Big Little Lies (2017)

323102Continúo en el proceso de autobúsqueda, pero considero que es tiempo de retomar el ritmo y los hábitos que disfruto, así que espero volver a la carga por estos lares.

Recién he finalizado de ver la actual entrega de los Emmy y los galardones que recibió la mini serie Big Little Lies me hicieron sacar de los borradores la entrada que esbocé una vez finalicé de la serie hace unos meses.

Esta serie está basada en el libro homónimo de la escritora australiana Liane Moriarty y catalogada como una comedia dramática oscura. Fueron unas expresiones en el libro, en las cual se le compara con un relato de Stephen King, las que me guiaron a la obra literaria y posteriormente a la serie.

El libro lo finalicé en menos de una semana, las intrigas, conflictos sociales y los escenarios, crean una especie de atmósfera oscura y siniestra, pero paradisíaca e idílica haciendo que cada página del libro se disfrute y goce con un deleite casi sagrado.

MontereyEn el caso de la serie, dirigida por Jean-Marc Vallée, todo queda calcado exactamente igual, pero trasladando los hechos a la costa californiana de Monterey. Si bien es cierto que la decisión de HBO de llevar esta historia a escena con este lugar de desarrollo, se guió por cuestiones de universalidad y propaganda. No es menos verídico que la oda a la ciudad de Monterey, así como las escenas, la banda sonora de la serie y cada uno de los detalles escénicos, contribuyeron al éxito de esta serie.

episode-01-1920La historia narra principalmente las vidas de tres madres; Celeste (Nicole Kidman), Madeline (Reese Witherspoon) y Jane (Shailene Woodley) que de formas extrañas, sus vidas quedas entrelazadas y conjunto a Renata (Laura Dern) y Bonnie (Zoë Kravitz) crean lazos de amistad que esconden intrigas y solidaridades en una sociedad que nada es como aparenta.

Los animo con vehemencia a ver esta pequeña serie (consta de 7 episodios), por lo que no adelantaré nada de la trama, ni escribiré sobre el desarrollo y la culminación de la misma. Lo que si menciono es que hacía tiempo que no me topaba con una producción “bien hecha”. Aquí nuevamente la cadena HBO sobrepasa a muchas industria antiguas y nuevas como Netflix y Hulu, dejando claro su superioridad, buen gusto y buena elección.

El éxito de Big Little Lies  es a mi criterio un conjunto de buenas decisiones y elecciones. La historia es bastante fresca, a pesar de que las protagonistas pueden ser mujeres cliché de la sociedad contemporánea, quedan muy lejos de ser las Desperate Housewives con las que la crítica las suele comparar. El suspenso y la intriga complementan a un elenco de primera que hace un juego casi divino con el ambiente y los escenarios.

wenn_emmys_2017_winners_reesewitherspoon_nicolekidman_091817_1800x1200La dirección y el elenco son de primera. Los Emmy pueden dar fe de ello. Personajes como Celeste, Madeline, Renata, Jane y Bonnie, nos enfrentan a deseos, pasiones, emociones reprimidas y una inmensa variedad sentimientos que nos visitan en nuestro día a día. Resultándonos tan fácil identificarnos con ellas.

Aquí, debo hacer hincapié en el galardón y la magnífica actuación de Nicole Kidman, merecen mucho más que un premio de la academia estadounidense de la televisión. Nicole Kidman a sus 50 años demuestra la talla de actriz que es y con clase y elegancia calla a todos los que hablaban de su descenso y el ocaso de su carrera.

la-et-emmys-2017-69th-emmy-awards-live-emmy-winning-big-little-lies-on-those-1505708882Sin ánimos de alargar más la entrada, los vuelo a exhortar a ver la serie y a leer el libro. Basado en el éxito rotundo hay mucha especulación en las redes sobre una segunda temporada. HBO se niega a confirmar nada, pero algunas fotos en los perfiles de las protagonistas podrían confirmar o sugerir una segunda entrega. Aquí digo que me encantaría volver a ver en escena a este equipo, pero a la vez me aterra que una serie tan bien hecha, que roza la divinidad, no debería ser dañada con secuelas que muchas veces matan la esencia de la genialidad.

Califico el libro con un 5/5.

Califico la serie con un 9/10.

Emerald City

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Emerald City, promoción en la web de NBC

Tras diversos éxitos con clásicos universales y ese gusto común por la magia y la ficción, la NBC apostó por una versión más contemporánea y “dark” de “El maravilloso mago de Oz” teniendo como resultado la teleserie Emerald City. El proyecto originalmente estaba pensado para el año 2016, pero luego de una pausa, al final vio la luz. Aunque la base de la serie se halla en los libros de Oz de L. Frank Baum, muchos datos como la edad de Dorothy, el origen del hombre de hojalata, el león y el espantapájaros, dan giros inesperados e interesantes en esta serie.

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The Wizard and the Witches

Dorothy Gale deja atrás su tediosa Kansas y es arrastrada a una tierra mística que involucra choques de reyes, enfrentamientos de reinos y guerras, y que a la par entrelaza distintas dicotomía que van más allá de la clásica entre el bien y el mal, involucrando incluso ciencia-magia, hombre-mujer. La Ciudad Esmeralda y la atmósfera de la tierra de Oz están cargadas de misterios y bellezas que estupendamente quedan plasmados en los escenarios de Barcelona, Sevilla, Croacia y Hungría.

El fraude detrás del Mago de Oz se une a unas brujas magníficas y radiantes que rompen los esquemas y cánones de las brujas literarias y televisivas. Por mencionar un ejemplo, las brujas en la serie American Horror Story: Coven estaban dotadas de glamour y  gusto popular, pero carecían de la esencia de una verdadera y tradicional bruja.

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Las brujas cardinales

Esto no nos sucede en Emerald City, donde hallamos a unas brujas cardinales que entrelazan razas y culturas, mientras no pierden el glamour y el toque aterrante y atrayente. Es cierto que según la lente con que se mire, Glinda puede ser la bruja malvada y West realmente la buena, haciendo los guionistas un canje entre las brujas principales de Oz, pero recalco, todo depende de la perspectiva.

En el mundo de las series televisivas, considero que nos enfrentamos a un antes y después de “Game of Thrones”, el furor ha sido tal, que toda serie existente, o por existir, necesita una dosis de la médula de juego de tronos, entiéndase desnudos, sexo, conspiraciones y muerte, pero hablamos de la NBC que aunque bien es más PG-13 que la ABC, todavía no puede enfrentar a sus público a diálogos y escenas tipo “softporn”. Un fallo porque le darían muchos puntos extras a la serie.

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Emerald City, reparto

Personalmente, la trama me atrapó, el toque oscuro y siniestro la hace una serie para adultos y nos coloca ante tonalidades grises que no nos dejan claro cuestiones como bandos, protagonistas y antagonistas.

De forma abierta puedo decir que odié al Mago de Oz desde su primera aparición, ansiaba y soñaba con su muerte en cada episodio. Sin embargo, una Glinda que da miedo de sólo pensarla y una malvada bruja del Oeste que enfrenta conflictos arduos y humanos, se suman a personajes como Jack, el hombre de hojalata, Roan, el espantapájaros, y Ozma, la heredera de los Pastoria, y me dejaron con ganas de más.

Es probable que unos de los mejores aspectos de la serie sea su reparto. El elenco, si bien es de primera y nos brinda unos personajes frescos y reales, nos enfrenta a caras nuevas no tan recurrentes y recicladas en las series y películas. A pesar del final abierto que nos dejó esta primera temporada, todavía la NBC no ha decidido si renovará para una segunda entrega, con todas mis fuerzas espero que sí y los invito a ver Emerald City.

Califico la serie con un 8/10.

American Horror Story: Freak Show, ni horror, ni historia

AHSSucede con Star Wars una obra tan magna y tan bien realizada, que los fanáticos de verdad estamos aterrados sobre lo que Disney hará con nuestra religión. Sucedió con El Padrino que luego de un gran éxito y alcanzar que muchos la llamen la mejor película de todos los tiempos, las secuelas no fueron tan buenas. Comienzo mencionando estos ejemplos para dirigirme al tema central de esta entrada American Horror Story.

