Jules Gabriel Verne

“El porvenir no me inquieta; lo que es duro a veces es el presente”.


Serpette – Pluviôse – 2015

My dear Jules:

Jules_VerneEs inevitable no pensarte y darte las gracias. Creaste mundos maravillosos llenos de lugares fluorescentes y mágicos que estuvieron a mi alcance desde mi temprana edad. Caí preso en muchos de tus encantos y cómo te explico que sigo reo, perdido e ignorando las señales que conducen a la salida. No sé si tengo ganas de escapar.

Se acaba el tiempo y no seguiré tratando de explicar lo que siento. Cada día me doy cuenta de que No necesitamos continentes nuevos, sino personas nuevas. Espero seguir viajando en mis sueños y que tú continúes siendo el guía de muchos de ellos. Disfruta tu día maestro.

Joyeux anniversaire, Jules Gabriel Verne.

A

Adeline

 “For this moment, this one moment, we are together. I press you to me. Come, pain, feed on me. Bury your fangs in my flesh. Tear me asunder. I sob, I sob.”


25 de enero 

Dearest V:

Virginia WoolfUn día como hoy se alumbró el mundo literario con tu llegada. Recuerdo el primer día cuando todavía era un niño y comencé a leer Las Olas, en aquel momento mi capacidad y comprensión era limitada, pero algo en mi interior me guío a guardar ese libro y atesorarlo como el mejor juguete que hubiera recibido.

Algunas de mis noches luego de cerrar los ojos visito diversos lugares y tiempos, Orlando es quien me entiende y acompaña. Los días pasaron y crecí, la sociedad dice que maduré, yo no estoy tan seguro de ello. Quedé atrapado en el Romanticismo, mi alma, mi cuerpo y mi mente me dejaron de pertenecer. Poco a poco abandoné los cálidos colores y me abracé al frío solitario, a las azules y gélidas temporadas, comencé a vivir nuevamente, o tal vez ascendí de vida o dimensión.

Te debo mucho, no sólo aventuras literarias, también locuras y reflexiones. Estoy seguro que tu voz se esconde en alguna de esas voces que me invaden de golpe y ni siquiera escuchando música las logro callar. Al final hay ululares a los que el cuerpo no responde y solo resta obedecer. No podemos huir o escondernos de lo que queremos sentir.

Tus palabras no desvanecerán, te lo aseguro. Gracias por tu legado, sólo las alma perturbadas e imposibles de reparar comprenden lo que vivimos. Dejé algunas lágrimas en el río Mid-wynd, siempre son agridulces las despedidas, tu mayor lección me acompaña todos los días; No hay barrera, cerradura ni cerrojo que puedan imponer a la libertad de mi mente.

Feliz cumpleaños Adeine Virginia Woolf,

A

Filosofía del Amor

Banks of the Seine at Jenfosse

Las fuentes se unen con el río
y los ríos con el Océano.
Los vientos celestes se mezclan
por siempre con calma emoción.
Nada es singular en el mundo:
todo por una ley divina
se encuentra y funde en un espíritu.
¿Por qué no el mío con el tuyo?


IncruenteLas montañas besan el Cielo,
las olas se engarzan una a otra.
¿Qué flor sería perdonada
si menospreciase a su hermano?
La luz del sol ciñe a la tierra
y la luna besa a los mares:
¿para qué esta dulce tarea
si luego tú ya no me besas?

 

Feliz cumpleaños Percy Bysshe Shelley.

Catalina La Grande

Virgilius Eriksen, Catalina II La Grande, Emperatriz de Rusia.

Virgilius Eriksen, Catalina II La Grande, Emperatriz de Rusia.

El 9 de julio de 1762 se coronó a Sophie Friederike Auguste von Anhalt-Zerbst como Catalina II, Emperatriz y Autócrata de Todas las Rusias, Princesa de Anhalt-Zerbst, Duquesa de Curlandia y Semigalia. Catalina fue una noble menor que incluso tenía sangre aristócrata sueca. Como dictaban las normas de su época y su región, la mayor parte de su educación fue impartida por instructores franceses, factor significativo para la evolución y el reinado de Catalina.

El matrimonio de Catalina con el  Duque Pedro de Rusia, se dio como un acuerdo diplomático para solidificar las relaciones de Prusia y Rusia, mientras se debilitaban las pretensiones de Austria sobre la corona rusa. Muchos se especula sobre el papel de la madre de Catalina; Juana Isabel, para que su hija ocupara el trono ruso. Más allá de las grandiosas historias, eventos que llaman mi atención fueron por ejemplo que Catalina se obsesionó por aprender ruso y repasaba sus lecciones todas las noches descalza por las calles rusas. Otras versiones cuentan que las enseñanzas del idioma eran de sol a sol. Lo cierto es que en las palabras de sus memorias Catalina escribió que una vez llegó a Rusia formó su mente para hacer todo lo necesario que la calificara para llevar la corona.

Chaterine Zeta Jones as Catherine the Great

Chaterine Zeta Jones as Catherine the Great

Sofía Federica Augusta era luterana de nacimiento y se crío en un ambiente devoto al luteranismo. Para acceder a las nupcias con el Duque Pedro, Sofía se unió al catolicismo ortodoxo y fue bautizada con el nombre de Catalina. El matrimonio estuvo destinado al fracaso, se entiende que nunca fue consumado en los primeros años y tras doce años el duque tomó una amante y al menos tres hombres de la alta nobleza y política rusa circulan entre las listas de los amantes de Catalina.

