo que señalan muchos historiadores del arte, soy de la opinión que el Renacimiento no es una copia del Clasicismo, sino una inspiración basada en unos ideales de belleza, medidas y proporciones.

Es este entorno presentado, es en el que colocamos al Greco. No obstante, como pasa con la mayoría de los estilos artísticos, no son dogmas de fe y mucho menos estáticos de su principio a su final. Entran entonces subcategorías o, como prefiero llamarlas, corrientes que agrupan un conjunto de particularidades que permiten  y facilitan su estudio.

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Es así como llegamos al Manierismo aproximadamente para el año 1520. Cuando en el Renacimiento la belleza se supera por la emoción es que hablamos de Manierismo y es cuando, a mi criterio, mejor destaca y sobresale el Greco.

La formación del Greco se dio entre su natal Grecia, en Italia y España. Los roces religiosos a los que se expuso el artista a lo largo de su vida serán influencia decisiva en sus pintura y creaciones artísticas. En la Grecia del momento eran cristianos ortodoxos, pero el Greco pertenecía a la minoría católica, enfrentándose a una dualidad de principios artísticos y pictóricos.

El Greco es uno de esos artistas que logró un lenguaje pictórico propio, en otras palabras sus pinturas son reconocibles por rasgos únicos. Aunque en la historia del arte no hablamos de una Escuela del Greco ni utilizamos un adjetivo como greconiano, sin lugar a dudas, el Greco nos deleitó de una forma singular.

El Greco recibió su oferta de empleo desde España y es en la ciudad de Toledo donde el artista madura y evolucionas sus técnicas pictóricas. Mencionando algunos ejemplos de su trabajo, marcaré algunas de las características particulares y únicas que definen el Manierismo, pero más que nada al Greco.

Recalco que donde más destaca o, según algunos historiadores del arte, triunfa el Greco es en los retablos y la pintura religiosa. Esto no debe sorprendernos, dado que todavía es temprano en el tiempo para la aparición de múltiples museos y por lo tanto las formas más importantes en las que un artista plástico podía resaltar y ganar dinero y fama eran o en la corte o en la iglesia.

El Greco, La anunciación

La Anunciación, realizada entre los años 1575 – 1576, presenta el momento en el que el ángel Gabriel anuncia a María que será la madre de Jesús. El objetivo primordial de la obra es mostrar la espiritualidad. A simple vista, y más allá de la perspectiva central y el fondo clásico tridimensional, se aprecia la división de la obra en dos escenarios o mundos propios diferentes; el cielo y la tierra. Si bien no podemos afirmar que esto sea una técnica propia del Greco, sí fue él uno de los que mejor la utilizó.

Seguido de lo mencionado, destacan los colores antinaturales o colores imposibles, algo puramente del Greco. Estos colores eran básicamente imposibles en las vestimentas de la época, lo que causaba una emoción máxima en los espectadores.

En la virgen María notamos que esta vestida de los colores rojo y azul, aquí nuevamente el Greco fue un pionero en la historia del arte creando una iconografía y simbología en la vestimenta de la virgen, basada en los códigos religiosos de la Contrarreforma y que abundó en esta entrada anterior. La virgen con esta vestimenta representa a la virgen madre, posterior al milagro.

El expolio, es una obra emblemática del Greco. Luego de su realización la Catedral de Santa María de Toledo decide no pagarle al artista. La razón que da la iglesia es que es un cuadro que no se ajusta a los ideales de la Contrarreforma y a los valores de los católicos del sur. Todas las imágenes del momento, más rigurosamente en España, eran controladas por la iglesia, pues las mismas iban a inculcar un dogma.

El Greco, El expolio

El Greco, El expolio

El litigio entre el Greco y la Iglesia se extendió y se aclaró que no era un problema de calidad artística, sino de representación escénica. Nuevamente, hayamos la perspectiva central, la división en dos mundos, los colores imposible, pero ahora nos encontramos frente a una nueva peculiaridad del Greco; las figuras alargadas.

Los conflictos que la iglesia planteó al Greco eran que algunos personajes eran más altos que Jesucristo y le roban protagonismo, era una escena del siglo I y aparece un soldado del siglo XVI y en la parte inferior izquierda de la obra aparecen las tres Marías, algo que de acuerdo a la Biblia jamás sucedió en el momento en que van a desnudar a Cristo para ser crucificado.