En 2011 Ryan Murphy nos deleitó a todos los fanáticos del horror con una serie, que si bien no cuenta innovaciones del terror, si recoge pequeños clásicos de la cultura y folclor terrorífico estadounidense, como las casas embrujadas y los centros mentales, de manera cautivadora y muy bien trabajada con un elenco de primera. Sólo mencionaré a los cuatro fantásticos: Jessica Lange, Evan Peters, Sarah Paulson y Lily Rabe.

En la web nos describen American Horror Story, como una serie antológica dado que cada temporada es independiente a la anterior y el reparto interpreta diversos personajes. No obstante la cuarta y la segunda temporada guardan relación de tiempo, espacio y personajes.

American-Horror-Story-poster-AsylumLo que considero cierto, y creo que pocos me discutirían, es que la primera temporada Murder House y la segunda Asylum, fueron joyas de inicio a fin. Historias intrigantes, drama, horror, terror y un suspenso que nos atrapó hasta el último episodio. Confieso incluso que con Asylum tuve noches de pesadillas y de dormir con la televisión encendida. Estas dos temporadas fueron excelentes, sumado a las actuaciones de Zachary Quinto, que siempre me desarma, y un drama exquisito. El resultado de todo esto es que los fans nos quedamos a la espera de algo cada vez mejor, cada vez más aterrador, cada vez más crudo.

American-Horror-Story-Coven-Season-3-Promo-Poster-18La tercera temporada, Coven introducía un tema fascinante; el Aquelarre y las brujas. Se incorporaban nuevos talentos a la empresa: Emma Roberts, Kathy Bates, Angela Bassett, y la publicidad nos dio unos afiches espeluznantes. En fin, al principio pensaba que era el exceso de estrógeno, para mi gusto, pero al acabar la serie me di cuenta que el traer las brujitas a la modernidad terminó por hacer de la bruja un papel tonto, incluso ridículo, como sucede actualmente con los vampiros y los hombres lobos.

American-Horror-Story-Freak-Show-Title-Card-850x560Si bien no digo que Coven fue mala del todo, si se empezó a alejar de lo que alguna vez fue American Horror Story. Pero bueno, entre intrigas y qué decimos y qué no decimos, se reveló que la cuarta temporada sería Freak Show combinando un poco los rumores que habían sobre que la cuarta temporada sería Circus acabamos con un grupo de fenómenos de Circo. Nuevamente las ilusiones revivieron.

Hoy acabé la temporada. Empecé mal, los primeros capítulos me tenían más colgado al móvil que al ordenador. Freak Show apela al lado morboso y curioso de las personas y a ese sentimiento de temor a lo que no conocemos ni entendemos. Aún así los personajes y sus historias se perdieron a lo largo de la temporada.

Comienzo señalando que American Horror Story desde Coven se va alejando de los espacios cerrados y oscuros, un elemento que a mi juicio es vital. En el caso de la cuarta temporada me sentía por ratos como si estuviera viendo de esos programas locales como Judge Judy, Casos de la vida real, Caso Cerrado o incluso Hermano mayor. El terror y el horror fueron substituidos por dramas familiares y escenas que deberían ser macabras, pero en realidad eran graciosas.

latestRetomando el tema de los personajes, quedó muy bien el hecho de que cada uno está inspirado en una persona real que existió o existe, pero se sobrevaloró la historia de Elsa Mars. El cosmos de Freak Show si bien es un enredo del que tampoco nos apetece mucho saber, se mezcla con toques eróticos muy flojos y un argumento que no es que sea irreal, es que es tan imaginario que no da pie a ser pensado con horror. El miedo que tal vez nos podía perseguir con la historia del payaso, fue borrado en el quinto episodio.

Creo que señalaría como bueno que esta temporada hace un retrato de la crudeza y la crueldad del ser humano, factores que nos siguen hasta nuestros días. Es un excelente marco para el análisis y la reflexión de lo que son los fenómenos y sobre quiénes son los verdaderos monstruos en el mundo, pero como señalé ya, ese no es el punto de American Horror Story, para eso dejamos a los reality shows, las telenovelas y los libros de Paulo Coelho.

Finalmente se reveló hace un tiempo que la quinta temporada será Hotel y que contará con Lady GaGa como actriz principal. No sé que decir, no sé si reír o llorar. A mi me da bastante igual la mencionada artista, no conozco su faceta de actriz, tampoco la considero una innovación en el mundo artístico y cultural, pero bueno es lo que vende en el momento y es lo que metemos en la serie. Al final nunca sabemos que esperar de un burro, si una caricia o una patada. Ya el tiempo nos dirá.

Califico esta temporada con un 5/10.

House of Cards (Tercera Temporada)

House-of-Cards-Season-3Un poco tarde, pero con el máster concluido ahora puedo escribir un poco más. En esta ocasión aprovecho para hacer mi reseña y crítica a la tercera temporada de una de las series del mainstream; House of Cards. En nuestro momento, entiéndase la década de 2010, nos hayamos ante un fenómeno apasionante y encantador por la series de drama político. Es un poco curioso como la naturaleza humana responde ante tantos casos de corrupción, infracción a la ley y violación de los Derechos Humanos, sólo por mencionar algunos ejemplos, con una afición por la política que raya en el parangón de lo enfermizo y se obsesionan con historias y personajes como la de Francis Underwood.

Las anteriores temporadas, en general, las califiqué como muy buenas y casi excelentes. Esta serie lleva a la pantalla muchas realidades de la política exterior e interior estadounidense, pero igual como sucede con el realismo mágico, nos cuesta creer que sean la realidad del día a día. Elementos como el juego entre partidos políticos, chantajes emocionales, amenazas y sanciones, acoso periodístico, bisexualidad y el tan usado elemento religioso son, o más bien debo decir eran, bien retratados por House of Cards.

House-Of-Cards-Quotes-Wallpaper-29No me extenderé mucho en la crítica, en lo personal me llevo a los labios un sabor más agrio que dulce. En primer lugar señalo que el pícaro o el antihéroe se convierte en un personaje querido por su audacia, intelecto y valga la redundancia; picardía. En un principio señalé que la estupidez humano no permitía ver la verdadera crítica que trae la trama y los personajes, y se daba el caso de que todos querían ser un Underwood e  incluso ven con buenos ojos el engaño, el asesinato, la corrupción y el despotismo.

El éxito comercial y cosmético del personaje Mr. Underwood hizo que para esta temporada se sobrecargara de elementos antagónicos al mismo y nos encontramos con escenas recicladas e innecesarias como cuando orina la tumba de su padre o escupe al Cristo y se rompe en la iglesia. ¿En qué momento nos olvidamos del papel de Dios en la política estadounidense y nos adentramos en un drama iconoclasta y paranormal? Pregunta seria.

ClaireComo puntos positivos señalo que se nos presenta un poco de Naciones Unidas, el funcionamiento, la preparación y los verdaderos motivos de los líderes de mencionada organización. Claire Underwood comienza a ser un personaje independiente que sale del complejo de Ismene y prueba tener un camino propio. Aquí nos encontramos ante la duda si Claire nos responde más a una Michelle Obama y su imagen pública para con su esposo, escenas como la del cambio de color cabello p cuando los ciudadanos de Iowa la estiman más que al propio presidente o su labor en Naciones Unidas que sirven de paralelo con la agitada agenda “global” de la actual primera dama Obama. Pero también podemos pensar que sería una futura Hillary Clinton. Ya las próximas temporadas nos dirán.

Lars MikkelsenLas tensiones en las relaciones con Rusia y ese afán por derrocar la imagen de Putin, trajeron una trama cargada de política exterior y un personaje como Viktor Petrov, excelentemente caracterizado por Lars Mikkelsen, pero que cargó a la serie de eventos surreales e imposibles que hicieron de la temporada una de ficción muy mal hecha.

¿La situación del Valle del Jordán o las visitas oficiales de los presidentes a sus respectivos países? ¿Cual rompe más los protocolos diplomáticos y puede ser catalogada de irreal o hiperbólica? Situaciones que si bien no son ni tan divertidas, ni tan intrigantes, como historiador me queda decir que también rompen la realidad histórica del momento y cabe recordar que no nos encontramos ante una serie de ficción, sí un drama ficticio, pero en tiempo real.