La muerte de la Emperatriz Isabel ascendió al duque a zar de Rusia y convirtió a Catalina en emperatriz. Malas decisiones, la enemistad con la iglesia e intervenciones en ducados prusianos y el reino de Dinamarca, le ganaron la enemistad de la mayoría del pueblo y la nobleza. Luego de retirarse por unos días y dejar a Catalina sola en San Petersburgo, Griogori Orlov; amante de la emperatriz, dirigió la Guardia Imperial Rusa con el fin de un golpe de estado que proclamó a Catalina como la gobernante de Rusia. El conflicto concluyo sin derramamiento de sangre, el zar acepto los términos de la revuelta a cambio de una finca tranquila, su viejo violín y suministros vitalicios de tabaco y vino de Borgoña.

Torelli, Catherine II.

Torelli, Catherine II.

Seis meses después de los eventos antes mencionados, Pedro fue asesinado por Alekséi Orlov, hermano del amante de Catalina. La mayoría de los historiadores soviéticos entienden y acusan a Catalina de fraguar el asesinato. También se cree que conspiró para los asesinatos de posibles aspirantes al trono como Ivan VI y la princesa Tarakánova. Curiosamente al igual que Catalina I, ambas consolidaron su título y poderío tras la muerte de sus esposos los zares llamados Pedro (Pedro I, Pedro III).

El manifiesto de ascensión al trono de Catalina estipula la “elección unánime” de toda la nación rusa. Aunque tanto en teoría como en la práctica se sabía que era una mentira, la nobleza vio en ella un problema menor al que no se enfrentarían ya que había un heredero; Pablo el hijo de Catalina y Pedro III. Se contemplaron nuevos golpes de estado para destituir a Catalina y dar el poder a Pablo, pero nunca fueron ejecutados y Catalina II reinó por 34 años hasta el momento de su muerte.

Su política interior y exterior se caracterizó por el intentó de una europeización del país.Catalina leía mucho y se mantenía al día con los eventos que ocurrían en Rusia y toda Europa. Hay evidencia de correspondencia con grandes personajes históricos y literarios como Voltaire y Diderot. En su política interna fracasó en su intento de crear códigos similares a las ideas de Montesquieu. La crisis de la vida rural rusa también se sumaron a los fracasos del gobierno de Catalina.

Imperio Ruso bajo Catalina II

Imperio Ruso bajo Catalina II

La geopolítica de Catalina II se centró en la expansión territorial siendo Polonia y Turquía las grandes víctimas. Históricamente se señala a Catalina como una mujer inteligente, culta, sagaz, muy hábil, apasionada y con una vida privada peculiar. La educación afrancesada que recibió Catalina la convirtieron, sin lugar a discusión, en una regente y gobernante ilustrada o bien para no herir a algunos, es un ejemplo del Despotismo Ilustrado.

Rokotov Fyodor, Portrait of Catherine II

Rokotov Fyodor, Portrait of Catherine II

El reinado de Catalina II, a mi interpretación, sufrió una dicotomía y dualidad que afectó a muchos otros monarcas. De un lado es cierto que la situación de la servidumbre nunca mejoró, el pavor de la Revolución Francesa la llevó a tomar medidas radicales como el envío a Siberia de todos los acusados de revolucionarios. Tampoco es menos cierto, que como muchos desconocen, el antisemitismo estuvo en una de sus formas más crudas en la Rusia de Catalina II. Sin embargo, fue gracias a Catalina II que Rusia se convirtió en un país capaz de competir con sus vecinos europeos en las esferas militar, política y diplomática. También, e irónicamente gracias a ella, en Polonia se fueron cuajando las bases y los cimientos para el futuro nacionalismo polaco y las servidumbres de Ucrania y Bielorrusia fueron desapareciendo y abriendo nuevas clases sociales y ciudadanos.

Billete de 100 rublos con la efigie de Catalina II.

Billete de 100 rublos con la efigie de Catalina II.

El mecenazgo de Catalina dio la mayor evolución de las artes en Rusia, por encima de cualquier monarca ruso anterior o posterior a ella. Afiliada a los ideales de la Ilustración, se llamó a sí misma como “una filósofa en el trono”. Mostró preocupación por su imagen en el extranjero, y persiguió que fuese considerada en Europa como una monarca ilustrada y civilizada, a pesar de que en Rusia desempeñaba a menudo el papel de tirano (Despotismo Ilustrado). Proclamó públicamente su amor por los ideales de la libertad y la igualdad, pero ató al siervo a su tierra y a su señor más que cualquier otro zar o emperatriz.

Catherine the Great

Catherine the Great

La obsesión de Catalina por no dejar a Rusia atrás y competir contra Europa, la llevó a adquirir gran cantidad de obras y abrió colecciones privadas sobre el arte recopilado. Catalina también auspició a muchos artistas y programas que fomentaron el arte. Creó instituciones artísticas y ella de su puño y letra hizo comedias, obras de teatro y algunos poemas. Cuando el gobierno francés amenazó con frenar el proyecto de la Enciclopedia, Catalina se ofreció como auspiciadora y le habló de asilo a Diderot para que continuara con el proyecto. Por un lado alentaba las nuevas ideas de la Ilustración, pero no podemos olvidar que censuró a Aleksandr Radishchev cuando publicó su obra Viaje de San Petersburgo a Moscú.

No discutiré ni debatiré sobre la bondad o la maldad de Catalina, cada quien estudia los hechos y sobre la base de su criterio llega a una conclusión. Yo solo diré que Catalina II de Rusia, llamada Catalina la Grande, fue una reina para la historia a la que resulta interesante, cautivadora al estudio.

Los fusilamientos del tres de mayo

Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Francisco de Paula José Goya y Lucientes, nació el 30 de marzo de 1746, en un pequeño pueblo aragonés. Contaba con unos tres años, cuando su familia se trasladó a Zaragoza, ciudad que lo vio crecer y donde entró a una academia de dibujo y pintura. Zaragoza, incluso al día de hoy, es una ciudad de provincia con oportunidades limitadas, lo que ocasionó el desplazamiento de Goya a la capital española para poder avanzar en el mundo del arte.