El Greco de forma muy elocuente responde a la iglesia planteando que efectivamente hay personajes más altos que Cristo, pero él lleva ropa roja lo que acapara toda la atención, aunque si hay un soldado del siglo XVI, no podían olvidar que el dogma de Cristo no tiene caducidad y cierra mencionando que a pesar de que ningún evangelio dice que las tres Marías estuvieran juntas, el utilizó un libro de San Buenaventura que habla de la humillación que sintieron las tres Marías en el momento que desnudaron a Jesucristo.

Gracias a la polémica levantada por la iglesia El expolio se hizo famoso y el Greco se dio a conocer en toda la península Ibérica, la iglesia nunca pagó por el cuadro lo que lo hizo un fracaso económico, pero irónicamente a su vez un éxito publicitario.

El objetivo del Greco se convirtió en ser pintor de Felipe II, el monarca más poderoso del momento y que se encontraba trabajando en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Felipe II encargó una obra al Greco para el Escorial y el artista realizó El Martirio de San Mauricio.

El Greco, Martirio de San Mauricio

El Greco, Martirio de San Mauricio

Esta, que fue la gran oportunidad del Greco, no cumplió con las expectativas del rey. Felipe II pagó 500 ducados por la obra, pero no le encargo ninguna otra pintura al artista. La opinión del rey coincide con la de la iglesia, la obra no se adapta a los ideales de la Contrarreforma. El arte del Greco se apreció como uno pasivo y benevolente, no agresivo.

El cuadro no muestra claramente quien es San Mauricio, un hombre que se negó a reconocer a otros dioses y se convirtió en santo. El Greco puso el énfasis de la obra en la decisión de morir por la religión y no llenó las expectativas del monarca. En el cuadro se acentúan todas las técnicas que ya he mencionado del Greco, sobresaliendo más que nada las figuras alargadas y los escorzos en el mundo divino.

El Greco es el maestro de la técnica del escorzo que consiste en representar una figura saliendo de la perspectiva central hacia el espectador, una de las más difíciles técnicas artísticas. En el mundo del arte homoerótico moderno, se señala al Greco como uno de los pintores que mejor embellecé y resalta la figura masculina, esta obra bien podría ser un ejemplo de ese señalamiento.

Luego del fracaso con Felipe II, el Greco se quedó en Toledo y sólo trabajó la pintura religiosa, con alguno que otro retrato. El mercado del arte del momento eran las iglesias y afortunadamente el Greco se convirtió en el favorito de las iglesias.

El Greco, Entierro del conde Orgaz

El Greco, Entierro del conde Orgaz

Para cerrar este pequeño viaje por la obra del Greco presento la que a mi juicio es la obra más madura y fluida del artista; El entierro del Conde Orgaz. Esta obra fue un encargo del párroco de la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. La obra dividida en dos mundos, el celestial y el terrenal, utiliza a los ángeles como elemento de transición entre ambos y que representan al alma del conde Orgaz.

En la tierra ocurrió un milagro, un hombre tan bueno muere y dos santos descienden del cielo a cargar su cuerpo, los santos son San Esteban y San Agustín, los símbolos en su ropa los identifican. Según el dogma católico, ni los santos, ni los milagros caducan. El cielo se observa como una explosión o derroche de luz, algo que nos acerca a las ideologías dantescas del paraíso.

Dios, la virgen María y san Juan forman un triángulo, la figura perfecta por excelencia. La virgen madre, vestida de rojo y azul, es acompañada por un sinfín de santos, representativos de los dogmas del catolicismo. Una curiosidad señalada es que en el espacio celestial el Greco pintó a Felipe II. Los historiadores del arte dividen sus opiniones sobre el porqué Felipe II aparece en la pintura. Para algunos el Greco no perdía la esperanza de trabajar para la corte, para otros es la manera de pensar y vivir en ese siglo lleno de guerras, el rey está en el cielo porque está haciendo todo lo posible por la única religión.

El Greco, el caballero de mano en el pecho

El Greco, el caballero de mano en el pecho

A manera de conclusión coloco algunos de los retratos y paisajes que realizó el Greco. Aquí resalto las técnicas de los rostros simétricos y los aros de luz que bordean los personajes y elementos haciendo juego con los fondos neutros y los semitonos.

