El Canciller y la Dama de hierro

El 1 de abril de 1815 nació Otto von Bismarck en Prusia. Bismarck fue un político, burócrata y militar, considerado como el creador del estado alemán moderno. Su mano dura en la política le dio el apodo del Canciller de Hierro. Las medidas que implantó llevaron al Reich alemán a obtener la supremacía europea. Estudió leyes y desde temprana edad se relacionó al mundo político con el único propósito de unificar los estados alemanes.

Otto von Bismarck

La reforma militar de Bismarck tuvo como resultado un sólido ejército alemán que le arrebató a Dinamarca, Austria y Francia, ducados y territorios de habla alemana en sus jurisdicciones, formando así la Confederación de Alemania del Norte.

Bismarck entró en el poder político como canciller y primer ministro. Inició con una total política conservadora llena de ataques al catolicismo y la socialdemocracia. En 1871 proclamó el Segundo Imperio Alemán y organizó en 1882 la Triple Alianza con Austria-Hungría e Italia para mantener a Francia aislada y débil ante la posibilidad de un futuro ataque.

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La política interior de Bismarck fue cambiante y se adaptó a lo que consideró oportuno. Así pues la lucha contra el catolicismo, llamada como Kulturkampf, tenía como propósito favorecer a los terratenientes con medidas librecambistas, pero en 1879 rompió relaciones con los liberales, hizo alianza con los católicos y adoptó una política proteccionista. También en estos años frenó los movimientos obreros con la aprobación de leyes antisocialistas a la vez que les vendió a los trabajadores las legislaciones sociales más avanzadas del momento.

En la política exterior se puede decir que en Bismarck, el fin justificó los medios. En general cumplió los objetivos que se propuso; unificó a Alemania y aisló a Francia ante una posible revancha. Sin embargo, querer mantener a Alemania alejada de la carrera colonial europea le ocasionó fricciones con el emperador Guillermo II. Sin el apoyo del emperador, Bismarck presentó su dimisión y se marchó lejos de la ciudad y la política hasta su muerte a los 83 años edad.


Un siglo después el Hierro dio otro hijo a la sociedad europea, Margaret Thatcher, la primera y única mujer que ha sido primera ministra del Reino Unido. La firme posición de Margaret Thatcher hacia la Unión Soviética le dio el apodo de la Dama de Hierro. Thatcher subió como la espuma en el Partido Conservador británico, del cual se convirtió en líder y luego triunfó en las elecciones generales de 1979.

Margaret Thatcher

La política interior de Thatcher consistió en la privatización de las empresas públicas y la reducción del poder de los sindicatos, medidas que le fueron restando popularidad. Sin embargo, la victoria en la guerra de las Malvinas y una leve mejora económica la favorecieron al público y fue reelecta en las elecciones de 1983. En su segundo mandato se caracterizó por oponerse tenazmente a la creación de la Unión Europea y en convertir al Reino Unido en una sombra de la política exterior estadounidense.

Aunque Margaret Thatcher fue reelegida para un tercer mandato, los impuestos a la comunidad y las discrepancias con otros miembros del gabinete sobre el asunto de la Unión Europea, la llevaron a dimitir del cargo y del liderato del Partido Conservador en 1990. Recibió entonces el título nobiliario de Baronesa de Kesteven, el mismo le otorgó derecho vitalicio a ser miembro de la Cámara de Lores.

En el mundo de la diplomacia y las relaciones internacionales el estudio de estas dos figuras es indispensable. Sin entrar en juicios sobre el bien, el mal, lo malo y lo bueno de sus acciones, no es de sorprendernos que grandes estrategas, secretarios de estado, ministros de defensa y diplomáticos los hayan tenido como mentores y ejemplos a seguir. No hay dudas de que el germánico dios del Hierro dio a la Tierra dos hijos tenaces y maleables, aunque más allá de su ductilidad, que en el caso de ambos pasó de los 80 años de vida, al final quedó demostrado que el hierro más tarde que temprano se oxida.

Azares y nacimientos

«El sueño de la razón produce monstruos, pero cuando siento una necesidad de religión salgo de noche y pinto las estrellas».