La vida artística de Goya, no fue simple ni fácil. Goya a diferencia de otros pintores, como por ejemplo Velázquez, no nació con una habilidad natural para la pintura. El progreso artístico de Goya requirió de mucho esfuerzo, tardó en aprender las técnicas, pero las aprendió excelentemente. Goya vivió entre dos siglos; 1746 – 1828, son dos mundos diferentes con características y estilos artísticos muy heterogéneos.

Goya nació en pleno Rococó; movimiento artístico que surgió al final del Barroco y que tiene como foco la máxima decoración. Aun así durante su formación aprendió el estilo Barroco, arte que se concentra en los elementos decorativos, enfoca la búsqueda del arte teatral, y se apoya en temas como la fiesta y el carnaval. Goya llegó a escribir sobre su fascinación por el uso de las máscaras y los cambios de personalidad.

Como reacción al Rococó, nació el Neoclasicismo. Este nuevo movimiento inspirado en los modelos clásicos de la antigüedad grecorromana, es uno más estricto y puritano que el propio Clasicismo. Goya, consciente de que para ser un buen pintor necesitaba estudiar en Italia, solicitó becas, pero le fueron negadas por no tener la calidad suficiente. Finalmente y tras muchos esfuerzos Goya viajó a Italia, en donde mejoró enormemente sus técnicas y aprendió nuevas.

En Italia Goya aprendió la técnica del fresco y gracias a ser fresquista, consiguió su primera oportunidad de trabajo al regresar a España, en la iglesia del Pilar de Zaragoza. Goya conoció a Josefa Bayeu, hermana de pintores famosos en aquellos años, y pasado un tiempo se casó con ella. Gracias a su cuñado Goya fue empleado como cartonista y se trasladó a Madrid. Un cartonista es el encargado de hacer los cartones para los tapices, muchos de los cuales iban dirigidos a los palacios y eran una forma para el artista de entrar a la familia real. Goya llegó a ser el cartonista favorito del príncipe.

Durante los años 1770 – 1780 surgió un gran cambio en el pensamiento social pues llegó la Ilustración; periodo de la historia que buscó reformas culturales, políticas y artísticas y que tuvo como motor y propulsor a la nación francesa. Las ideas de Goya lo hicieron un ilustrado de los pies a la cabeza. España estaba gobernada por Carlos III en ese momento. El príncipe Carlos también era un ilustrado y posteriormente la vida de Goya, tanto para gracia como para desgracia, estuvo ligada a la del príncipe y futuro rey Carlos IV. La Ilustración pasó a ser entonces el arte oficial de los estados. Debido a la rapidez de los cambios políticos, Goya cubrió el momento más brillante de la Ilustración española.

En el año 1786 Goya se convirtió en el pintor del rey Carlos III por petición del príncipe. Para 1789, con Carlos IV como rey, a sus 43 años ostentó el título de pintor de la cámara. Durante esta época los reyes no son los únicos clientes del pintor, sino los prioritarios. La reina María Luisa de Parma, la reina más detestada en España, fue irónicamente la protectora de Goya.

En 1792, Goya viajó a Andalucía y contrajo una enfermedad que casi le cuesta la vida. Existen muchas teorías sobre la enfermedad de Goya y lo que ocurrió, pero nada fue oficial y no hay evidencias. Lo que sí se afirmó fue fiebre muy alta que como efecto a largo plazo, afectó la audición del artista causándole sordera.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Goya pensaba que los hombres no eran buenos, sino malos por naturaleza. Pasó del optimismo humanista e ilustrado al pesimismo absoluto, momento en el cual creó la serie de Los Caprichos; obras pequeñas y realizadas sin encargo, en las que usando su total libertad, Goya trata temas terribles, tristes y espantosos para enfatizar la falta de esperanzas. Goya utilizó la paleta de colores sucia, en la que manejó los colores negros, grises y marrones, combinándolo con pinceladas altamente sueltas para expresar y capturar el máximo horror.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Cabe mencionar que al mismo tiempo que Goya creó Los Caprichos también hizo obras para la corte como el “Retrato ecuestre de Carlos IV” y “La familia de Carlos IV,” mostrando una versatilidad y agilidad que pocos pintores logran. Señalo que en lo personal, analizo esta capacidad como prueba de la lucidez de Goya, no comparto los juicios de la crítica contemporánea en los que se señala al artista como un demente, solitario y diabólico.

Luego de esta apasionada, y algo extensa introducción, ahora voy al meollo de esta entrada. De 1808 – 1819 España enfrentó la invasión francesa. Lo que inició como un paso de los soldados franceses por España para sitiar Portugal, aliado de Gran Bretaña y por consiguiente enemigo de Francia, finalizó en la traición francesa y la posterior invasión total a España. Por unos aproximados cinco años, España y Francia se enfrentaron en luchas sin cuartel que dieron origen al combate conocido como la guerrilla.

Francia, la cuna de la Ilustración, la patria civilizada e ilustrada traicionó e invadió a España. Suceso que marcó y golpeó la mentalidad de Goya. Durante los días dos y tres de mayo de 1808, ocurrieron levantamientos locales contra los franceses en ciudades como Madrid y Barcelona, las mismas culminaron con los fusilamientos de los insurgentes.

Las obras del dos y tres de mayo fueron sugeridas por Goya y encargadas por el regente Luis María de Borbón. Estas obras son enormes óleos sobre lienzo que colgarían en la puerta de Alcalá a la llegada del nuevo monarca Fernando VII. Fueron finalizadas en 1814, seis años después que ocurrieron los hechos, para algunos es lógico, pues de haberlo hecho cuando ocurrieron, probablemente los franceses no verían a Goya con buenos ojos.

El dos de mayo muestra los comienzos de la guerra, lo que sucedió durante el día. Un grupo de personas se levantó en armas contra el ejército francés que también estaba compuesto por mercenarios egipcios llamados mamelucos. En el momento que Goya realizó estas obras, aún estaba trabajando en los Desastres de la Guerra, este dato es muy importante para entender las nuevas composiciones de Goya.