Considero a este artista un eslabón fundamental en la cadena de la historia del arte. No podríamos hablar de pintura religiosa española sin tocar al Greco, tampoco hablar de pintura metafísica sin la simbología que en su momento el Greco comenzó. En el mundo español es aún más vital dado que como se observará en futuras obras de Velázquez, Goya, Picasso y Dalí, las alusiones e influencias del Greco son muy evidentes.

Tristemente con la muerte del Greco se pasó al Barroco y se olvidó un poco al artista. Elementos barrocos como el tenebrismo y los claroscuros ya son apreciables en las obras finales del Greco, así como una pincelada suelta y cada vez más alargada.

El Greco, Vista de Toledo

El Greco, Vista de Toledo

 

Pintura para pensar

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Ya comenté un poco el arte italiano del Futurismo, hoy pongo los ojos nuevamente en Italia, que fue la cuna de otro de los grandiosos movimientos artísticos; La Pintura Metafísica. Esta corriente artística fue gestada por el magnífico Giorgio de Chirico y uno de los grandes del Futurismo; Carlos Carrà.

Las pinturas de los metafísicos suelen representar plazas o lugares públicos idealizados y acompañados de una inmensa yuxtaposición de objetos, creando así un mundo en el que convergen las visiones con el inconsciente del artista. La Pintura Metafísica fue, sin lugar a dudas, necesaria y una de las principales fuentes de inspiración para el desarrollo de los futuros movimientos llamados Dadaísmo y Surrealismo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Ejemplos como “La Conquista del filósofo” de Giorgio de Chririco abarcan una obra completamente llena de elementos y factores tanto objetivos como subjetivos. No es posible pasar por alto algo, dado que todo en la representación goza de un simbolismo y significación mucho más importante que las pinceladas, colores o método de elaboración. Es de vital importancia el paso del tren bajo el reloj, como las alcachofas del primer plano, símbolos de sabiduría, conocimiento y que no debemos olvidar que hay que llegar al corazón de la alcachofa para deleitarnos con su sabor.

El gran juego

El gran juego

La inquietud por explorar el mundo interior del artista y el deseo por representarlo fueron los detonantes para crear esta nueva corriente artística. La Pintura Mestafísica suele estar cargada de objetos cotidianos que tienden a ser sacados de su contexto original por los artistas, dándole estos sus particulares y personales significados y representaciones. En la mayoría de las pinturas la yuxtaposición de los componentes suele unir diversos mundos o tiempos, e incluso hacernos ver un mundo irreal como real. 

DE CHIRICO 1La mayoría de objetos, plantas, edificios y demás componentes suelen ser representados de una forma que cumplen con las definiciones sociales de “realidad”, sin embargo, el contexto y el mundo de la pintura suele estar lleno de destinos o lugares que no suelen responder a la realidad representada de las cosas. Así pues, podremos ver un tren en el cielo, frutas tropicales en el ártico, entre una gran cantidad de elementos y escenarios “incompatibles”.

Georgio Bains mystérieux avec statue ou L'Idole des bains mystérieux , vers 1948El simbolismo es un elemento esencial en la Pintura Metáfisica y de vital importancia para la correcta comprensión de las obras y el movimiento artístico. Es por ello que muchos críticos del arte y estudiosos llaman a este movimiento como uno “elitista” que fue sólo para un sector social.

Más allá de las mencionadas críticas, en lo personal, considero que es un movimiento que necesita ser estudiado para ser entendido, pero no por ello debe ser etiquetado como secesionista y burgués.

Giorgio de Chirico, Palfreniere con due cavali, 1937Los juegos de colores, escenarios y elementos componen retruécanos pictóricos que es a mi juicio uno de los mejores legados de la pintura metafísca. En suma las complementaciones geográficas, territoriales y los elementos clásicos grecorromanos así como los toques homoeróticos hacen de Giorgio de Chirico uno de mis artistas preferidos y un gran maestro que sirvió y sigue sirviendo de inspiración a muchos artistas.

El GRANDE de los grandes

>>No puedo expicar la sensación al ver eso, me invadió y me consumió. Toco tan hondo que no me podía quedar tranquilo.<<

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, sin lugar a dudas, ha sido uno de los artistas más grandes que ha tenido nuestra historia. Aunque fue poseedor de un talento innato para crear obras de la magnitud de Velázquez, elaboró un lenguaje propio, muy personal y único.