Para concluir considero que el éxito y la opinión pública fueron un revés para esta temporada de House of Cards. El libreto y los personajes salieron de sintonía y esperemos que llegue algo de armonía en la siguiente temporada. En algún blog leí sobre los rumores de 12 temporadas para esta serie, ¡oh por los dioses no, no nos castiguen haciendo leñas lo que en un momento fue una muy buena serie!

Califico esta temporada con un 6/10.

The Other Boleyn Girl (2008)

The Other Boleyn Girl poster

The Other Boleyn Girl poster

Esta película dirigida por Justin Chadwick es una adaptación de la novela histórica homónima y es conocida en España como Las hermanas Bolena y en Hispanoamérica como La otra Bolena. Tanto la novela como la película se sitúan en las líneas del drama histórico, intentan mostrar y dar a conocer la vida de María Bolena, personaje histórico que en cierta medida ha sido absorbido por la figura de su hermana Ana Bolena.

Hay que tener presente que aunque trabajan hechos históricos, esto no los hace cien por ciento verídicos. De la misma manera que ocurre con los historiadores tradicionales, muchas veces los investigadores de la historia extraoficial se obsesionan con tesis y planteamientos los cuales nublan su juicio abrazándolos a la subjetividad de sus premisas. No obstante, La otra Bolena, reúne muchas verdades históricas obviadas y que no son estudiadas con el rigor necesario.

La película da inicio presentando la niñez de los tres hermanos Bolena: Jorge, Ana y María, mientras juegan en el campo sus padres Tomás e Isabel hablan sobre el porvenir de sus hijos. Desde que eran pequeños son palpables las preferencias de los padres, Tomás Bolena está alineado con su hija Ana, mientras que la matriarca Isabel aboga más por María, a la que el padre ve como una chica débil. En las palabras del padre:

“Para sobrevivir en el mundo hace falta algo más que belleza y ternura”.

Scarlett Johansson as Mary Boleyn

Scarlett Johansson as Mary Boleyn

En menos de quince minutos se presenta una gran paradoja. María está próxima a casarse con un hombre humilde con el que vivirá en el campo, se siente dichosa y completa. Contrario a todo, Ana que es la mayor aún está soltera en busca de un buen esposo de carácter noble. Es Ana la que le dice a su hermana María que ella es y se siente como la otra Bolena.

Históricamente sabemos que la Bolena que vivió a la sombra de la otra fue María y no Ana. Pese a todo, la relación entre las hermanas es unida y amena. Ana y María Bolena son polos completamente opuestos de los que incluso el color de sus cabellos lo indica, sus diferencias físicas son un reflejo de sus personalidades.

La visita del rey Enrique VIII al campo es el detonante para un plan fraguado por el tío y el padre de las Bolena. Es sabido la indisposición del rey con la reina Catalina de Aragón, se pretende entonces buscarle una amante para así ganar el favor del rey hacia la familia Bolena. Ana es ambiciosa y es elegida como la carnada para el rey. Isabel Bolena nota como la ambición deja de ser un pecado en su familia y se convierte en una virtud, aunque no apoya las pretensiones de su esposo y su hermano, su condición de mujer le impide tener voto en la situación.

Natalie Portman as Anne Boleyn

Natalie Portman as Anne Boleyn

Ana Bolena es presentada al rey, pero su ambición la hace quedar desfavorecida, irónicamente es María Bolena, que ni siquiera fue presentada como parte de la familia quien prenda de gracia al rey.  Enrique es cautivado por la gentileza y candidez de María, en suma se siente identificado con ella por ser un segundo hijo que sobrevive a la sombra del mayor. En contra de los deseos de María Bolena, es trasladada a la corte y por el bienestar social de la familia, su esposo tiene que aceptar que ella sea la querida del rey a cambio de un título nobiliario. Las cosas empeoran aún más; Ana ve en su hermana una rival que le quitó lo que le pertenecía.

El miedo, la osadía y la estupidez de Ana Bolena la llevaron a casarse con Henry Percy y es enviada a la corte francesa, lejos de todo el seno familiar. Se marcha distanciada de su hermana que pronto queda embarazada y debido a una amenaza de aborto trae de vuelta a Ana para mantener al rey ocupado en los asuntos de la familia Bolena. Ana regresó a la corte inglesa como una mujer cambiada, más atenta, estudiosa e incluso es presentada como precursora del feminismo y la igualdad de la mujer ante el hombre.

Brother and sisters Boleyn

Brother and sisters Boleyn

El cambio de Ana Bolena, y una táctica de abstinencia y victimización, atrapó al rey Enrique VIII de tal forma que lleva a la reina Catalina a juicio para exigir el divorcio. Ana jugó muy bien sus cartas, ni el hijo varón de María Bolena con el rey lo hicieron despertar de su embrujo. La película toca un poco un tema no tan estudiado, los hijos de Enrique y María Bolena. Históricamente hay constancia de dos hijos entre sus uniones.

La otra Bolena, trae a escena la otra cara de Enrique VIII, una que es muy poco trabajada y evadida. Vemos a un rey que se cansa de la espera y los juegos de Ana Bolena y la toma por la fuerza. Incluso en el transcurso de la película son apreciables varias escenas de discusiones y peleas en las que se da a entender que Enrique pudo golpear a Ana Bolena en más de una ocasión.

Mary Boleyn

Mary Boleyn

Considero que el potencial de la película está en presentar la complementación entre las hermanas, muy bien interpretadas por Scarlett Johansson y Natalie Portman. Hermanas que aunque fueron divididas y separadas por su propia familia, tarde o temprano una acaba por salvar a la otra.

También es meritorio el trato de Ana Bolena como una mujer que queda desquiciada por la ambición y el poder. A pesar de no haber constancia del posible incesto entre Ana y Jorge Bolena, en esta ocasión se presenta como un último recurso de la demencia de Ana, aunque no se llegó a cometer, si le costó la muerte a ambos hermanos.

El punto final que toco, y que me llamó mucho la atención, es que fue María Bolena la que educó y crió a su sobrina Isabel; hija de Ana y Enrique VIII. María Bolena hizo el papel de madre en la vida de la futura Isabel I de Inglaterra, en este sentido esa teoría podría explicar mucho del futuro comportamiento y las acciones que tomó durante su reinado Isabel; la reina virgen. Finalmente, la película culminó como comenzó, recordando la teoría del cuento de Horacio Quiroga. María Bolena casada y de vuelta al campo contemplando a sus hijos e Isabel jugar en el campo.

Califico esta película con un 9/10.

Los fusilamientos del tres de mayo

Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Vicente López, Retrato del pintor Francisco de Goya. 1826.

Francisco de Paula José Goya y Lucientes, nació el 30 de marzo de 1746, en un pequeño pueblo aragonés. Contaba con unos tres años, cuando su familia se trasladó a Zaragoza, ciudad que lo vio crecer y donde entró a una academia de dibujo y pintura. Zaragoza, incluso al día de hoy, es una ciudad de provincia con oportunidades limitadas, lo que ocasionó el desplazamiento de Goya a la capital española para poder avanzar en el mundo del arte.

La vida artística de Goya, no fue simple ni fácil. Goya a diferencia de otros pintores, como por ejemplo Velázquez, no nació con una habilidad natural para la pintura. El progreso artístico de Goya requirió de mucho esfuerzo, tardó en aprender las técnicas, pero las aprendió excelentemente. Goya vivió entre dos siglos; 1746 – 1828, son dos mundos diferentes con características y estilos artísticos muy heterogéneos.

Goya nació en pleno Rococó; movimiento artístico que surgió al final del Barroco y que tiene como foco la máxima decoración. Aun así durante su formación aprendió el estilo Barroco, arte que se concentra en los elementos decorativos, enfoca la búsqueda del arte teatral, y se apoya en temas como la fiesta y el carnaval. Goya llegó a escribir sobre su fascinación por el uso de las máscaras y los cambios de personalidad.