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Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Francisco de Goya, pintor y grabador español, nació el 30 de marzo de 1746. Este genio, que apreciamos y admiramos, merece indagación en su formación y evolución artística. Goya no nació con una habilidad innata para la pintura, a diferencia de artistas como Diego Velázquez, sino que todo lo contrario tardó gran parte de su crecimiento en aprender las técnicas del arte Barroco, Rococó y finalmente del Neoclasicismo. Al ver una pintura de Goya nos resulta casi imposible imaginar que no nació siendo artista sino que se formó como tal.

Goya participó en eventos para conseguir becas y no obtuvo resultados satisfactorios, sin más que hacer por su propia cuenta partió a las ciudades italianas para estudiar a los grandes maestros de la pintura. Aunque no estuvo por demasiado tiempo fuera de España, en su regreso Goya destacó en murales y pinturas a diversas instituciones religiosas, lo que lo convirtió en el pintor más valorado de Aragón. En 1775 gracias al cuñado de Goya, recibió una oferta para trabajar como pintor de cartones en la corte de Madrid, mudándose a la capital española.

Francisco de Goya, Aníbal Vencedor. 1770.

Francisco de Goya, Aníbal Vencedor. 1770.

En sus años como pintor de cartones Goya realizó cuatro distintas series. Es también en estos años que la enfermedad que le ocasionó sordera comenzó a manifestarse. Poco a poco Goya fue dejando los cartones y se concentró como retratista. Algunas amistades influyentes y nobles encantados con la pintura retratista de Goya le fueron dando ascenso artístico y social.

Francisco de Goya, Cristo Cricificado. 1780.

Francisco de Goya, Cristo Cricificado. 1780.

Para 1792 Goya presentó un discurso en el que habló sobre la creación artística y la libertad del pintor. De acuerdo a Goya la obligación de estudiar y seguir el legado de los grandes maestros de la pintura era un obstáculo para los jóvenes artistas. Un argumento completamente prerromántico. En estos años Goya enfrentó problemas de salud que lo acercaron a la muerte y lo dejaron con una sordera permanente.

En ese contexto Goya comenzó una etapa en la que se alejó de la pintura de encargos y empezó a crear pequeñas obras completamente libres y sobre temas de los Sublime Terrible. Así pues desarrolló obras en las que los protagonistas eran las grandes víctimas sociales y se enfatizó en los «demás», los demás se alejaban completamente de la aristocracia y los nobles que le encargaban pinturas.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Sin embargo, en 1794 retomó su labor de retratista de la nobleza como el Primer Pintor de la Cámara. En esta etapa las obras de Goya muestran su mayor madurez y técnica. Su lenguaje pictórico evolucionó al nivel que los rasgos psicológicos de las personas que pintaba están presentes en los personajes de la obra.

Francisco de Goya, Serie Los Caprichos

Francisco de Goya, Serie Los Caprichos

Para finales del siglo XVIII Goya comenzó a trabajar en Los Caprichos, serie de 80 grabados que muestra una sátira de la sociedad, específicamente de la nobleza y el clero. Es muy evidente la influencia de la Ilustración en los caprichos. La elaboración de los mismos se llevó acabo  mediante la mezcla de las técnicas del aguafuerte y el aguatinta permitiéndole a Goya una más amplia variedad de sombras y contrastes. Sumado a esas técnicas Goya deformó la fisionomía de los personajes y enfatizo los vicios y torpezas humanas, creando así una atmósfera de miseria y decadencia.

Francisco de Goya, El Aquelarre, 1797-1798.

Francisco de Goya, El Aquelarre, 1797-1798.

Personalmente, considero las pinturas de Goya que tocan los temas de fantasía, brujería, locura y crueldad como los más fascinantes. Los cuadros en su mayoría presentan violaciones, asesinatos a sangre fría e incluso escenas de canibalismo. En adición a esto, la invasión francesa a España y las atrocidades que Goya vio y vivió, lo llevaron al periodo de los Desastres de la Guerra 1808 – 1814. Destacan en esta serie las masacres del 2 y 3 de mayo. En general son pinturas que acentúan los horrores y lo macabro de la guerra y las acciones humanas.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Igual de fascinantes son las Pinturas Negras de Goya, estas datan de 1820 – 1824. En total son catorce obras murales en las que se continúan con las deformaciones físicas de los personajes y en las que Goya empleó la paleta de colores sucia. Quizás la que más destaca es la famosa Saturno devorando a un hijo. Las pinturas negras se acercan incluso a la abstracción como Perro semihundido. Son pues estas pinturas precursoras del futuro expresionismo pictórico y las vanguardias del siglo XX.