Pablo Picasso

Pablo Picasso

Picasso abandonó su natal Málaga a temprana edad, estableciéndose en Barcelona; ciudad que sin duda marcó la evolución artística y su visión de mundo. Muchos artistas se parecen a su ciudad, Barcelona fue la Ciudad de la Furia para Picasso.

 

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso es una figura clave en el desarrollo de la pintura y la democratización del arte. En su carrera encontramos pinturas tradicionales españolas, pinturas melancólicas y nostálgicas muy características de su “Periodo Azul,”

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

los vaticinios de un cambio radical, que comenzó en el que los historiadores del arte llamaron “Periodo Rosa”, figuras colosales, diferentes perspectivas conviviendo en un mismo plano, geometrización y un sinfín de nuevas características nunca antes vistas, o muy poco tratadas, en el mundo de la Historia del Arte.

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Les Demoiselles D'Avignon. 1907.

Pablo Picasso, Les Demoiselles D’Avignon. 1907.

La constante búsqueda y el interés en otras culturas, como la africana, llevaron a Picasso a adentrarse en un mundo mágico que tuvo como resultado el “cubismo“.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso fue una figura clave para los posteriores movimientos de vanguardia en Europa. Gracias a él, el arte comenzó a dejar de ser una simple reproducción o representación simbólica. Picasso dio una nueva definición al arte. Un arte libre que no se rige por reglas arcaicas y que no es exclusivo a los sectores elitistas de la sociedad. 

Gracias y feliz cumpleaños Picasso.

El Museo del Romanticismo

Noche triste viste ya,
aire, cielo, suelo, mar.
Mirando del mundo profundo solaz,
esparcen los sueños beleños de paz.

Museo del RomanticismoCreo que no es un secreto para nadie que soy un romántico empedernido, así que porque no aprovechar los ratos que me quedan libres para complacerme y dedicarme al savoir-faire, llegando así al Museo del Romanticismo en Madrid.

Este magnífico y sencillo museo, fue fundado por el Marqués de la Vega Inclán quien donó la mayoría de sus obras y proyectó el foco y enfoque de la institución artística. Aunque sin el Marqués no existiera hoy día el museo, es de igual importancia la aportación de José Ortega y Gasset. Este filósofo español en su obra; Para un museo Romántico, creó una especie de manifiesto sobre los postulados y rigores a tomar en cuenta para la creación de un nuevo museo, uno romántico.

Como nos señala en su obra Ortega y Gasset, el Museo Romántico es una encomienda. El Romanticismo resume la vida española de la primera mitad del siglo XIX. Me atrevo a decir que incluso los estilos de vida e ideologías como el nacionalismo vasco y catalán, también absorbieron y enriquecieron sus soportes con el movimiento artístico y literario que llamamos Romanticismo.

Real Hospicio de San Fernando

Real Hospicio de San Fernando

En palabras de Ortega y Gasset, en el caso de Madrid fue gracias a los románticos que la historia se vistió de color. Originalmente el proyecto para el Museo Romántico estuvo enfocado en el edificio Real Hospicio de San Fernando, existía una necesidad estética incluso en las construcciones para reconocer y ensalzar lo oriundo de Madrid.

El estilo Barroco de la edificación representa el triunfo de la pasión sobre la razón. Sin embargo, José Ortega y Gasset demuestra y señala las similitudes entre Barroco y Romanticismo, pero aclara que el barroquismo en ocasiones reflejó una pasión muda, en contra parte el Romanticismo abundó en expresiones y palabras.

Aunque el Hospicio debió ser el edificio para el Museo Romántico, hoy día es el Museo de Historia de Madrid, quedando la época impregnada en sus muros y como la exhortación del filósofo a unos “vecinos sentimentales” evitó el deterioro y abandono de la instalación. José Ortega y Gasset satiriza alguno parámetros del Romanticismo, pero en los momentos de dar su opinión deja de entrevisto su alma pura y romántica.

Una mártir

Una mártir

El Museo del Romanticismo como lo conocemos hoy día es a su vez una clase filosófica de Ortega y Gasset, llevando el mensaje de la importancia de aprender a adoptar frente al pasado una actitud certera que nos guíe y no nos lleve a enfrentamientos erróneos y estériles.