Como reacción al Rococó, nació el Neoclasicismo. Este nuevo movimiento inspirado en los modelos clásicos de la antigüedad grecorromana, es uno más estricto y puritano que el propio Clasicismo. Goya, consciente de que para ser un buen pintor necesitaba estudiar en Italia, solicitó becas, pero le fueron negadas por no tener la calidad suficiente. Finalmente y tras muchos esfuerzos Goya viajó a Italia, en donde mejoró enormemente sus técnicas y aprendió nuevas.

En Italia Goya aprendió la técnica del fresco y gracias a ser fresquista, consiguió su primera oportunidad de trabajo al regresar a España, en la iglesia del Pilar de Zaragoza. Goya conoció a Josefa Bayeu, hermana de pintores famosos en aquellos años, y pasado un tiempo se casó con ella. Gracias a su cuñado Goya fue empleado como cartonista y se trasladó a Madrid. Un cartonista es el encargado de hacer los cartones para los tapices, muchos de los cuales iban dirigidos a los palacios y eran una forma para el artista de entrar a la familia real. Goya llegó a ser el cartonista favorito del príncipe.

Durante los años 1770 – 1780 surgió un gran cambio en el pensamiento social pues llegó la Ilustración; periodo de la historia que buscó reformas culturales, políticas y artísticas y que tuvo como motor y propulsor a la nación francesa. Las ideas de Goya lo hicieron un ilustrado de los pies a la cabeza. España estaba gobernada por Carlos III en ese momento. El príncipe Carlos también era un ilustrado y posteriormente la vida de Goya, tanto para gracia como para desgracia, estuvo ligada a la del príncipe y futuro rey Carlos IV. La Ilustración pasó a ser entonces el arte oficial de los estados. Debido a la rapidez de los cambios políticos, Goya cubrió el momento más brillante de la Ilustración española.

En el año 1786 Goya se convirtió en el pintor del rey Carlos III por petición del príncipe. Para 1789, con Carlos IV como rey, a sus 43 años ostentó el título de pintor de la cámara. Durante esta época los reyes no son los únicos clientes del pintor, sino los prioritarios. La reina María Luisa de Parma, la reina más detestada en España, fue irónicamente la protectora de Goya.

En 1792, Goya viajó a Andalucía y contrajo una enfermedad que casi le cuesta la vida. Existen muchas teorías sobre la enfermedad de Goya y lo que ocurrió, pero nada fue oficial y no hay evidencias. Lo que sí se afirmó fue fiebre muy alta que como efecto a largo plazo, afectó la audición del artista causándole sordera.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Francisco de Goya, Saturno devorando a su hijo. 1819-1823.

Goya pensaba que los hombres no eran buenos, sino malos por naturaleza. Pasó del optimismo humanista e ilustrado al pesimismo absoluto, momento en el cual creó la serie de Los Caprichos; obras pequeñas y realizadas sin encargo, en las que usando su total libertad, Goya trata temas terribles, tristes y espantosos para enfatizar la falta de esperanzas. Goya utilizó la paleta de colores sucia, en la que manejó los colores negros, grises y marrones, combinándolo con pinceladas altamente sueltas para expresar y capturar el máximo horror.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Francisco de Goya, Familia de Carlos IV. 1800.

Cabe mencionar que al mismo tiempo que Goya creó Los Caprichos también hizo obras para la corte como el “Retrato ecuestre de Carlos IV” y “La familia de Carlos IV,” mostrando una versatilidad y agilidad que pocos pintores logran. Señalo que en lo personal, analizo esta capacidad como prueba de la lucidez de Goya, no comparto los juicios de la crítica contemporánea en los que se señala al artista como un demente, solitario y diabólico.

Luego de esta apasionada, y algo extensa introducción, ahora voy al meollo de esta entrada. De 1808 – 1819 España enfrentó la invasión francesa. Lo que inició como un paso de los soldados franceses por España para sitiar Portugal, aliado de Gran Bretaña y por consiguiente enemigo de Francia, finalizó en la traición francesa y la posterior invasión total a España. Por unos aproximados cinco años, España y Francia se enfrentaron en luchas sin cuartel que dieron origen al combate conocido como la guerrilla.

Francia, la cuna de la Ilustración, la patria civilizada e ilustrada traicionó e invadió a España. Suceso que marcó y golpeó la mentalidad de Goya. Durante los días dos y tres de mayo de 1808, ocurrieron levantamientos locales contra los franceses en ciudades como Madrid y Barcelona, las mismas culminaron con los fusilamientos de los insurgentes.

Las obras del dos y tres de mayo fueron sugeridas por Goya y encargadas por el regente Luis María de Borbón. Estas obras son enormes óleos sobre lienzo que colgarían en la puerta de Alcalá a la llegada del nuevo monarca Fernando VII. Fueron finalizadas en 1814, seis años después que ocurrieron los hechos, para algunos es lógico, pues de haberlo hecho cuando ocurrieron, probablemente los franceses no verían a Goya con buenos ojos.

El dos de mayo muestra los comienzos de la guerra, lo que sucedió durante el día. Un grupo de personas se levantó en armas contra el ejército francés que también estaba compuesto por mercenarios egipcios llamados mamelucos. En el momento que Goya realizó estas obras, aún estaba trabajando en los Desastres de la Guerra, este dato es muy importante para entender las nuevas composiciones de Goya.

Francisco de Goya, Dos de mayo.

Francisco de Goya, Dos de mayo.

El tres de mayo muestra los acontecimientos después de la revuelta del día. La represión también fue sangrienta en la noche en la Montaña del Príncipe Pío, donde los franceses alineados en pelotón compacto, fusilaron a los patriotas al resplandor de una linterna colocada en el suelo. El tres de mayo representa las lamentables consecuencias a que condujo el enfrentamiento; las represalias del ejército francés fueron tajantes, y los madrileños observaron con pavor cómo los insurrectos recibían su castigo siendo fusilados.

Francisco de Goya, Tres de mayo.

Francisco de Goya, Tres de mayo.

Descripciones literarias y estampas populares, informaron sobre la cruel represión del ejército francés contra el pueblo. Las estampas describieron minuciosamente a los pelotones de ejecución y a sus víctimas, pero Goya pintó una escena que trasciende al hecho real y se convierte en símbolo de la inocencia de las víctimas, que tienen un protagonismo absoluto en la obra. La luz intensa del farol enfoca a los que han de morir y también a los que ya han muerto. Goya expresó todo el horror de la represión.

El artista no percibe la guerra como un acto heroico y honorable, para Goya la guerra es crueldad, tortura, hambre y miseria, para Goya no hay buenos ni malos. No son buenos los españoles que resisten a los franceses, tampoco los franceses que difunden las nuevas ideas. Algunos críticos consideran que Goya era sospechoso de ser afrancesado y que el personaje principal en la obra muestra los sentimientos de amenaza y persecución que sentía Goya por el retorno de Fernando VII. Para otros críticos el personaje principal con el gesto de sus manos evoca la figura sagrada de Jesús en la crucifixión.

En el fusilamiento del tres de mayo, se puede apreciar mucho de la evolución de Goya, luego de su enfermedad. Se aprecia la pincelada suelta que captura más las emociones entre los patriotas, y aunque predomina la paleta de colores sucios vemos como Goya utilizó colores cálidos como el amarillo en los pantalones del protagonista y tonos azules en los uniformes de los soldados, mostrándonos que es un pintor colorista que maneja a perfección la paleta de colores.

Aunque, se sabe que Goya no presenció el fusilamiento del tres de mayo, expresa la obra de una forma veraz que nos hace pensar que Goya vivió ese momento. Es muy probable que algunos otros fusilamientos y represiones hayan pasado por los ojos del pintor.

La pintura del tres de mayo está dividida en dos bandos o en dos sociedades diferentes, esta división se hace evidente con la luz que sale del farol y que crea una especie de línea divisora en la obra. De lado derecho tenemos al ejército francés, reconocido de inmediato por las armas y los uniformes. En el lado izquierdo tenemos a los que la crítica llama, los patriotas. Por la vestimenta que tienen la mayoría sabemos que no son la nobleza, son campesinos y personas de clases sociales bajas.