Francisco de Goya, Canibalismo. 1803.

Francisco de Goya, Canibalismo. 1803.

Goya creó un estilo propio y una pintura a la que podemos adjetivar como goyesca. En España fue quien inició el Romanticismo y la Pintura Contemporánea. Será también el precursor e inspiración de muchos artistas europeos.


Vincent van Gogh, Autorretrato con sombrero de paja, 1887.

Vincent van Gogh, Autorretrato con sombrero de paja, 1887.

Por otro lado el 30 de marzo de 1853 nació en Zundert Vincent van Gogh, pintor neerlandés y figura principal del Postimpresionismo. Van Gogh nació con talento para la pintura, pero no se dedicó de lleno a ella. Incluso fue pastor protestante y no fue hasta que se marchó de misionero a Bélgica, que comenzó a dibujar y pintar.

Vincent van Gogh, Los comedores de patatas. 1885.

Vincent van Gogh, Los comedores de patatas. 1885.

Las primeras obras de van Gogh, como Los comedores de patatas, muestran la paleta oscura y tenebrosa que refleja lo grotesco y melancólico del Romanticismo. En sus inicios y durante su juventud, fue descrito como un fanático religioso, obsesionado con leer la biblia e imitar a Cristo.

Vincent van Gogh, Cráneo fumando un cigarrillo.1885.

Vincent van Gogh, Cráneo fumando un cigarrillo.1885.

En 1880 se inscribió en Bruselas en una escuela de artes donde aprendió perspectiva y dibujo. A medida que se trasladó por Europa también estudió acuarela y pintura. Su estancia en París y la relación con su hermano menor fue lo que lo llevó a conocer el arte y los artistas impresionistas. Momento desde el cual van Gogh comenzó a utilizar paletas con colores más luminosos.

Mediante el uso de colores complementarios y lecciones sobre el uso de la luz fue aumentado la vividez de sus colores. Van Gogh aprendió entonces a contraponer los colores primarios y mezclar combinaciones que se entrelazan y neutralizan entre ellas. El arte japonés fue una influencia importante en la pintura de van Gogh.

Vincent van Gogh, The sower. 1888.

Vincent van Gogh, The sower. 1888.

La estadía de van Gogh en el sur de Francia lo acercó más a la naturaleza y la representación de la misma. Los campos y paisajes a su vez le dieron más libertad y expresión colorida, particularmente entre verdes y amarillos. Van Gogh, comenzó en Arlés el uso de las pinceladas onduladas que tanto lo caracterizarán. En el sur de Francia convivió algún tiempo con Paul Gauguin y fue el escenario donde se desarrolló el tan especulativo evento del corte de su oreja.

El final de la vida de van Gogh estuvo inmerso en frecuentes depresiones y alucinaciones que requirieron constantes hospitalizaciones. El ritmo productivo del artista no fue el mismo ya que había meses que ni siquiera podía pintar. En adición a esto, las pinturas y el lenguaje propio de van Gogh no vendía en el mercado de aquel entonces, la sociedad en forma general rechazó su arte. En un lapso depresivo a la edad de 37 años van Gogh se disparó y murió al poco tiempo. Así pues tenemos una de las grandes ironías, Vincent van Gogh murió en una considerable pobreza y nunca perteneció a una clase social acomodada, sin embargo hoy día sus cuadros son de los más cotizados en el mercado del arte.

Vincent van Gogh, Starry Night. 1889.

Vincent van Gogh, Starry Night. 1889.

En mi opinión, el universo conspiró para que Francisco de Goya y Vincent van Gogh nacieran el mismo día. Estos dos genios son congruentes en muchos aspectos que van más allá de sus orígenes humildes y las vicisitudes que enfrentaron.