La crítica al progresismo y la modernidad se marcó en las letras de Ortega y Gasset y hace eco en los muros del museo. Los progresistas, con su ingenuidad específicamente moderna, creen que sus puntos de vista son definitivos y los únicos admisibles. En ese sentido el progresismo del presente no ha cambiado en nada.

Vivimos en un afán de supeditar la vida actual y la pasada a un mañana que no llega nunca, esa es una de las enfermedades de nuestros tiempos y que la trasmitimos a las futuras generaciones innatamente.

Para vivir se debe aprender las ciencias y cultivar el arte como diría Ortega y Gasset; ser un dilettante apasionado de los modos de vivir. Para mí el museo del Romanticismo es un homenaje a la estética Romántica y marca la diferencia entre Museos Modelos y un nuevo género de museos que lleva tiempo tratando de emerger y la sociedad llena de clichés se lo impide.

No nos encontramos ante un museo que pretende reunir las obras de arte más valiosas, es un museo que demuestra el que aunque muchos llaman Mal del Siglo definió y continúa definiendo la vida española, europea y latinoamericana; el Romanticismo.

Un Mundo de Impresiones Fluorecentes

Frédéric Bazille, Autorretrato.

Frédéric Bazille.

Frédéric Bazille fue un pintor impresionista francés que alcanzó el renombre en el mundo de la plástica por sus pinturas de retratos.

Las obras de Eugène Delacroix fueron las que lo motivaron a entrar en el mundo de las bellas artes y es palpable en casi todas sus pinturas la influencia y el toque de Delacroix.

Una vez se trasladó a París y conoció a Pierre-Auguste Renoir confirmó su nueva profesión y el estilo artístico que trabajó y del cual formó parte; el Impresionismo.

Bazille fue amigo cercano de Claude Monet, Alfred Sisley y Édouard Manet; amigos que sin duda alguna impactaron y aportaron a la evolución artística de Bazille.  Más que amigos fueron mentores y vehículos de retroalimentación que colaboraron mutuamente en sus carreras.

Auguste Renoir, Portrait of Frédéric Bazille. 1867.

Auguste Renoir, Portrait of Frédéric Bazille. 1867.

A la edad de veintitrés años Frédéric Bazille realizó la mayoría de sus obras más asombrosas, destacadas y reconocidas. Desafortunadamente Bazille murió en combate en la guerra Franco-prusiana. Su fallecimiento a temprana edad es otro de los infortunios y sinsabores de la vida que se llevó a un joven promesa para el mundo de las bellas artes.

Sumado a esto, Bazille no es un pintor muy estudiado fuera del marco francés o el continente europeo. Libros y tomos que han sido dedicados al estudio del Impresionismo a penas lo mencionan.

Frédéric Bazille, El pescador con la red. 1868.

Frédéric Bazille, El pescador con la red. 1868.

Los desnudos que pintó Bazille, en su mayoría masculinos, son a mi interpretación parte de sus mejores elaboraciones. Nuevamente en Frédéric Bazille apreciamos la belleza de la anatomía humana, pero más que nada la armonía y el éxtasis que se obtiene tras la fusión de la desnudez y la Naturaleza.

El ambiente y los escenarios son la otra mitad que complementa y hace exquisitos los desnudos. El toque impresionista de los paisajes define y aporta simetría, profundidad e incluso deseo a un cuadro inanimado.

Para cerrar esta entrada, coloco dos obras parte de un análisis previo que realicé y al que llamé Homoerotismo entre amigos; The Bathers. En esta ocasión vemos una misma temática ambientada desde la plástica de dos artistas diferentes.

Paul Cézanne, Bathers.

Paul Cézanne, Bathers.

Frédéric Bazille, Escena veraniega, 1869.

Frédéric Bazille, Escena veraniega, 1869.

Ambas obras nos dan como resultado final una estética agradable al ojo humano del siglo XIX, pero también al de nuestro siglo actual, son obras en las que el cuerpo del hombre y la compañía masculina se acogen a una atmósfera natural paradisíaca, brindando un toque que aunque bien es homoerótico, cumple con los cánones sociales y cosmético de una sociedad machista, homófoba e hipócrita.