La palpable división podría expresarse como una especie de dualidad entre los personajes y los sentimientos que cada uno expresa. El lado de los soldados tiene muy poca luz, adicional a esto Goya no pinta las caras de los soldados, considero que es un acto que les quita protagonismo, pero está claro que tampoco pueden pasar desapercibidos, son los portadores del mal y los responsables de las muertes, es imposible ignorarlos.

La obra trasmite al espectador una serie de sentimientos, por medio de las expresiones en los personajes, esto Goya lo consigue por el uso de una pincelada suelta. En los personajes se ven gestos de resignación, miedo, angustia y desesperanza. Detrás está la alta montaña, de frente los soldados armados y los cadáveres, está claro que todos van a morir no hay escapatoria, todos estamos a la espera de que se disparen las armas.

La Guerra de Independencia fue violenta y es claramente apreciable en los cuerpos ensangrentados que aparecen en el primer plano. También considero que el abandono en el que se encontraba la sociedad española, tras la abdicación de Carlos IV y la ausencia de Fernando VII, es reflejada en el desarme de los patriotas y sus gestos de miedo y angustia.

Al estudiar diferentes biografías y contemplar diversas obras de Goya, puedo concluir que el artista guardaba un sentimiento de desagrado y descontento hacia la iglesia católica y el santo oficio, que no paraba de perseguirle. Considero que Goya hace evidente este descontento en la obra, del lado de los españoles que están a punto de morir, se aprecia un hombre con cabello y vestido de monje, representado como un cobarde, mirando al suelo y suplicando clemencia. Contrario a esto el protagonista, un hombre laico, hace frente, levanta sus manos pero no se observa que ruegue misericordia, está dispuesto a morir por sus ideas a diferencia del religioso.

Otro posible símbolo que muestra el descontento de Goya hacia la iglesia es la ciudad pintada al fondo. Desde tiempos del Renacimiento son muchos los que le dan a la ciudad la visión del punto de encuentro entre Dios y el hombre. La ciudad que aparece en la obra es una que debido a la pincelada suelta, da una impresión de ciudad horrorosa y que brinda muy pocas esperanzas. Por otra parte la torre más alta de la ciudad, a su vez goza de una cierta perspectiva central junto con la farola, a mi juicio sería la torre de una catedral. Podría ser una crítica de Goya hacia la iglesia que está observando todas las calamidades y terrores que suceden y no hace nada, o también un señalamiento a la impotencia de la iglesia en casos de guerra.

Estudiar a Francisco de Goya es una actividad interesante. Intentar entrar en su mundo no es tarea fácil. Se necesita consultar mucha bibliografía para poder entender un poco de lo que pasó con esta magna figura y lo que lo convirtió en el gran maestro que estudiamos hoy. Se debe tener mucho cuidado y rigor en la bibliografía que se selecciona y se consulta, ya que en el mundo del arte se especula mucho.

Es esencial conocer los diversos acontecimientos que atravesó Goya a lo largo de su vida, para poder entender la evolución y los cambios en su pintura, teniendo una mejor interpretación de su legado. Goya ha sido uno de los maestro de la pintura española más destacados. Es increíble saber que no nació con una habilidad natural para la pintura y ver hoy las grandes obras que realizó. Es más sorprendente aún ver cómo pasado sus 50 años, edad en la que muchos pintores se quedan estacionados en lo que aprendieron, Goya continua aprendiendo técnicas nuevas. La habilidad de Goya, para dominar las paletas de colores es para alucinar, combinando la paleta sucia con colores cálidos y fríos y dando como resultado una gama esplendorosa a los ojos.

Lo que me impactó mucho fue esa la habilidad para trabajar con diversos estilos a la vez. En la historia del arte, diría que el ochenta por ciento de los artistas, quizás más, solo dominan un estilo y al pasar a uno nuevo olvidan el antiguo. Goya trabajó con estilos completamente diferentes simultáneamente y ambos terminan con resultados impresionantes, Goya no solo mostró el dominio del Barroco y el Neoclásico sino que más asombroso aún crea un estilo y vocabulario propio.

En pinturas como las del dos y tres de mayo Francisco de Goya presentó un compromiso social e incluso hizo su aportación a las revueltas. No se cruzó de brazos o se encerró en su taller a esperar que la tormenta pasara. Hoy que es tres de mayo recordemos a Goya.

Volumetría Exaltada

Fernando Botero

Fernando Botero

El 19 de abril de 1932 nació en Medellín, Colombia el pintor y escultor Fernando Botero. En la Historia del arte la crítica ha catalogado el estilo y lenguaje pictórico de Botero como boterismo, algo que evidentemente indica la trascendencia e importancia de su huella en el marco artístico.

El arte figurativo de Botero, en el que las formas se identifican con el concepto de figura, aunque con su toque personal y único, se puede identificar con el Neorrenacentismo Contemporáneo, compartiendo también algunas tendencias neobarrocas.

Fernando Botero, Gato. 1990.

Fernando Botero, Gato. 1990.

Aunque no se colocó, ni siguió directamente ninguno de los movimientos vanguardistas del siglo XX, muy a su vera, Fernando Botero elaboró una vanguardia propia. Las principales vanguardias del siglo XX, en teoría, buscaron romper con el arte tradicional, pero en la práctica encontramos vástagos e incluso vasallaje del arte que en su manifiesto criticaron. Botero por el contrario con cimientos y cánones preestablecidos fraguó y emprendió su crítica.

Fernando Botero, Autorretrato.

Fernando Botero, Autorretrato.

Fernando Botero no es un artista estático en cuanto a temas se refiere. En su pintura aparecen sus interpretaciones sobre una amplia gama de ideas como lo son el hombre, la mujer, los sentimientos, las pasiones, el dolor, el vicio, las costumbres, personajes y acontecimientos históricos, obras de arte icónicas, la naturaleza y un sinfín variado de temas.

Fernando Botero, La Mona Lisa a los 12 años.

Fernando Botero, La Mona Lisa a los 12 años.

 

 

 

La característica principal de la pintura y la escultura de Botero es la Volumetría Exaltada con que trata a los protagonistas de sus obras. La acentuación es tan marcada que incluso da la noción de tridimensionalidad en sus creaciones.

Peter Paul Rubens, Las tres Gracias .c. 1635.

Peter Paul Rubens, Las tres Gracias .c. 1635.

La hiperbólica representación en el arte de Botero enfatiza la anatomía humana-animal y es lograda mediante el uso de pinceladas pequeñas y concisas en la pintura y abrumadoras proporciones en la escultura. Personalmente considero Las tres Gracias de Rubens como motor de inspiración para el boterismo. Veo en esa fina y delgada línea entre las cataratas de carne y la abundancia, la génesis de la carrera de Botero. En conjunto a las figuras de la época colosal de Pablo Picasso, son influencias evidentemente claras en el boterismo.

Pablo Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa. 1922.

Pablo Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa. 1922.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Botero no tiene paradigmas en cuanto a la cuestión temática de su plástica. Igual y como encontramos arte sobre el pasado también aparecen obras alusivas al presente y el arte contemporáneo. Lo que sí señalo, es el uso del color vivo y una paleta de colores completamente brillante que sin lugar a dudas hace recordar el Renacimiento Italiano y el Renacimiento Nórdico.

Algunas tonalidades inclusive se asemejan a los colores imposibles que el Greco logró gestar en su paleta. No es de menor importancia destacar la sutiliza y fineza con que son tocados los elementos de las obras y los cuales son responsables de causar la ironía y la crítica mordaz en el arte de Fernando Botero.

Fernando Botero, Abu Ghraib 42.

Fernando Botero, Abu Ghraib 42.

Algo de lo que no me puedo quedar callado es en la serie Abu Ghraib, de Fernando Botero. Esta serie está inspirada en las torturas a los presos en las cárcel de Iraq, Abu Ghraib, por parte de los soldados estadounidenses. En total son 80 obras entre pinturas y dibujos. De forma general puedo decir que ha sido una de las series que más me impactó. Hacía tiempo, creo que desde mi apreciación y estudios de las Pinturas Negras y los Caprichos de Goya, que un arte no colisionaba de manera tan profunda en mí.