Por ejemplo ambos desarrollaron un estilo personal y un lenguaje propio en su plástica. Goya inició y encabezó el Romanticismo, van Gogh fue una de las cabezas del Postimpresionismo. La psiquis de ambos es considerada por muchos críticos del arte como un mundo de aventuras, fantasía, imaginación y realidad alterna. Los dos artistas son piezas claves y recurrentes para las vanguardias del siglo XX. Incluso una tangencia apreciamos en el hecho de que Goya enfrentó problemas auditivos hasta quedarse sordo y que van Gogh se cortó una oreja (más bien el lóbulo).

Curiosidades o efemérides, considero que a los astros en ocasiones les gusta hacer algunas jugadas maestras.

Santa Teresa de Jesús

«Vivir sin vivir en mí, y tan alta vida espero que muero porque no muero».

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Peter Paul Rubens,Teresa de Ávila. 1615.

Peter Paul Rubens,Teresa de Ávila. 1615.

Teresa de Cepeda y Ahumada fue una religiosa sobresaliente de la iglesia católica española del siglo XVI. Destacó principalmente como escritora y fue de los pocos teólogos acéticos que alcanzó la mística. Santa Teresa nació un 28 de marzo en Ávila, España y posteriormente fundó la orden de las carmelitas descalzas.

De acuerdo a su confesor, el interés por la literatura comenzó cuando tenía seis años de edad y leía los romanceros de su padre. Teresa siempre mostró una imaginación vehemente y un espíritu inquietante. Cuando aún era una niña decidió enfrentar el martirio y partió junto con un hermano a las tierras de infieles, dónde pediría limosna hasta que le cortaran la cabeza. Su tío logró traer de regreso a sus sobrinos que en ese momento acordaron ser ermitaños.

Teresa determinó entrar en un convento aun cuando su padre se negó. Abandonó el lecho del hogar y pasó al Convento de la Encarnación donde padeció un sinfín de vicisitudes, por ejemplo, estuvo paralítica por unos dos años. Al tiempo la salud de Teresa mejoró y también sus pasiones carnales. Hay que recordar que el claustro en las monjas no se estableció hasta 1563.

Gian Lorenzo Bernini, Éxtasis de Santa Teresa. 1647.

Gian Lorenzo Bernini, Éxtasis de Santa Teresa. 1647.

Santa Teresa tuvo la dicha de vivir varios favores espirituales. En su proceso de disfrute carnal y alejada de los caminos religiosos, Jesucristo airado reprendiéndola se le apareció. En el 1558 enfrentó un rapto en el que fue llevada al infierno. Dedicó entonces su vida a la escritura y la fundación de conventos por toda España, creando así 12 nuevos conventos de carmelitas descalzas.

La biografía de Santa Teresa, así como sus constantes fundaciones de conventos, despertaron sentimientos de rivalidad y envidia en otros religiosos que acusaron a Teresa ante la Inquisición. Demasiadas calumnias se levantaron contra Teresa, se especuló sobre enviarla a un convento en América, pero al final regresó al convento de la Encarnación en Ávila donde las monjas la seleccionaron como priora. Los principales líderes que se oponían a las reformas de Teresa y los descalzos la llamaban una fémina inquieta y andariega. Finalmente, con su salud en descenso y las nuevas de que un total de 18 conventos de descalzos fueron fundados en la Península Ibérica, Teresa falleció.

Santa Teresa junto con Santa Catalina de Siena, fueron las primeras mujeres elevadas por la iglesia católica en condición de doctoras de la iglesia. Santa Teresa de Jesús es también la patrona de los escritores.

Un romántico de verdad

Mariano José de Larra

Mariano José de Larra

Mariano José de Larra nació un 24 de marzo en Madrid. Fue escritor, periodista y uno de los máximos representantes del Romanticismo español. Desde temprana edad Larra vivió los cambios políticos españoles y el exilio. Diferentes eventos en su crecimiento y finalmente un desenlace particular, son evidencias irrefutables del pensamiento y la médula romántica del autor.

Las relaciones sentimentales de Larra señalan claramente el postulado romántico; la vida es amar, amar es sufrir y sufrir es estar vivo. Durante su preparación académica no asistió durante un año entero a los exámenes. Se contó pues que la razón era el amor que sentía hacia una mujer mayor que resultó ser la amante de su padre.