El matrimonio Arnolfini (para relajarse)

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Como muchos de vosotros ya sabéis y como comenté y reseñé en la entrada anterior: El Matrimonio Arnolfini, esta magna obra del flamenco Jan van Eyck es mi pintura favorita.

La simbología, la técnica, las pinceladas, la originalidad y más que nada los vivos colores de la recién inventada paleta de óleo, son los ingredientes que convergen para deleitarnos con una joya tan exquisita como lo es esta pintura.

Una de las actividades que más disfruto del arte son las respuestas y renovaciones, o algunos llamarán copias e impresiones, que otros artistas hacen sobre una obra ya existente, ícono de la Historia del Arte. Así que aquí os muestro algunas versiones jocosas y divertidas del Retrato de boda de Giovanni Arnolfini y su esposa.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

Arnolfini1

Reflexiones en la Red

ArlequinaEn ocasiones no necesitamos saber el autor ni el título de una obra plástica para delirar. Es un momento en el que las metodologías y los años de estudio son un simple decoro, pues la colisión creada es un vínculo directo entre nuestra psiquis y la obra artística, utilizado los sentidos como vehículo de éxtasis y alucinación.

Eso que intento definir con palabras, y que tan difícil se me hace, fue lo que me sucedió hace algún tiempo atrás cuando navegando al azar me topé con esta obra a la que yo llamé Arlequina, todavía la admiro y el impacto sobrenatural sigue latente en mí.

El museo como recurso en el proceso de enseñanza

Museo Dr. Pío López Martínez¿Qué importancia o qué lugar ocupan las artes en el proceso de enseñanza? Es una buena pregunta que de contestarse correcta y adecuadamente, tomando el tiempo y la seriedad que ello implica, mejoraría enormemente el sistema educativo de cualquier país.

El término educación es definido por algunos como el proceso de socialización en el que a base de aprendizaje se llega al desarrollo intelectual de las personas. Ahora bien, ¿qué medios y qué recursos se pueden utilizar para complementar este proceso tan importante? Una de las respuestas a esta pregunta es la implantación e integración de instituciones a los currículos y actividades extracurriculares.

AulaLa idea de “El museo como recurso en el proceso de enseñanza aprendizaje”, es frecuente en algunas de las metodologías modernas y fue una actividad que trabajé acompañado de un grupo de diversos profesionales con un fin en común; hacer contacto con los bienes culturales para utilizarlos en el salón de clase.

Como parte de este proyecto quedó demostrado cómo podemos convertir un museo en un aula de clases y como la misma se enriquece de los recursos culturales que tiene accesibles en muchas ocasiones.

Pedagogía

Pedagogía

Mediante el contacto cultural se promueve el desarrollo del saber y la razón. A través de este proyecto logramos hacer muestra de una realidad que ha estado presente desde la antigüedad hasta nuestros días y que rebasa todas las teorías pedagógicas; el proceso de aprendizaje es uno de retroalimentación en el que se benefician ambas partes.

En la actividad y las ponencias presentamos como el museo se puede convertir en “la casa de todos”, un concepto que beneficia grandemente a la educación y que rompe con los esquemas y estereotipos que se han creado, con el paso de los años, en relación a los museos. El museo no es un espacio privilegiado y exótico, para el disfrute y goce estético de una parte específica de la sociedad, sino una zona “vital primordial” llena de conocimientos e interacción.

puente-la-reina-gares_478_bigAl finalizar este encuentro hablamos del Museo Dr. Pío López Martínez como un puente entre dos espacios que de acercarse e interaccionar más podrían incluso fusionarse, dando un resultado satisfactorio a nuestra sociedad.

En el campo de la educación resulta un tanto irónico ver como los antiguos modelos, e incluso los nuevos estilos y sistemas educativos, promueven la enseña de campos como lo son las ciencias naturales y le dan de lado a las disciplinas que involucran la cultura y la humanidad.

Considero, que actividades y encuentros como lo fue este se deben promover más, no sólo en un recinto universitario, sino que a un marco regional educativo que involucre toda la nación. Resulta preocupante que los sectores más jóvenes de nuestra sociedad, en muchas ocasiones, ni siquiera pueden reconocer figuras y elemento claves de su cultura.