Francisco de Goya, Dos de mayo.

Francisco de Goya, Dos de mayo.

El tres de mayo muestra los acontecimientos después de la revuelta del día. La represión también fue sangrienta en la noche en la Montaña del Príncipe Pío, donde los franceses alineados en pelotón compacto, fusilaron a los patriotas al resplandor de una linterna colocada en el suelo. El tres de mayo representa las lamentables consecuencias a que condujo el enfrentamiento; las represalias del ejército francés fueron tajantes, y los madrileños observaron con pavor cómo los insurrectos recibían su castigo siendo fusilados.

Francisco de Goya, Tres de mayo.

Francisco de Goya, Tres de mayo.

Descripciones literarias y estampas populares, informaron sobre la cruel represión del ejército francés contra el pueblo. Las estampas describieron minuciosamente a los pelotones de ejecución y a sus víctimas, pero Goya pintó una escena que trasciende al hecho real y se convierte en símbolo de la inocencia de las víctimas, que tienen un protagonismo absoluto en la obra. La luz intensa del farol enfoca a los que han de morir y también a los que ya han muerto. Goya expresó todo el horror de la represión.

El artista no percibe la guerra como un acto heroico y honorable, para Goya la guerra es crueldad, tortura, hambre y miseria, para Goya no hay buenos ni malos. No son buenos los españoles que resisten a los franceses, tampoco los franceses que difunden las nuevas ideas. Algunos críticos consideran que Goya era sospechoso de ser afrancesado y que el personaje principal en la obra muestra los sentimientos de amenaza y persecución que sentía Goya por el retorno de Fernando VII. Para otros críticos el personaje principal con el gesto de sus manos evoca la figura sagrada de Jesús en la crucifixión.

En el fusilamiento del tres de mayo, se puede apreciar mucho de la evolución de Goya, luego de su enfermedad. Se aprecia la pincelada suelta que captura más las emociones entre los patriotas, y aunque predomina la paleta de colores sucios vemos como Goya utilizó colores cálidos como el amarillo en los pantalones del protagonista y tonos azules en los uniformes de los soldados, mostrándonos que es un pintor colorista que maneja a perfección la paleta de colores.

Aunque, se sabe que Goya no presenció el fusilamiento del tres de mayo, expresa la obra de una forma veraz que nos hace pensar que Goya vivió ese momento. Es muy probable que algunos otros fusilamientos y represiones hayan pasado por los ojos del pintor.

La pintura del tres de mayo está dividida en dos bandos o en dos sociedades diferentes, esta división se hace evidente con la luz que sale del farol y que crea una especie de línea divisora en la obra. De lado derecho tenemos al ejército francés, reconocido de inmediato por las armas y los uniformes. En el lado izquierdo tenemos a los que la crítica llama, los patriotas. Por la vestimenta que tienen la mayoría sabemos que no son la nobleza, son campesinos y personas de clases sociales bajas.

La palpable división podría expresarse como una especie de dualidad entre los personajes y los sentimientos que cada uno expresa. El lado de los soldados tiene muy poca luz, adicional a esto Goya no pinta las caras de los soldados, considero que es un acto que les quita protagonismo, pero está claro que tampoco pueden pasar desapercibidos, son los portadores del mal y los responsables de las muertes, es imposible ignorarlos.

La obra trasmite al espectador una serie de sentimientos, por medio de las expresiones en los personajes, esto Goya lo consigue por el uso de una pincelada suelta. En los personajes se ven gestos de resignación, miedo, angustia y desesperanza. Detrás está la alta montaña, de frente los soldados armados y los cadáveres, está claro que todos van a morir no hay escapatoria, todos estamos a la espera de que se disparen las armas.

La Guerra de Independencia fue violenta y es claramente apreciable en los cuerpos ensangrentados que aparecen en el primer plano. También considero que el abandono en el que se encontraba la sociedad española, tras la abdicación de Carlos IV y la ausencia de Fernando VII, es reflejada en el desarme de los patriotas y sus gestos de miedo y angustia.

Al estudiar diferentes biografías y contemplar diversas obras de Goya, puedo concluir que el artista guardaba un sentimiento de desagrado y descontento hacia la iglesia católica y el santo oficio, que no paraba de perseguirle. Considero que Goya hace evidente este descontento en la obra, del lado de los españoles que están a punto de morir, se aprecia un hombre con cabello y vestido de monje, representado como un cobarde, mirando al suelo y suplicando clemencia. Contrario a esto el protagonista, un hombre laico, hace frente, levanta sus manos pero no se observa que ruegue misericordia, está dispuesto a morir por sus ideas a diferencia del religioso.

Otro posible símbolo que muestra el descontento de Goya hacia la iglesia es la ciudad pintada al fondo. Desde tiempos del Renacimiento son muchos los que le dan a la ciudad la visión del punto de encuentro entre Dios y el hombre. La ciudad que aparece en la obra es una que debido a la pincelada suelta, da una impresión de ciudad horrorosa y que brinda muy pocas esperanzas. Por otra parte la torre más alta de la ciudad, a su vez goza de una cierta perspectiva central junto con la farola, a mi juicio sería la torre de una catedral. Podría ser una crítica de Goya hacia la iglesia que está observando todas las calamidades y terrores que suceden y no hace nada, o también un señalamiento a la impotencia de la iglesia en casos de guerra.

Estudiar a Francisco de Goya es una actividad interesante. Intentar entrar en su mundo no es tarea fácil. Se necesita consultar mucha bibliografía para poder entender un poco de lo que pasó con esta magna figura y lo que lo convirtió en el gran maestro que estudiamos hoy. Se debe tener mucho cuidado y rigor en la bibliografía que se selecciona y se consulta, ya que en el mundo del arte se especula mucho.