✓ Frases y citas célebres de Mariano José de Larra 📖

En los comienzos fue presionado por su padre para que estudiara medicina, sabiendo que esta no era su vocación dejó las ciencias y comenzó estudios de leyes. Sin embargo, al igual y como pasó con la medicina, abandonó los estudios al año siguiente. Desencantado con el mito universitario, decidió no estudiar más y dedicarse a su vocación; ser periodista. Larra utilizó diversos pseudónimos a lo largo de su carrera periodística. El autor consideraba a la sociedad española como una atrasada y muchos de sus artículos eran sátiras y críticas sociales, razón por la que ganó muchos enemigos.

Depresiones constantes, el cierre de su periódico y un infeliz matrimonio con Josefa Wetoret son los pilares románticos latentes en Larra. Distanciado de Josefa, se enamoró, como sólo los poetas saben, de Dolores Armijo; una mujer casada. El amor se tornó en Larra como un laberinto de imposible escapatoria ya que los dos estaban casados.

Mariano José de Larra y Dolores Armijo | El escritor y perio… | Flickr

Cansado de las adversidades y su incomodidad con la sociedad española, Mariano de Larra comenzó a viajar por Europa, una de sus grandes pasiones. Visitó Francia, Portugal, Gran Bretaña y Bélgica, en estos viajes conoció a grandiosos escritores como Alejandro Dumas y Víctor Hugo. Aun así, los viajes no llenaron el vacío en la vida de Larra. El imposible amor por Dolores creció cada día más. Su disgusto con la política española seguía en ascenso y cada vez escribía obras más tristes que mostraban una severa depresión.

Larra puso fin a todo suicidándose, acto heroico para los románticos. Aunque se especuló mucho sobre su suicidio, la mayoría de las historias concuerdan en que se disparó en el corazón como señal del desamor y frente a un espejo para contemplar su propia muerte. Mariano José de Larra contaba con 27 años cuando se suicidó. En el entierro el también romántico José Zorrilla recitó una elegía y posteriormente los restos de Larra pasaron al Panteón de Hombres Ilustres de España.

Retratos flamencos en la corte inglesa

El 22 de marzo de 1599 nació en Amberes, Bélgica, Anton van Dyck; un pintor flamenco especialista en el género del retrato. Gracias a sus extraordinarias obras alcanzó la fama en toda Europa. Su prestigio le abrió las puertas de la corte inglesa del monarca Carlos I.

Anton van Dyck, Autorretrato con girasol. 1633.

El estilo retratista que empleó van Dyck, como la gran mayoría, fue de índole realista. Sin embargo, como heredero y alumno de Peter Paul Rubens, no se alejó de las técnicas flamencas. Gran Bretaña le dio más libertad a van Dyck en sus obras, encontramos entonces magnos retratos ingleses con las pinceladas y paletas de colores flamencas.

Anton van Dyck vivió por siete años en Italia, el Renacimiento y sus postulados fueron de la mano de van Dyck, quien también trabajó obras con temas bíblicos y mitológicos. Anton van Dyck fue de mucha influencia para los pintores ingleses posteriores. Vemos así como el arte flamenco cruzó el Canal de la Mancha y penetró la isla británica. Incluso hoy día, artistas contemporáneos británicos mencionan a Anton van Dyck en sus listas de inspiración.

Anton van Dyck, Retrato del Cardenal Guido Bentivoglio. Siglo XVII.

Anton van Dyck, Retrato del Cardenal Guido Bentivoglio. Siglo XVII.

Anton van Dyck, Triple retrato de Carlos I. 1635.

Anton van Dyck, Triple retrato de Carlos I. 1635.

Anton van Dyck, Retrato de los príncipes Palatinos. 1637.

Anton van Dyck, Retrato de los príncipes Palatinos. 1637.

Anton van Dyck, Virgen del Rosario. 1623.

Anton van Dyck, Virgen del Rosario. 1623.

Anton van Dyck, Eros y Psyque. 1638.

Anton van Dyck, Eros y Psyque. 1638.

Catalina de Bolonia

Catalina de Bolonia en Museo Las Claras de Murcia

Catalina de Bolonia en Museo Las Claras de Murcia

Catalina Vigri es considerada la patrona de las artes liberales; disciplinas, oficios y profesiones cultivadas por los hombres libres. En el Medioevo se enumeraron estas artes en siete, subdivididas en dos grupos. El Trivium compuesto por tres vías relacionadas a la elocuencia; gramática, dialéctica y retórica. El segundo grupo, el Quadrivium integrado por cuatro caminos asociados con las matemáticas; aritmética, geometría, astronomía y música.