Como norma se intenta mostrar a nivel global que somos personas y ciudadanos “multiculturales” adentrando todo lo extranjero posible a nuestra cultura, pero al momento de hablar de nuestra cultura autóctona la inmensa mayoría son una tabla rasa.

La Escuela de la Bauhaus

Escuela de la Bauhaus, Dessau.

Escuela de la Bauhaus, Dessau.

La escuela de la Bauhaus fue una institución de enseñaza artística fundada por Walter Gropius en 1910 en Weimar y que se mantuvo vigente hasta 1933 en Dessau.

Vivió el tiempo de entre guerras, fungiendo como escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura. Su filosofía educativa giró en torno a preparar estudiantes en todas las áreas académicas para así ayudar al progreso social de acuerdo a las necesidades del siglo XX.

A pesar de colaborar e integrar diferentes disciplinas, la Bauhaus tenía el objetivo de lograr la arquitectura total, mezclando en los diseños todas las facetas del arte. La escuela de la Bauhaus trajo una manera innovadora de currículos y novedosas formas de dar las clases, mejorando los estándares y objetivos educativos.

Bauhaus_Stiftung_LogoEl manifiesto Bauhaus, dio la base al currículo de la escuela. El objetivo de la misma era entrenar a los artistas; artesanos, pintores, escultores y arquitectos, unidos en un ambiente de cooperación y retroalimentación. De esa forma todas las artes integradas, se vinculan a la industria y como resultado se tienen obras de arte totales que aborda todos los elementos de elaboración.

atelier-bauhausSe organizaron las aulas de la forma en que los artistas tenían sus talleres y todos los funcionarios y alumnos vivían en la escuela. La relación profesor-estudiante fue desapareciendo y se enfocó más la relación maestro-aprendiz.

A diferencia de las vanguardias tradicionales del siglo XX, Gropius propuso que el arte y la arquitectura regresaran a sus raíces artesanales, teniendo como inspiración la creación y no el diseño. Una visión que alude a los gremios medievales y al arte medievalista de conjunto, sociedad y sobre todo comunidad.

Artistas como Kandinsky fueron reclutados por la Bauhaus y se empleó la reproducción masiva que podía aportar mucho más a la sociedad. Dentro de todo destacó una visión socialista y muchos proyectos que quedaron inacabados, pero que muestran sus raíces de corte utópica. Fue el enfoque y el ansia de integrar el arte con la industria lo que llevó a la Bauhaus a explorar nuevas filosofías educativas y abrazar el concepto interdisciplinario como parte de su currículo.

bauhaus-hotelEn los estudios que he realizado, y en la mayoría de libros que he leído, la Bauhaus es muy poco estudiada. Algunos historiadores del arte no la miran como mucho ánimo dado que no encuentran un detonante radical como pasó con el Futurismo o una representación pictórica chocante como fue el Cubismo.

Considero que esta escuela guío a muchas otras que con el paso de los siglo fueron perdiendo el concepto de “universalidad” y se convirtieron en escuelas para las masas y el gusto popular. Tampoco debemos olvidar que al cerrar la escuela muchos profesores se trasladaron a Estados Unidos, específicamente a ciudades como Chicago y Nueva York donde un nuevo estilo Bauhaus continuó.

Movimiento, Futuro y la Vanguardia en Italia

» …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.«

futurismoEn la Italia de 1909, y previo a la Primera Guerra Mundial, surgió un manifiesto con premisas políticas radicales al que se comenzó a llamar Futurismo. Como ya he escrito en entradas previas, siempre que existen conflictos políticos, está demostrado que hay una mayor creación artística en todos los medios y estilos de vida.

Poema Futurista

Poema Futurista

El Futurismo fue una crítica social radical que tuvo a la guerra como motor y surgió como un movimiento literario con Filipo Tommaso Marinetti, poeta y dramaturgo. Los futuristas se acogieron al lenguaje radical, glorificando la guerra a la que no apreciaban como un mal elemento, sino todo lo contrario.

La guerra para los futuristas era algo positivo y necesario para el cambio social. El Futurismo ensalzó las revueltas, la tecnología y todo lo relacionado con las máquinas y el movimiento.

En los futuristas encontramos un germen muy similar al que años posteriores elaborarán y propagarán los partidos fascistas. Tenían la visión de una limpieza en la sociedad, ya que ninguno de los sistemas y modelos anteriores habían funcionando.