Es esencial conocer los diversos acontecimientos que atravesó Goya a lo largo de su vida, para poder entender la evolución y los cambios en su pintura, teniendo una mejor interpretación de su legado. Goya ha sido uno de los maestro de la pintura española más destacados. Es increíble saber que no nació con una habilidad natural para la pintura y ver hoy las grandes obras que realizó. Es más sorprendente aún ver cómo pasado sus 50 años, edad en la que muchos pintores se quedan estacionados en lo que aprendieron, Goya continua aprendiendo técnicas nuevas. La habilidad de Goya, para dominar las paletas de colores es para alucinar, combinando la paleta sucia con colores cálidos y fríos y dando como resultado una gama esplendorosa a los ojos.

Lo que me impactó mucho fue esa la habilidad para trabajar con diversos estilos a la vez. En la historia del arte, diría que el ochenta por ciento de los artistas, quizás más, solo dominan un estilo y al pasar a uno nuevo olvidan el antiguo. Goya trabajó con estilos completamente diferentes simultáneamente y ambos terminan con resultados impresionantes, Goya no solo mostró el dominio del Barroco y el Neoclásico sino que más asombroso aún crea un estilo y vocabulario propio.

En pinturas como las del dos y tres de mayo Francisco de Goya presentó un compromiso social e incluso hizo su aportación a las revueltas. No se cruzó de brazos o se encerró en su taller a esperar que la tormenta pasara. Hoy que es tres de mayo recordemos a Goya.

La libertad guiando al pueblo

Eugène Delacroix

Eugène Delacroix

El 26 de abril de 1798 nació en Francia Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix, futuro pintor famoso perteneciente al Romanticismo. Se barajan varias hipótesis sobre el nacimiento y los padres biológicos de Delacroix, pero lo oficial es, que está registrado como hijo del político Charles Delacroix y su esposa Victorie Oeben. En su juventud vivió en diferentes territorios galos y fue impregnándose de amor y éxtasis por la cultura medieval.

Eugène Delacroix, El Mar cerca de Dieppe. 1852.

Eugène Delacroix, El Mar cerca de Dieppe. 1852.

En 1815 con la recomendación de un tío entró a estudiar y trabajar en un taller Neoclásico. Eugène Delacroix visitó y estudió en el Louvre, admiraba a Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Rembrandt y Paolo Veronese. Los debates primarios de Delacroix era seguir la tradición del Clasicismo y hallar la verdad detrás de las apariencias. Eugène no se quedó estático en un estilo, a la vez que producía extraordinarias obras clásicas, también se intereso por Goya, la litografía y el grabado. Aprendió la pintura de paisaje de Richard Parkes Bonington y su primer encargo; La Virgen de las Mieses fue descrito por la crítica como un claro homenaje a la pintura de Rafael.

Eugène Delacroix, Dante y Virgilio en el los infiernos. 1822.

Eugène Delacroix, Dante y Virgilio en el los infiernos. 1822.

Eugène Delacroix frecuentó los círculos y salones literarios de la época en los que conoció a personajes destacados como Victor Hugo y Charles Baudelaire. En palabras de Delacroix, prefería la compañía y amistad de músicos, escritores y poetas a la de pintores. En 1822 expuso Dante y Virgilio en los infiernos, una obra calificada correctamente como ambiciosa. La luz juega con cada uno de los personajes y rebasa incluso el plano principal. Los colores hacen tono con los efectos visuales, son tonalidades de color bien trabajadas y elaboradas. Una ciudad en llamas en el segundo plano no pasa desapercibida a los ojos del espectador. El humo y el viento se fusionan en una atmósfera que abraza lo funesto con lo macabro y juntos de la mano caminan por el erotismo y la magia.

Eugène Delacroix, Le Massacre de Scio.

Eugène Delacroix, Le Massacre de Scio.

En sólo dos años (1824) Delacroix creó La matanza de Quíos.  Esta obra presenta un episodio de la guerra griega por la independencia del Imperio Otomano; la matanza de 20,000 habitantes de las islas griegas y el rapto de mujeres y niños para ser esclavizados. En la exposición original Delacroix llegó a la conclusión de que el cuadro era triste y no tenía luz. Decidió modificarlo con el uso de pinceladas fuertes y pequeñas, pero muy unidas. El resultado fue un cuadro más brillante pero que acentuaba la tristeza del mismo. Es una obra muy cruda en la que el horror y la desesperación son la orden del día. Tanto esta obra, como la de Dante y Virgilio presentan el debate interno de Eugène entre el Romanticismo y el Clasicismo.

Eugène Delacroix, La muerte de Sardanápalo. 1844.

Eugène Delacroix, La muerte de Sardanápalo. 1844.

Una estadía de Eugène Delacroix en Inglaterra y el estudió de los pintores ingleses lo llevó a usar colores de acuerdo al análisis psíquico que los mismos provocaban. Gracias a esta técnica logró una gran controversia e impacto al presentar el cuadro La muerte de Sardanápalo. La obra presenta el mito de la muerte del legendario rey asirio Sardanápalo, según las leyendas en el momento que su hermano Assurbanipal sitió la ciudad para darle muerte, él tomo la decisión de suicidarse junto a sus mujeres y caballos, evitando así que el enemigo se apropiara de sus bienes. En palabras de Eugène:

…ninguno de los objetos que le habían servido de placer debían sobrevivir.

El tema de Sardanápalo ya había sido rescatado por el romántico Lord Byron y recalcó el culto que todos los románticos le rendían al suicidio como acto máxime de rebeldía. Esta obra es la que mayor representa lo romántico de Eugène Delacroix. La exaltación del héroe romántico y la combinación del erotismo y la muerte, enfatizan el camino que eligió Delacroix. El cuadro no fue bien acogido por la crítica del momento que señaló la falta de perspectiva, lo libre de las pinceladas y las distorsiones en los cuerpos, como técnicas negativas y antiartísticas.