Fernando Botero, Abu Ghraib 66. 1932.

Fernando Botero, Abu Ghraib 66. 1932.

Más allá de la rudeza y crudeza de las escenas, que presentan las humillaciones que sufrieron muchos prisioneros de guerra iraquíes, esta serie es otro ejemplo de la animalización del hombre, que tan superior se dice ser de las bestias. Han pasado siglos de historia, guerras atroces e instituciones macabras como la Inquisición y las Cámaras de Tortura, aún así el hombre no ha aprendido las lecciones.

Fernando Botero, Abu Ghraib 65.

Fernando Botero, Abu Ghraib 65.

Aquí también Fernando Botero mostró su grandeza y firmeza, a pesar de que 10 museos estadounidenses se negaron a presentar la colección, Botero no se detuvo y se trasladó a Europa donde la exhibición fue acogida y causo impactó mundial. La crueldad con que son tratadas las imágenes no son ajenas a la realidad sucedida y por medio de la misma Botero hace un llamado a la humanización del hombre a la vez que reclama y aboga por los derechos civiles.

Fernando Botero, Adán

Fernando Botero, Adán

Fernando Botero es mucho más que la expresión “Las gordas de botero”, como artista plástico ha tocado temáticas como la desigualdad social, la identidad y las convenciones sexuales, la intriga política y los conflictos mundiales. Su versatilidad le permite barajarse a través de la historia para llevar una voz imperante en favor de los desfavorecidos. Botero, a mi criterio, es otro de los grandes hijos de América Latina.

El arte de Fernando Botero, igual y como le pasó a muchos, en sus inicios no fue bien recibido ni por el público, ni por la crítica. Sin embargo, un artista fehaciente en su objetivo continuó y modificó algunos preceptos que le permitieron alcanzar no solo la fama, sino también el respeto mundial. Fernando Botero ha tenido el lujo de exponer sus obras en lugares destacados como Los Campos Elíseos en París, La Quinta Avenida de Nueva York, La Plaza de la Señoría en Florencia y Las Pirámides de Giza en Egipto.

Fernando Botero, Pasión de Cristo.

Fernando Botero, Pasión de Cristo.

Para cerrar esta entrada y ya que estamos en semana santa y la conmemoración de los sucesos de la  llamada Semana Mayor, adjunto esta última imagen, a la izquierda, que presenta la pasión de Cristo según Fernando Botero.

Historia de una mirada

“Mirar a través del ojo que piensa”

Los museos son instituciones dedicadas a la recaudación, conservación, estudio y exposición de objetos científicos y obras artísticas. Tradicionalmente los museos se clasifican en un tema común para así crear exhibiciones que faciliten su estudio y sean atractivas a los turistas y ciudadanos. Ahora bien, ¿los museos tiene otras funciones y objetivos que no conocemos? ¿son todos los museos educativos? El hecho de que un museo sea avalado por el gobierno ¿lo convierte en un buen museo? Preguntas como estas son frecuentes en una minoría de personas, son pocos los que van a un museo y miran con el ojo que piensa.

La mayoría de las visitas a museos son encabezadas por extranjeros o locales que sobre la base de la fama del museo asisten y contemplan las exhibiciones, asombrados al ver obras como El Jardín de las Delicias o boquiabiertos y mirando de perfil una obra de Aleksandr Ródchenko buscando el mensaje subliminal, que según ellos tiene por obligación, la obra.

Museo de América en Madrid

Museo de América en Madrid

Muchos de los museos no se construyeron bajo los cimientos de agrupación y preservación. Algunos como el Museo de América en Madrid se irguieron con otros propósitos, ni tan nobles, ni tan educativos, siguiendo vigentes esas metas hasta hoy día. Esta entrada hará un recorrido crítico sobre este museo y su verdad oculta; un museo para los ojos que miran y no para los que piensan.

Torre vigía, conmemorativa del descubrimiento

Torre vigía

Inicio con un trayecto por las afueras del museo. No es casualidad su localización geográfica. El Museo de América en Madrid se encuentra en la avenida de los Reyes Católicos y está relativamente cerca a monumentos como el Arco de la Victoria y lugares como el Instituto de Cultura Española. No son azares del destino, el museo fue construido en medio del franquismo y con un mensaje claro: usar la antigua imagen de la metrópoli española para resaltar el nivel político y el estrato social ante las otras naciones europeas.

Escultura y arte urbano

Escultura y arte urbano

Desde 1994 el museo cuenta con una Torre de 92 pisos que sirve de vigía y conmemora el aniversario del Descubrimiento de América. No es algo tan contemporáneo la disputa sobre si se debe llamar descubrimiento o mejor encuentro a la gran acción de Cristóbal Colón que llevó a España a su máximo esplendor mundial. También desde 1994 el museo alberga la misma colección sin ningún cambio hasta el día de hoy.

Los demás alrededores cuentan con esculturas, en su mayoría de carácter religioso. Casi todas están en un precario estado físico, algo abandonadas y llenas de graffiti y suciedad. A simple vista indica ser poca la importancia que tiene el ambiente que rodea al museo.

Arte e ironías

Arte e ironías

La escultura de la imagen a la derecha llamó mi atención. Un caballero español en pleno acto heroico. Como muestra la foto, el mensaje es evidente; España gracias a la religión rescató y salvó a una América perdida y condenada. Irónicamente la cruz del caballero es de oro, elemento abundante en América y que tanto enriqueció a España. América es representada como una nativa, sin rostro, a la que el caballero salva con su regazo.

El Museo de América en Madrid, comienza dando una visión diferente de la antigua metrópoli colonial y de las naciones americanas y su independencia. Se refiere a todo el pasado de una forma común, llevando ese mensaje al presente. Al abrir los panfletos y folletos guías, rápidamente encontramos como se naturaliza cientifica la antigüedad americana. A la par, este proceso excluye otras posibles miradas o interpretaciones.

Una vez dentro del museo se concibe a los colonizados como seres inferiores, una forma de perpetuar su dominación, pues se sigue propagando esa idea, aun cuando sabemos que los nativos americanos contaban con modelos de escritura y lenguaje, calendarios más precisos, construyeron grandes ciudades y tenían una sociedad jerarquizada con costumbres y creencias tal cual la mayoría de las sociedades europeas.

El gran mensaje del museo es que la lengua y la religión fueron las grandes aportaciones españolas, siendo ambas favorables y constructivas. Notamos entonces que el Museo de América en Madrid está dividido en cinco áreas temáticas:

  1. Conocimiento de América
  2. La Realidad de América
  3. La Sociedad de América
  4. La Religión de América
  5. La Comunicación de América

Clasificaciones que no son cándidas ni inocentes. La pregunta aquí es ¿pueden países tan diversos como los americanos ser agrupados en estos cinco renglones? La repuesta es no, pero en este caso, el Museo exalta a España defendiendo la unidad que supuso la conquista y la colonización. La lengua fue la salvadora que unió a un continente distinto y lo resalvó con la fe cristiana.

Mapa de América, Museo de América en Madrid

Mapa de América, Museo de América en Madrid

La primera sala: Conocimiento de América, no presenta la realidad geográfica y diversa de América, sino a los antiguos mapas que creó la vieja cartografía sobre América. En este caso considero que lo más propio sería llamarla Conocimiento sobre América o América según los europeos.

Finalizando la exposición y en el camino a la segunda área, el espectador camina por una especie de puente que está sobre un mapa de América. El inició del puente es España o en general Europa. Cuando contemplas el mapa, sin necesidad de ser un geógrafo o cartógrafo, aprecias un caos rotundo con desproporciones desmesuradas. Encontramos una isla de Cuba que es más grande que la península de la Florida y un México diminuto en el que lo más palpable es la península del Yucatán. Es evidente la noción europea sobre América; mucha tierra de la que se conoce poco. Aquí también notamos la inferioridad con la que es tratada no sólo a la sociedad, sino también a la tierra americana.