Catalina perteneció a una familia patricia relacionada a los señores de Ferrara, lo que le permitió una educación completa del trivium y el quadrivium, combinada con cursos de filosofía y caligrafía. Catalina también fue capaz de leer y escribir latín y aprendió pintura y el arte de la miniatura religiosa. Un temprano ejemplo de una humanista por excelencia.

Catalina de Bolonia, Maria und das Jesuskind mit Frucht. c. 1440.

Catalina de Bolonia, Maria und das Jesuskind mit Frucht. c. 1440.

Catalina es descrita como amante de la soledad y de espíritu taciturno. Su rotundo rechazo al matrimonio la convirtió en una devota de la religión, maestra de novicias y Abadesa de las Clarisas.

Las historias cuentan que fue favorecida con visiones y éxtasis, conociendo y alcanzando el misticismo. Curiosamente el número siete de las artes liberales coinciden en los siete años que vivió en Bolonia hasta su muerte.

Piet Mondrian, Theo von Doesburg y el Neoplasticismo

Hoy es el natalicio de Pieter Cornelius Mondriaan, un artista neerlandés de vanguardia del siglo XX. Conocido por todos como Piet Mondrian formó parte del movimiento artístico De Stijl y en colaboración con Theo von Doesburg fundaron el Neoplasticismo. La pintura de Mondrian al igual que la de von Doesburg, evolucionaron del naturalismo al simbolismo y finalizaron en la abstracción.

Piet Mondrian, self-portrait. 1900.

Piet Mondrian, self-portrait. 1900.

Theo van Doesburg, Selfportrait with hat. 1906.

Theo van Doesburg, Selfportrait with hat. 1906.

Piet Mondrian, Árbol rojo. 1911.

Piet Mondrian, Árbol rojo. 1911.

Piet Mondrian, Árbol gris. 1912.

Piet Mondrian, Árbol gris. 1912.

Theo van Doesburg, A dog. 1899.

Theo van Doesburg, A dog. 1899.

El Neoplasticismo inició en Holanda en 1917 y también es conocido como el Constructivismo Holandés, esto debido a las similitudes y paralelos con el Constructivismo Soviético. El Neoplasticismo pretendió deshojar el arte y desprenderlo de todos los elementos cosméticos e irrelevantes, intentando así llegar a la esencia del arte por medio del lenguaje plástico. Un movimiento claramente minimalista. En ese contexto de depuración se llegó a la teoría de los elementos fundamentales de la obra: líneas, cubos y planos. A la teoría le acompañan colores puros (primarios) negro y blanco. Cabe recordar que tampoco son líneas y planos al azar, se sigue un orden, en la mayoría de los casos líneas horizontales o verticales y figuras geométricas que crean armonía en la obra.

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul. 1921.

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul. 1921.

Theo van Doesburg, Contra-Composition of Dissonances, XVI. 1925.

Theo van Doesburg, Contra-Composition of Dissonances, XVI. 1925.

Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo. 1937.

Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo. 1937.

Theo van Doesburg, Composition XIII. 1918.

Theo van Doesburg, Composition XIII. 1918.

Piet Mondrian, Composición con gris y luz tostada. 1918.

Piet Mondrian, Composición con gris y luz tostada. 1918.

Theo von Doesburg, Composition XIII (Woman in studio). 1918.

Theo von Doesburg, Composition XIII (Woman in studio). 1918.

Broadway Boogie-Woogie es una obra muy particular e interesante dentro del Neoplasticismo. Aunque sigue los patrones y características de la corriente artística, en esta pintura se agregan elementos que entrelazan y cruzan los sentidos. El espectador va más allá de la visión, una técnica de Sinestesia, sin duda, y que para los sinestéticos como yo nos resulta alucinante.

Según Mondrian la pintura es una representación de una calle de Broadway, NuevaYork. El título de la obra es el de un famoso baile y alusivo a la canción Boogie Woogie Stomp de Albert Ammons, la cual en lo personal les recomiendo escuchar mientras aprecian la obra.