Una larga estadía por el norte de África y el Magreb árabe marcó profundamente la psicología y por consiguiente las representaciones artísticas de Eugène Delacroix. En su opinión en estas tierras se encontraban los paisajes y la cultura de las antiguas civilizaciones. La ciudad de Tánger al norte de Marruecos fue una de las que más impactó la vida del artista.

Eugène Delacroix, La liberté guidant le peuple. 1830.

Eugène Delacroix, La liberté guidant le peuple. 1830.

Quizás es La libertad guiando al pueblo, la obra más famosa y reconocida de Delacroix. El cuadro da vida al día 28 de julio de 1830 en el cual el pueblo se levantó en contra del monarca Carlos X, luego de que suprimiera el parlamento e intentara acabar con la libertad de prensa.

No hubo un solo líder de este movimiento revolucionario, es esto una de las razones por las que Delacroix escoge a la libertad para encaminar al pueblo francés, pero no cualquier representación, sino que escoge a la Marianne, mujer alegórica, real y muy sensual. Marianne también tiene toques que recuerdan a la Venus de Milo y a la Victoria alada de Samotracia.

Una obra completamente romántica que se ha convertido en un ícono de las luchas por la libertad, sin duda ha sido la que más aportó en el proceso de inmortalización de Eugène Delacroix. Los años posteriores a 1859 son críticos en la salud del artista, aunque aun así no dejó de producir magnas obras. Uno de sus diarios recoge en la fecha cercana a su muerte la siguiente frase:

El mérito de una pintura es producir una fiesta para la vista. Lo mismo que se dice tener oído para la música, los ojos han de tener capacidad para gozar la belleza de una pintura. Muchos tienen el mirar falso o inerte; ven los objetos, pero no su excelencia”.

Aunque los grabados de Eugène no alcanzaron la misma gloria que sus pinturas, no deben ser ignorados. Destacan muchos sobre ciudades europeas y otros de temáticas ocultistas como la novela Fausto de Goethe o Macbeth de William Shakespeare, recordando mucho a la serie de los Caprichos de Goya.

Eugène Delacroix, a mi criterio, fue el pintor que más absorbió y representó el Romanticismo en el territorio francés. Delacroix conservó la médula del romanticismo alemán, pero lo adaptó y moldeó a la realidad histórica y pictórica de la Francia del siglo XIX. Es una figura protagónica no sólo en el Romanticismo, pintores como Vincent van Gogh y movimientos de las futuras vanguardias del siglo XX, lo señalan como inspiración e influencia.

Personalmente disfruto de manera sobrehumana una colección de cuatro pinturas de Eugène Delacroix. Un año con Delacroix, como informalmente le llamo, es una serie en la que cada pintura plasma una de las estaciones del año y en las que los protagonistas son una pareja de la mitología grecorromana.

Eugène Delacroix, Orfeo y Eurídice, Primavera. 1862.

Eugène Delacroix, Orfeo y Eurídice, Primavera. 1862.

Eugène Delacroix, Diana y Acteón, Verano. 1862.

Eugène Delacroix, Diana y Acteón, Verano. 1862.

Eugène Delacroix, Baco y Ariadna, Otoño. 1862.

Eugène Delacroix, Baco y Ariadna, Otoño. 1862.

Eugène Delacroix, Juno y Eolo, Invierno. 1862.

Eugène Delacroix, Juno y Eolo, Invierno. 1862.

Esta serie no es ajena al Romanticismo. Más allá de observar las pinceladas, colores y paisajes que son muy de Delacroix, las parejas protagónicas son los personajes de historias de amores imposibles y que culminan en actos funestos. Aquí esta el tuétano Romantisch, sentir es vivir y vivir es sufrir; el sufrimiento es estar vivo. Un viaje elegante entre la la maldita primaverala travesía del verano, los días grises del otoño y el amor eterno del invierno. ¡Qué grande fue ese Eugène de Delacroix!

Para cerrar la entrada coloco otras obras que quizás no son tan estudiadas, pero son igual de cautivadoras.

Eugène Delacroix, Crucifixión. 1846.

Eugène Delacroix, Crucifixión. 1846.

Eugène Delacroix, Hamlet und Horatio auf dem Friedhof. 1835.

Eugène Delacroix, Hamlet und Horatio auf dem Friedhof. 1835.

Eugène Delacroix, La muerte de Ofelia. 1838.

Eugène Delacroix, La muerte de Ofelia. 1838.

Eugène Delacroix, San Sebastián. 1836.

Eugène Delacroix, San Sebastián. 1836.

Eugène Delacroix, Tam o´Shanter es perseguido por las brujas. 1825.

Eugène Delacroix, Tam o´Shanter es perseguido por las brujas. 1825.

La distribución de la población

World Population

World Population

Existe una rama en la geografía dedicada al estudio de la población y las relaciones de los habitantes con su entorno, esta es la geodemografía. La misma tiene como base y fuentes de estudio los censos, padrones y registros de natalidad y mortandad para hacer estadísticas y dar proyecciones sobre la población en la Tierra.

Es un rol muy importante, ya que al agrupar estas series de datos se muestra la distribución poblacional a nivel mundial, haciendo evidente el desfase entre las personas y el espacio, abriendo paso a algunas alternativas para intentar solucionar el problema.

La distribución del hombre con el espacio no corresponde equitativamente. En primer lugar al ver un mapa mundial se hace evidente el primer factor explicativo; las grandes porciones de tierra habitada están en el hemisferio norte, aun cuando sabemos que muchos de los mapas mienten en cuanto a las escalas terrestres, las grandes masas de tierra del hemisferio sur, África y Australia, gozan de grandes terrenos que incluso todavía no han sido pisados por el hombre. Este factor lleva a otros; al ser las tierras del norte más accesibles, la grandes civilización por consecuencia se van a desarrollar en el hemisferio norte.