En la segunda sala en la que según el museo mostrará la Realidad de América, hay dos mapas con información de la colonización. Los mapas; uno de América del Norte y otro de América del Sur, en realidad lo que pretenden es comparar la colonización española contra la inglesa. No es sorpresa que los mapas utilizados siguen la línea divisoria de los mapas de Gérard Mercator, antiguo cartógrafo flamenco.

El mundo, que como ya sabemos es esférico, al ser trasladado a un plano muchas de las proporciones reales se pierden, en ese sentido y utilizando la línea del Ecuador como “centro” y referencia, enfrentamos representaciones desproporcionadas en las que el hemisferio norte es el doble de lo que en realidad es y el hemisferio sur queda reducido a minúsculas escales.

Repaso a Eduardo Galeano

Repaso a Eduardo Galeano

Tenemos entonces a una Groenlandia más grande que Brasil y una Europa casi del tamaño de los Estados Unidos. Claramente al quedar el territorio norte con más extensión apreciaremos más muertes, esclavitud, llamada como emigración en el museo, y otras calamidades en la colonización inglesa y muchas menos en la española.

Aquí aprovecho y hago un pequeño repaso a Eduardo Galeano, como la imagen de la derecha señala, el mapa mundi que estamos acostumbrados a ver miente en sus proporciones, robándole el espacio no solo a América Latina sino a todos los territorios que se consideran inferiores como la India y África.

La tercera y cuarta sala; Sociedad y Religión de América, no están menos inmersas en la falsa propaganda y perpetuación de mitos. En ellas, por ejemplo, encontré una máscara tradicional de Puerto Rico, sin explicación o reseña alguna, lo único que dice la ficha es “Máscara de Puerto Rico, representación del diablo”. La realidad es que la tradición puertorriqueña, salpicada con rastros taínos, españoles y africanos, tiene tres tipos de máscaras de carnavales diferentes. Cada máscara carnavalesca tiene una historia y una leyenda, son escasas las que aluden hacia connotaciones diabólicas exclusivamente. Vemos entonces como cuentan y dicen, sin el conocimiento debido, mientras que los habitantes de América son representado por objetos y no tienen el don de la palabra.

La exposición final sobre la Comunicación de América es una oda al castellano y los escritores hispanoamericanos modernos y contemporáneos. Nuevamente se ensalza al castellano con su labor de unión y progreso, mientras se pasa por alto que América tiene más de 100 lenguas y dialectos diferentes y que países como Bolivia cuentan con 37 idiomas oficiales.

Este artículo pretende mostrar una síntesis de atrocidades y barbaries cometidas por muchos museos y países del llamando Primer Mundo. El ejemplo es español, pero no es algo exclusivo de España, sino de muchas naciones. Mi motivación más allá de animar a las personas a ver con el ojo que piensa, es que se creen museos más responsables, inclusivos y democráticos. El Museo de América en Madrid justifica la dominación de un grupo sobre otro por los resultados. Esta siendo un homenaje a la frase atribuida a Nicolás Maquiavelo: Los hechos justifican los medios.

¿Dónde están las banderas?

¿Dónde están las banderas?

El Museo de América en Madrid quiere ordenar lo diverso, incluyendo lo propio español, pero excluyendo lo ajeno. Los otros no tienen derecho a la palabra. El museo advierte y amenaza sobre los peligros de la diversidad.

En conclusión el museo demuestra que el poder es bueno ya que por él se llega al desarrollo. Para cerrar adjunto esta foto de la izquierda en la que se muestra el gran amor y compromiso del Museo de América de Madrid por América, más de un año y las banderas de las naciones americanas están ausentes de la institución que las representa. Al final resulta de mucho meollo el siguiente extracto del poeta de los desamparados, el grande Blas de Otero:

España camisa blanca de mi esperanza
la negra pena nos atenaza
la pena deja plomo en las alas
quisiera poner el hombro y pongo palabras
que casi siempre acaban en nada
cuando se enfrentan al ancho mar.

 


 

Este artículo no hubiera sido posible sin la edición en DVD de Museos de Bolsillo y la colaboración de la Dra. Marisa González de Oleaga, junto a la visita guiada al Museo de América en Madrid y las horas de enseñanza y aprendizaje en el curso sobre Política de América Latina en la Fundación José Ortega y Gasset..

El Libro de los Pasajes – Walter Benjamin

“No existe documento de cultura que no sea al mismo tiempo de la barbarie”.

 

Libro de los Pasajes, Walter Benjamin

Libro de los Pasajes, Walter Benjamin

Walter Benjamin trabajó desde 1927 hasta su muerte en 1940, en una magna obra que trataría sobre París. El libro se llamaría Libro de los Pasajes. La preparación de esta obra fue la génesis de otras exitosas publicaciones como las dirigidas a Charles Baudelaire.

Desafortunadamente el Libro de los Pasajes resultó inconcluso tras el suicidio de Benjamin. Quedó entonces una recopilación de apuntes, fragmentos, notas, referencias, citas, comentarios, escritos y páginas de periódico, que fueron editadas y agrupadas para una publicación póstuma. La abundancia en las recopilaciones del autor es una clara muestra de su gran erudición.

Walter Benjamin pretendía que con el Libro de los Pasajes, mediante los detalles minúsculos se descubrieran los grandes acontecimientos históricos para así encontrar el presente. Un postulado que hoy día llamaríamos minimalista. La piedra angular del libro era crear una filosofía material de la historia del siglo XIX. Benjamin quería que la sociedad despertara del sueño en el que estaba inmersa gracias al hechizo del capitalismo.

El libro es una especie de laberinto en el que se alternan la filosofía con la novela negra, la teología se cruza con el marxismo y la psicología converge con el urbanismo. Argumentos y fragmentos salen del territorio parisino, incluso del estado francés y comparan los planteamientos de Friedrich Schlegel con los pensamientos de Friedrich Nietzsche.

Las ciudades en el Libro de los Pasajes, son almacenes de historias que se pueden leer como libros. Muchos filósofos postulan que la filosofía de la historia encuentra su raíz en esta obra. A mi entender Walter Benjamin no intentó restituir la filosofía antigua, mucho menos la teología, su propósito más bien fue trasladar en tiempos y espacios las distintas disciplinas. El mundo del siglo XIX según Benjamin es uno de cosas soñadas, él pretendió liberar a la sociedad adormecida en las historias del Érase una vez… tomadas no como cuentos de hadas, sino como verdades absolutas escritas en alguna biblia o corán.

En nuestro mundo de Cosmogonías y Teogonías, Benjamin postula la Fantasmagonía; espejismos, engaños y ambigüedades en las relaciones, que hacen presa a la sociedad. Las ciudades, más temprano que tarde, terminan convirtiéndose en fantasmagonías y cárceles para el humano, son lugares inventados por la voluntad y el deseo. Paradoja e ironía, ya que el hombre crea las ciudades y luego queda atrapado en ellas.

Históricamente los hombre entraron en luchas por su libertad y rompieron el carácter divino de los monarcas y los clérigos. Eventos como la Revolución Francesa e inventos como la imprenta, han contribuido a la liberalización del hombre. Sin embargo, creó y entregó valores divinos a ciudades como París, Londres, Frankfurt, etc. Poco a poco comenzó a cavar una nueva tumba.

A lo largo de el Libro de los Pasajes, son palpable las reacciones contra el Romanticismo, movimiento artístico y literario que se arraigó a los pasajes parisinos llenos de melancolía y nostalgia. Walter Benjamin reaccionó a muchas citas y escritos de Víctor Hugo, aún así, noticias epistolares de París, es una técnica completamente romántica de la que Benjamin no se escabulló.

Me uno al autor en su exhortación a viajar para conocer la geografía y así romper con las fronteras y barreras mentales que creó la sociedad. También en la crítica y burla a la moda. Una sociedad que se guía por la moda está condenada a su descenso en picada, como le sucedió al famoso Titanic. Una parte del mundo vive bajo el criterio de personas que sin el mínimo conocimiento social, filosófico ni biológico, encabezan pasarelas, mesas y foros, dictando, tal cual acción de dictadura, lo que es lindo, combinable, aceptado y moderno.