Piet Mondrian, Broadway Boogie-Woogie. 1921.

Piet Mondrian, Broadway Boogie-Woogie. 1921.

Yellowstone, WY

Entrada principal Yellowstone Park

Entrada principal Yellowstone Park

El 1 de marzo de 1872 el Congreso estadounidense aprobó la creación del primer Parque Nacional de los Estados Unidos, siendo el primero a nivel mundial. Yellowstone se estableció para preservar 8.983 km2 de un bosque con condiciones geotérmicas únicas.

Principalmente está localizado en el estado de Wyoming aunque también se extiende por Idaho y Montana. El pasado verano tuve la oportunidad de visitar este Edén con flora y faunas únicas. Quedé enamorado de Yellowstone y en general de todo el estado de Wyoming. A continuación comparto algunas de las fotos tomadas.
Pensando en volver...

Pensando en volver…

I'm a wizard of moon and water

I’m a wizard of moon and water

Old Faithful Geyser

Old Faithful Geyser

Me perderé en un momento contigo...

Me perderé en un momento contigo…

Yo me quedaré aquí siempre...

Yo me quedaré aquí siempre…

Power of Tresum, powers of water, come to me

Power of Tresum, powers of water, come to me

Just Wyoming!

Just Wyoming!

Otro destino para conectarse con la naturaleza, olvidarse del mundo e intentar llegar al Nirvana.

Fotos tomadas en julio 2013.

El crimen del siglo

El primero de marzo de 1932 el hijo de Charles Lindbergh, famoso por ser el primer aviador en cruzar el atlántico sin escalas, fue robado de su habitación en un segundo piso, dejando como única evidencia una escalera hecha a mano en la ventana.

Evidencias caso Lindbergh

Efectivamente se trató de un secuestro y el victimario exigía 50,000 dólares en certificados de oro. Charles Lindbergh, sin más, hizo el pago, pero a su vez fueron retirados del mercado los números de serie para así tener una pista y rastrear al criminal en el momento en que se cambiaran los mismos. Lo más triste del caso es que aunque Charles pagó la cantidad acordada su hijo no apareció.

Charles Lindbergh Jr.

Charles Lindbergh Jr.

Pasados algunos días, en una finca cercana a la casa de los Lindbergh se halló un cuerpo de bebé en avanzado estado de descomposición con aparentes síntomas de golpes en la cabeza. El cuerpo correspondió al hijo de Charles Lindbergh.Publicidad de búsqueda

El crimen que conmocionó a la sociedad mundial de mediados del siglo XX quedó sin resolver hasta pasados dos años cuando un inmigrante de origen alemán; Bruno Richard Hauptmann fue identificado cambiando uno de los certificados obtenidos por el rescate del secuestro. El canje del certificado junto al alto pasado delictivo fueron suficientes para encarcelar y enjuiciar a Hauptmann.

Bruno Richard Hauptmann

La manipulación de la prensa convirtió a Hauptmann en el hombre más odiado a nivel mundial y debido a la fama de Charles Lindbergh, el delito se conoció como el Crimen del siglo. Aún así todas las pruebas obtenidas fueron circunstanciales, Hauptmann tuvo una buena coartada para cada una de las interrogantes del crimen y siempre se declaró como inocente.

La defensa intentó alegar que el secuestro fue gestado desde adentro de la casa Lindbergh, pero ante el hallazgo de los certificados de oro en el garaje de la residencia Hauptmann el jurado culminó por declararlo culpable y sentenciarlo a la pena de muerte.  El acusado indicó que la caja encontrada en su domicilio era de un amigo alemán que regresó a Europa y falleció allá.

Charles Lindbergh

Charles Lindbergh

La señora Hauptmann siempre alegó la inocencia de su esposo y en la noche del 16 de octubre de 1935 el gobernador del estado de Nueva Jersey; Harold G. Hoffman visitó a Hauptmann y solicitó una revisión de sentencia en el Tribunal de Apelaciones. Hechos como que el gobernador en persona visitó la sala de los condenados a muertes y que años posteriores Hoffman estuvo involucrado en casos de malversación de fondos, le dan un toque misterioso y especulador a este caso.