Italia desde el siglo XVIII no había producido artistas de gran nombre. No olvidemos que aunque en el siglo XX la capital del arte se consideraba París, y luego emigró a Nueva York, desde antaño se considera a Italia y sus ciudades como la cuna y meca del arte.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

La actitud y visión de mundo de los futuristas estaba guiada por el “chauvinismo” o patrioterismo, una creencia narcisista en la que se considera a lo propio del país como lo mejor del mundo. De manera radical se le une una alusión y énfasis excesivo en el nacionalismo, rechazando lo extranjero y abriendo paso a la ideología de superioridad racial.

La obra Manifestación Intervencionista de Carlo Carrà es un ejemplo en el que diferentes tipografías e imágenes alusivas a Italia, dan un sentimiento patriótico acompañado de una composición circular que sugiere dinamismo y movimiento. La técnica del collage y la fragmentación nos da aires e impresiones cubistas en la obra.

Lo que muchos historiadores pasan por alto es que sumado al chauvinismo; fue el Futurismo quien coció y desarrolló un arte nacional que fue de la mano con las nuevas políticas y que pasó a Alemania bajo el nacional socialismo.

El nacional socialismo pone a una raza inferior a otra y por ende justifica cualquier acción. Los futuristas vieron el lado positivo de la guerra, y según sus palabras, la misma servía como herramienta purificadora. Es una línea de pensamiento muy similar al discurso que años más tarde dio Adolf Hitler.

Los futuristas entendían que existía la crueldad y la maldad, pero no había formas ni maneras de erradicarlas por vías pacíficas. Se apoyan en un discurso que enfatiza a los fuertes, sólo ellos pueden sobrevivir, rechazando totalmente al pasado y enfocándose en un futuro prometedor y nuevo.

En el ámbito artístico los temas principales fueron la tecnología, la velocidad, el movimiento, la rapidez y el dinamismo. Los futuristas tenían conciencia del Cubismo pero lo consideran estático, no por ello no recibieron una retroalimentación del mismo y en algunos momentos hacen referencia a él como el que ya mencioné en la obra de Carlo Carrà.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

La obra que juzgo como ícono del Futurismo por excelencia, y una de mis pinturas favoritas, es Dinamismo de un perro sujeto con correa de Giacomo Balla. En el cuadro no importa nada, sólo el movimiento. Giacomo Balla logró pintar en una imagen estática el dinamismo y el movimiento. No hay narrativa presente, no hay historia y tampoco hay simbolismos, lo único y verdaderamente importante es el efecto del paso del tiempo.

Marinetti propuso en su manifiesto futurista quemar las bibliotecas, destruir todos los libros, universidades y quemar todos los museos. En otras palabras destruir todas las instituciones tradicionales europeas. Siendo, a mi juicio, la vanguardia más radical del siglo XX. La masiva destrucción evitaría la reflexión, las personas tendrían solamente una visión de mundo y se impediría el desarrollo de un pensamiento crítico y reflexivo, que tantas desgracias había traído.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

El Futurismo fue un movimiento de corta duración. Los eventos a los que debió su florecimiento tuvieron fecha de culminación temprana. Sin embargo, las ideas que promovió desarrollarán y jugarán un papel importante en los fundamentos políticos, ideológicos y sociales en el fascismo.

El Futurismo como la mayoría de las vanguardias, buscó romper con los cánones del pasado y los convencionalismos en la Historia del Arte. Los postulados principales radicaron en la acentuación sensual, el apego y propagación a lo nacional (banderas, guerras, soldados), una predilección impresionante por las máquinas y un interés peculiar por retratar el movimiento de las cosas. En esculturas como la de Boccioni se plasma el alto por ancho por profundidad por velocidad por tiempo. Teniendo como resultado final de la ecuación una obra que ante los ojos sentimos que se desplaza a través de tiempo y espacio.

A manera de conclusión soy partidario de que el Futurismo nació directamente del Cubismo. El paralelismo entre estas dos vanguardias es evidente. Observando muchas de las obras futuristas es imposible no pensar en Picasso, Braque y Gris. Aun así la obsesión por hacer visible la velocidad y el movimiento acabaron dándole características visuales únicas al Futurismo, siendo una de las vanguardias más radicales, originales y significativas.