Otro de los pasajes en el cual concuerdo absolutamente con Walter Benjamin es en la influencia del clima en las personas. Más allá de la relación persona-ciudad, soy fiel creyente de las influencias de factores externos, como los astros, la energía y el clima, en el comportamiento de las personas. Doy fe de ciudades como Forks y Glasgow en las que impera un temperamento húmedo, días lluviosos  y brisas gélidas, en adición a buenos espectáculos nocturnos de auroras boreales. Mi estancia en estas ciudades, aunque nostálgica y de añoranza, me permitió llegar a un sosiego y temperamento neutral de manera inmediata. Algo imposible en la isla tropical que actualmente vivo.

Para cerrar, no es un secreto la complejidad del texto. El Libro de los Pasajes requiere una lectura pausada y de concentración total. El enlace de todas las citas y pasajes no siempre se puede enhebrar ni separar del texto citado, meollo de la complejidad. Sin embargo, al terminar el libro si eres alguien inclinado al arte, tu apreciación sobre el mismo cambia un poco. Hoy día como ya mencioné, llamaríamos minimalista a Benjamin, ese querer reducir las cosas a su esencia mínima, hace que nos planteemos muchos de los estereotipos y cánones que arrastra la plástica. Desde el Renacimiento el arte gestó un ideal de belleza que se olvidó de la relatividad de las cosas. Esa belleza se acentuó y se transformó en real con el surgimiento del Realismo.

Así pues, Benjamin cuestiona el tradicionalismo, y sobre todo, las instituciones que se encargan de perpetuar un academicismo clasicista, pero que están llenas de talones de Aquiles. No es sólo la sátira a la moda y al arte moderno, Benjamin también señala las patas cojas de muchas de las vanguardias y como las mismas en su intento por romper con el pasado, tejieron una nueva moda aún más secesionista que las anteriores. Ahora estamos en la época de los hijos de la bohemia, aun cuando sus hijos desconocen que Bohemia es una de las tres regiones históricas que componen a la república Checa.

El intento de Walter Benjamin pienso que quedó frustrado. Ahora estamos en la época iconoclasta y en la que el nihilismo y el hedonismo se convirtieron en amantes. Como resultado tenemos una sociedad que reproduce los antiguos mitos de la superioridad anglosajona, pues a las ciudades y establecimientos les dan nombres en inglés como Empire, Coffee, Mall,  y si te llamas Pedro Díaz lo mejor que puedes hacer es psudonimizar tu nombre por Peter Days.

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus. 1485.

Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus. 1485.

Es incluso molesto ver como quedó malogrado el gran legado de Walter Benjamin. Desde temprana edad se somete a los niños a estereotipos de lindo, feo, bueno, malo, correcto e incorrecto. Sumado a eso países que no son grandes metrópolis del arte cada día suprimen y eliminan cursos de artes de los currículos académicos.

Marcel Duchamp, La Fuente. 1917.

Marcel Duchamp, La Fuente. 1917.

Se crean entonces marionetas sociales que sólo son capaces de alagar y apreciar obras como El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli, pero molestas e iracundas al ver La fuente de Marcel Duchamp. Incluso al enfrentarlos a una obra del Neoplasticismo o el Suprematismo sólo recibes como respuesta un cándido “Eso no es arte, yo puedo hacer eso”.

La tarea de Walter Benjamin quedó inconclusa. Sin entrar en los puntos debatibles sobre filosofía, marxismo, capitalismo y demás corrientes en la vida de Benjamin, su labor por despertar a la sociedad de los sueños y ensueños que ella misma crea, es algo que instructores, aficionados y cualquier persona deberían continuar enseñando y aprendiendo.

Mi objetivo, al igual que uno de los de Walter Benjamin, no es hacer que te guste el arte, tampoco que tengas que decir que una obra es “linda” si así no lo consideras. Mi propósito es que puedas  pararte delante de una obra y tengas la capacidad de apreciarla y entenderla, más allá de tu juicio personal y valorativo.

Califico el libro con un 4/5.

1914

Divergent – Veronica Roth

Veronica Roth, Divergent, 2011

Veronica Roth, Divergent, 2011

En el mundo de la literatura contemporánea encontramos el fenómeno del Best Seller, generalmente son libros que aunque no se acercan a magnas obras como: La Ilíada, La Divina Comedia, El Decamerón, entre otras, alcanzan el tope en la lista de ventas y son leídos en su mayoría por el público joven-adulto. En el mundo del Best Seller nos encontramos con Divergent de la autora Veronica Roth.

Al igual y como ha sido un clásico desde tiempos lejanos, Divergent es parte de una trilogía homónima. La historia transcurre en una futurista y distópica ciudad de Chicago. Luego de una terrible guerra que dejó a la sociedad inmersa en el caos, los sobrevivientes en el proceso de echar culpas crean cinco grandes facciones para salir adelante y no volver a enfrentar una guerra.

Divergent, Faccioned

Divergent, Faccioned

Los que culparon a la agresividad crearon Cordialidad/Concordia. Quienes culparon a la ignorancia crearon Erudición/Sabiduría. Otros culparon al engaño y nació Verdad/Sinceridad. Quienes culparon al egoísmo crearon Abnegación y finalmente los que culparon la cobardía crearon Osadía/Intrepidez.

Divergent, Factions

Divergent, Factions

Para mantener los estándares de esta nueva sociedad todos los hijos al cumplir 16 años deciden si continuar en la facción de sus padres o elegir una nueva. No es una simple decisión, cada joven se somete a pruebas de aptitudes, controladas por líderes, para saber adonde debe pertenecer. En caso de cambiar de Facción  necesitará cumplir una iniciación para demostrar que es digno de ese nuevo hogar. De no aprobar el ritual de inicio se convierte en un Sin Facción; un paria.

El argumento de la obra en lo personal me resulta atrayente y algo encantador. No es novedad puesto que en todas las guerras surgen bandos que podríamos llamar Facciones, lo innovador estriba en que la paz no trajo la unión, sino una sociedad secesionista y en gran medida intolerante.

Los eventos son contados desde el punto de vista de Tris Prior una abnegada que decidió moverse a Osadía, pero que en sus pruebas dio resultados de Abnegación, Sabiduría y Osadía, siendo así una de las pocas personas que logran la Divergencia, asunto que resulta grave en la sociedad de este universo. Desde el punto de vista del orden establecido, se crearon personas que aceptan su Facción y contribuyen a ella por un fin común para así mantener el ritmo de vida.

En el desarrollo de los eventos se conoce que es Abnegación quien controla el gobierno por su espíritu desinteresado. Erudición controla las pruebas de aptitudes y la tecnología, mientras que Osadía son los encargados de la seguridad y protección. Un Divergente es inmune a las pruebas de aptitudes y por consiguiente inmune al miedo y control psicológico, pero lo más importante; es un ser pensante que puede tomar decisiones por sí mismo y no permite que su mente sea controlada por la tecnología, es ahí donde radica la gran amenaza de la Divergencia.

En general, este primer libro me pareció interesante y cautivador, en definitiva terminaré la trilogía y veré las adaptaciones fílmicas. Sin embargo, considero que la autora, dado que es una escritora  joven, aún no ha desarrollado la técnica de la descripción, por lo que en ocasiones abundan descripciones confusas  y engoladas. Otro aspecto no tan bueno es que como ocurre en obras como Harry Potter y The Hunger Games, se enfocan dos bandos: Gryffindor-Slytherin, Distrito 12-Capitolio, Osadía-Erudición. Las historias se concentran en luchas entre bandos en las que sólo se nos detalla la facción protagónica y la antagónica, perdiéndonos de otros universos maravillosos.

Veronica Roth comentó que la historia llegó a su mente cuando comenzó la universidad. La forma en que la historia presenta a Erudición/Sabiduría como los malos del cuento, siendo la cuna de personas ambiciosas, engreídas y pedantes, me hace llegar a la hipótesis de que posiblemente la autora fue rechazada por los círculos destacados de la universidad o fue víctima de alguna mala pasada gracias a algún sabiduría. En fin, considero que el saber y la razón son instrumentos para el progreso y no para la decadencia.

Califico este libro con un 4/5.

2014