Mapa de población en Asia

Mapa de población en Asia

En el norte de nuestro planeta también se encuentran los continentes más poblados: Asia y Europa. El peso de Asia es realmente grande ya que tiene los dos países con más abundancia poblacional a nivel mundial que son India y China. La ubicación de las personas, como en el caso de Europa, es una cuestión heredada; mucha gente llegó a Europa desde el Neolítico y allí se quedó.

Ciudades del mundo con más de 1 millón de habitantes en 2006

Ciudades del mundo con más de 1 millón de habitantes en 2006

Nuestra civilización hoy día se basa en grandes ciudades como por ejemplo Chicago, Nueva York, Barcelona. Estas grandes ciudades sufren el efecto de olas migratorias que se van dando a lo largo de todos los años, en muchas ocasiones formadas por personas que buscan una mejor calidad de vida. Muchos de estos asentamientos están ubicados en las zonas litorales adyacentes a ríos, mares y océanos, para facilitar así las comunicaciones y actividades comerciales. La influencia del mar es fundamental en la distribución poblacional, más del  cincuenta por ciento de los poblados se encuentran cerca de las costas.

El clima y la topografía son otros factores influyentes en la distribución poblacional. No se puede pasar desapercibido el hecho de que grandes extensiones de tierra en Canadá, Rusia, Escandinavia, la Antártida y elevadas cadenas de montañas son prácticamente inhabilitadas para el hombre debido al clima polar, los crudos inviernos y la escasez de recursos.

Mapa tasa de natalidad para el 2000

Mapa tasa de natalidad para el 2000

La sociedad mundial también se enfrenta al problema en las tasas de natalidad y mortandad. Aunque con la Revolución Industrial se dio una lucha contra la mortalidad y se mejoró muchos aspectos de la calidad de vida, algunos países bajo los índices de pobreza no tienen los medios ni el conocimiento para prevenir o planificar embarazos. Se enfrentan entonces a una alta tasa de natalidad que es completamente opuesta a los países desarrollados donde las tasas de natalidad bajan cada día más. Un desequilibrio en las tasas de natalidad a la larga es desastroso, ya que no habrá suficientes personas para los trabajo, las actividades y el sustento del país.

Brasilia, Brasil

Brasilia, Brasil

En la actualidad se han desarrollado programas de distribución poblacional y reubicación. Estos programas pretenden fijar a las comunidades nómadas y educarlas. También se pretende limitar el desequilibrio económico y controlar el crecimiento de las capitales creando capitales artificiales como el caso de Brasil que instaló su capital; Brasilia, la que en el día de hoy está de aniversario, en el centro amazónico para hacer un balance en su población que se aglomeraba entre Río de Janeiro y São Paulo. Habitar y desarrollar algunas zonas despobladas podría ser una buena alternativa para ir distribuyendo la población más equitativamente.

Es indiscutible la importancia de la distribución poblacional en los diferentes países, ya que hay muchos terrenos vacíos que se podrían habilitar para desarrollar ciudades y despejar un poco las grandes metrópolis. Es un proyecto que no es imposible, pero que requiere de mucha colaboración y cooperación no solo de un país, sino de muchos. Algo que quizás en nuestros días es un poco complicado y difícil. Aun cuando existen más de 2,000 organizaciones gubernamentales y no gubernamentales de carácter internacional, dirigidas a la colaboración y mejoras en la calidad de vida y ayudas humanitarias.

“matarlos, asesinarlos o violarlos”

“Lo que estoy buscando…es un movimiento inmóvil, algo que sería equivalente a lo que se llama elocuencia del silencio.”

Joan Mirró i Ferrà

Joan Mirró i Ferrà

Joan Miró i Ferrà nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona, Catalunya. Fue un grandioso pintor, escultor, grabador y ceramista. Es considerado uno de los máximos exponentes del Surrealismo. Los inicios de la carrera artística de Joan Miró presentan muchas influencias de las vanguardias de comienzos del siglo XX como el Fauvismo, Cubismo y Expresionismo. A medida que su arte avanzó y evolucionó, mostró un interés particular por el subconsciente, lo infantil y los territorios catalanes. Otros críticos del arte, etiquetan a Joan Miró bajo el renglón del Arte Naïf.

Joan Miró pasó una temporada en París, capital del arte en aquel entonces. Su estadía parisina acercó su arte al mundo onírico, coincidiendo con los postulados del Surrealismo y uniéndose a este movimiento. Miró dejó públicamente claras sus intenciones de abandonar los cánones tradicionales del arte plástico, en una de sus expresiones dijo que a los convencionalismos había que “matarlos, asesinarlos o violarlos”.

Joan Miró, Nord-Sud. 1917.

Joan Miró, Nord-Sud. 1917.

La primera exposición de Miró en 1918 presentó una recopilación de paisajes, naturalezas muertas y retratos. Las obras combinan técnicas de las vanguardias europeas, como los colores agresivos de los Fauves. Miró navegó entre los colores de van Gogh, los paisajes de Cézanne y la escritura cubista de Juan Gris y Georges Braque, todo esto lo combinó con una pincelada oscura muy propia de su plástica.

 

Para 1918, Miró abandonó los colores y las formas rígidas, según sus propias palabras:

“Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos”.

Joan Miró, viñas y olivos.

Joan Miró, Viñas y olivos y de Montroig.

En Viñas y olivos de Montroig se aprecia que las raíces dibujadas debajo de la tierra son completamente individualizadas, consiguiendo así una conexión física con la tierra. Técnica meticulosa que recuerda un poco el realismo-naturalismo de la pintura flamenca.

Pasados los años Joan Miró conoció a los exintegrantes del movimiento Dadá, que posteriormente fundaron el Surrealismo. El Surrealismo y su enfoque en los sueños y el inconsciente le dieron a Miró el camino hacia su voz interior, voz que lo guío hasta alcanzar su lenguaje propio y permanente hasta sus obras finales.