También se suman otras irregularidades como el que un reportero admitiera escribir y colocar el número del intermediario del rescate en un escritorio de Hauptmann, uno de los testigos que aseguró ver al secuestrador cerca de la casa Lindbergh era legalmente ciego, la abrumadora intervención de la prensa y que la policía manipuló las tarjetas de marcaje de tiempo del trabajo del acusado y no prestó atención a sus compañeros que indicaron que Hauptmann estuvo presente en su trabajo el día del secuestro.

Anna and Richard Hauptmann

Anna and Richard Hauptmann

A pesar de las anomalías, algunas dudas de culpabilidad y los intentos de apelación, la hipótesis del fiscal indicó que Hauptmann como era carpintero construyó la escalera que al tener un peldaño roto indicaba que el bebé se le cayó y recibió el fuerte golpe en la cabeza que le ocasionó la muerte, como confirmó la autopsia.

La hipótesis fue tomada como un hecho y tras la declaración de culpabilidad, el 3 de abril de 1936 fue ejecutado en la silla eléctrica Hauptmann ante un público de 50 invitados. La familia Lindbergh se había trasladado a Inglaterra tras constantes amenazas hacia su segundo hijo.

La magnitud de este crimen estableció el secuestro como delito federal en el código legislativo de los Estados Unidos de América con el nombre de Ley Lindbergh.

Electric chair

Electric chair

Como nota curiosa  a esta entrada, Charles Lindbergh visitó la isla de Puerto Rico en su gira de «Buena Voluntad». Lindbergh esperando una ovación por parte de los isleños, acabó decepcionado. Encontró un público en el que había simpatizantes y portavoces de la independencia de la isla cansados de la crisis económica y los abusos de Estados Unidos.

Limbers, Puerto Rico

La mayoría de los puertorriqueños coincidieron en el fracaso de su buena voluntad decepcionados por la frialdad emocional de Lindbergh. Puerto Rico tiene la tradición de congelar diferentes jugos y comerlos a manera de helados, este «postre» típico de la isla pasó a llamarse «Limber» por su característica fría y dura en honor a Lindebergh.

También a raíz de esta visita los borinqueños adoptaron la expresión «es más frío que un Limber,» dado que Puerto Rico es un país hispanohablante al que todavía hoy se le intenta convertir en angloparlante, muchas palabras, en este caso un apellido, suelen escribirse como se escuchan.

Misterio y superstición terminan en diversión

Georges Simenon

Georges Simenon

Destinado a una vida misteriosa, así nació un viernes 13 de febrero Georges Joseph Christian Simenon. Las supersticiones llevaron a su familia a declararlo nacido el 12 de febrero. Conocido mundialmente como Georges Simenon, la mala racha que acompañó su nacimiento no parece haber estado a lo largo de su vida ya que confesó haberle hecho el amor a unas 30,000 mujeres y publicó 192 obras con su nombre y alrededor de treinta bajo 27 seudónimos diferentes. Nació en Bélgica y fue un escritor de habla francesa.

Una vida llena de aventuras nocturnas, prostitutas, ebriedad y conflictos familiares, unido a su formación (no académica) como periodista, le dieron a Georges Simenon un estilo particular en el mundo literario. El frecuente contacto con personas de diferentes naciones y profesiones crearon unos personajes maravillosos en sus relatos. Luego de viajar en barco por Europa decide embarcarse para dar la vuelta al mundo, haciendo historias y tomando fotografías en cada uno de sus destinos. Algo particular es que Georges aprovechó para experimentar el placer de las mujeres de todas las latitudes.

Simenon and Daughter

Simenon and Daughter

Un espíritu aventurero y un apetito voraz por conocer y satisfacer sus más abominables pasiones hacen del grandioso Georges Simenon uno de mis escritores favoritos. A diferencia de la mayoría de los escritores contemporáneos, Simenon presentó en sus novelas personajes definidos y elaborados sin demasiada intriga. Pese a esto, no son personajes sencillos, por medio de sus novelas intentó llevar un mensaje complejo; no hay nada absoluto, ni inocentes, ni culpables. Su razonamiento y estilo han sido llevados tanto a la pantalla del cine como la de la televisión en una infinidad de países.

Joyeux Anniversaire Georges Simenon!