Joan Miró, Carnaval de Arlequín. 1925.

Joan Miró, Carnaval de Arlequín. 1925.

El Carnaval de Arlequín, es considerada como la obra que dio inició al Miró surrealista. Cabe señalar, que la crítica identifica el estilo iniciado por Miró como Surrealismo Abstracto. El tema de Arlequín, en mi opinión, es uno heredado de su gran amigo Pablo Picasso. A diferencia de los manifiestos surrealistas, en palabras de Joan Miró:

“Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales”.

Apreciamos entonces divergencias con la esencia, lo puramente surrealista y Joan Miró. La pintura está esparcida de personajes y elementos de la imaginación de Miró, que comparten con los personajes principales; Arlequín y un autómata que toca la guitarra. También sobre esta obra Miró compuso una poesía en la que dijo:

“En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas…”

Interior Holandés I - El tocador de Laud

Interior Holandés I – El tocador de Laud

En compañía de amigos como Max Ernst y René Magritte trabajó con la técnica del Cadáver Exquisito. Más tarde se trasladó por el norte europeo pasando por Bélgica y los Países Bajos, quedando completamente encantado con los museos y el arte nórdico. A su regreso a París se concentró en una serie de pinturas que la crítica dio el nombre de Interiores Holandeses.

Para la obra Interior Holandés I se inspiró en la pintura El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh. A lo largo de toda esta serie Joan Miró transformó las pinturas que tomaba por inspiración en sus sueños surrealistas, abundando el grafismo y las formas analizadas. Esta técnica basada en sus interpretaciones de obras previas la continuó en la serie llamada Retratos Imaginarios.

Joan Miró, Gran Maternidad.

Joan Miró, Gran Maternidad.

Aproximadamente para el año 1930 Joan Miró se distanció del Surrealismo y su agenda política. Aunque, en teoría Miró se guió y empleo las técnicas de la plástica surrealista, nunca se sintió obligado a la lucha armada y política que exigían algunos de los líderes surrealistas, miembros incluso de partidos y sectores políticos. Joan Miró optó por llevar su voz de lucha y protesta en el arte y no con las armas. A partir de ese momento trabajó los medios del collage, grabado y la escultura.

La mayoría de las ocasiones en las que se estudia el Surrealismo, generalmente tanto críticos como curiosos se quedan en el parapeto dicho por Salvador Dalí: “el Surrealismo soy yo.” No resto importancia y mucho menos mérito a la genialidad de un hombre tan extraordinario y sobresaliente como lo fue Dalí.

Sin embargo, no comparto la cita anterior. El Surrealismo existió y se fraguó en unas mentes aturdidas y brillantes en las cuales Dalí no estuvo presente. Por otro lado casos y artistas como Max Ernst y Joan Miró i Ferrà requieren un trato y estudio igual de grandilocuente y abarcador como la eminencia de Salvador Dalí.

La Organización del Tratado del Atlántico Norte

OTAN

OTAN

La Organización del Tratado del Atlántico Norte, mejor conocida por su abreviación; OTAN, se fundó el 4 de abril de 1949. Es una alianza militar entre los países miembros del convenio. En la misma pactan defender a sus aliados en caso de un ataque externo. En su origen la organización fue una mera conglomeración política con reducido poder.

Sin embargo, la Guerra de Corea definió la estructura militar de la OTAN que desde entonces pasó a estar a cargo de los comandantes de guerra de los Estados Unidos. El desarrollo de la Guerra Fría llevó entonces a los países rivales de la OTAN  a fundar el Pacto de Versovia, cuyo propósito principal era contrarrestar las acciones de sus enemigos.

Tras la caída del muro de Berlín y la desintegración de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, la OTAN redefinió sus objetivos y se convirtió en la guardiana de la seguridad del hemisferio Norte. Intervino de manera conjunta en la Guerra de Yugoslavia. Mejoró muchas relaciones con antiguas repúblicas socialistas soviéticas y permitió la entrada de expaíses del Pacto de Varsovia en la OTAN.

En el año 2001 Estados Unidos fue el primer miembro que invocó el artículo quinto de la alianza, solicitando ayuda y defensa para su guerra contra Iraq y Afganistán. Posterior a esto en tres ocasiones Turquía ha invocado el artículo cuatro, que convoca a una reunión de los miembros, por sus conflictos en el mediano Oriente. La última invocación del artículo cuarto la hizo recientemente Polonia luego de la actual crisis en la Península de Crimea.

Los países miembros de la OTAN son los siguientes:

Países miembros de la OTAN

Países miembros de la OTAN

 

*Francia se retiró de la OTAN en 1966 y se volvió a incorporar en 2009.

**Islandia es el único miembro que tiene la gracia de no participar en ningún conflicto bélico.

***Alemania entró como la República Federal de Alemania en 1955, luego en 1990 fue miembro como una Alemania unificada.

Sistemas de alianzas en las cuales los amigos no son sinceros tienen poco provecho. La UNESCO y organizaciones como Amnistía Internacional han señalado y querellado violaciones en los derechos humanos realizadas en las acciones bélicas de la OTAN. Sin la atención ni el trato debido todas las quejas y demandas han quedado en nada.

Personalmente soy partidario de la buena diplomacia y las excelentes relaciones internacionales, pero no veo justicia en que por ejemplo, el país X le declare la guerra al país Y y que los países A, B, C, D y E tengan que entrar en una guerra por ser aliados del país Y aun cuando el país X ni siquiera los miró. Grandes alianzas han ganado guerras, pero también han cometido los horrores humanos más funestos. Finalmente es un tanto paradójico que algunos de los países que pertenecen a la Organización del Tratado del Atlántico Norte ni siquiera tienen una costa que la bañe el Atlántico.