¿Es relativa la belleza?

En la entrada de hoy me alejo un poco de la lingüística y la filología para intentar abordar una cuestión que escuchamos a diario, pero que me parece no está del todo clara o bien podría ser que no se comprenda la semántica detrás de la expresión La belleza es relativa”.

belleza

Voy a comenzar por lo más básico definir de forma sencilla el término belleza:

1. Cualidad de una persona, animal o cosa capaz de provocar en quien los contempla o los escucha un placer sensorial, intelectual o espiritual.

2. Persona, animal o cosa que destaca por esta cualidad.

Ahora bien, luego de esa definición culminaría diciendo que, en efecto, la belleza es relativa dado que esa cualidad que tiene la habilidad de provocar placer sensorial, intelectual o espiritual seguramente será diferente en cada persona. Por lo tanto, puedo suspender la entrada aquí y eureka, pero como se imaginarán voy a indagar un poco más.

orange-color-namesUn ejemplo obvio sobre la relatividad de la belleza puede estribar en el color favorito de cada persona. Así para mí que me encanta el color naranja puedo decir que los atardeceres son bellos, algún adorador del color azul diría seguramente que el inmenso mar es lo más bello y así sucesivamente, es palpable la relatividad de la belleza.

Ahora me voy a adentrar en aguas más profundas. A lo largo de nuestro crecimiento, la enseñanza que recibimos y los valores que coleccionamos juegan un papel fundamental en nuestra apreciación sobre la belleza.

Aunque en la antigua península helénica ya Sócrates y Platón habían debatido y escrito sobre la belleza, no fue hasta el siglo XVIII que con la llegada de la Ilustración entra en el panorama la Estética como una disciplina filosófica que estudia las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza. Es aquí, donde a mi juicio, comenzamos a crear el modo particular de entender la belleza.

Estética

Diría entonces que existe una percepción de la belleza por parte de los individuos que se fue, y que va, convirtiéndose es un canon, pero es tan tangible que ha cambiado a lo largo de la historia. Es esa apelación a los sentimientos lo que nos va jugando una baza umbría  con el pasar de los siglos. Si repasamos el ideal de belleza de al antigüedad notaremos que no es el mismo que el medieval, el moderno o el contemporáneo.

Lo que nos llevaría a preguntarnos si es percepción o sensibilidad lo que nos guía a definir a la belleza. En este renglón entran unos valores estéticos como la belleza, el equilibrio, la armonía, la tragedia y la horribilidad, entre muchos otros. Los mencionados valores hacen a las personas crear una escala que puede ser congruente a su sensibilidad de la belleza, pero que deja en evidencia que la estética es igual al gusto personal, mas no debería ser igual a la opinión colectiva.

Me explico un poco mejor; no porque la opinión converja en que una persona de tez clara, ojos verdes y cabello liso es bella, esto deba ser el dogma de la belleza. Aquí navegamos entonces en otro paradigma popular: la belleza está en el interior. Una aseveración que se volvió popular y que sirve de cobijo y consuelo al sector social que no cae en la cosmética del canon de belleza.

Belleza interior

En esa dirección llegó el siglo XXI y nos trae un nuevo arquetipo; la belleza socialEn la actualidad lo bello y lo estéticamente correcto lo dictaminan las redes sociales, los seguidores y los fans que crean una nube en el mainstream popular y que a pesar de no estar en el Medioevo nos enfrentamos a un sacramento o como me gusta llamarlo una teología de la belleza.

Belleza social

Sumado a todo lo que menciono vamos a entrar en el ámbito del lenguaje y su poder sobre la belleza. Tanto de manera oral como escrita podemos cargar los sustantivos, las personas o las ideas de un sinfín de adjetivos y diminutivos que nos permiten alterar un poco las ideas. Por ejemplo ningún ser humano socialmente correcto se atrevería a decir que un bebé es feo, pero si es común escuchar ese niño es graciocito. Por ese mismo camino si un niño mata una asquerosa cucaracha es un héroe valiente, pero si asesina a una indefensa y frágil mariposa es un posible psicópata que necesita ir a terapia.

A qué quiero llegar, hay muchos factores endógenos que crean la idea y la percepción de la belleza. Es erróneo afirmar así sin más que la belleza es relativa, porque nuestros valores, cultura y percepción juegan un rol importante en dicha definición. Esto que comento es así y no da visos de cambio, sin embargo, debemos ser flexibles en lo tangible de la idea y ser menos rigurosos y crueles con el tema.

En la belleza social del siglo XXI, la idea de lo bello, y lo sublime de la belleza, la dictan los famosos y los influencers de las redes sociales. Mientras sucede este juicio las miss universo nos hablan de la belleza interior, pero tienen que salir en bragas para un jurado y poder convertirse en la belleza mundial del año. En menor escala las personas obesas, que no tienen ojos claros o que quedan fuera de los renglones de la belleza colectiva se enfrentan al rechazo y la humillación diaria. En inglés lo llaman fatphobia, algo irónico pues no es un “miedo a los gordos” incluso el concepto abarca, rige y excusa a las tendencias del momento.

20110618-092820Esto de lo que hablo cala hondo pues no solo afecta al factor humano en la sociedad, también a las artes, los entornos familiares e incluso culturales. En esta última sección podría abarcar sobre la primacía blanca o lo bello del blanco que raya en las nociones racistas y nos lleva a equívocos lingüísticos donde lo malo o lo profano se adjetiva con el color negro y lo lindo y lo pulcro con el color blanco. Como presenta la imagen de la derecha.

Silvio Rodríguez en su canción alabanzas nos dice que cuando finalice la mutación nueva Edad Media habrá…aquí sigo sentando esperándola. Mientras tanto los invito a reflexionar sobre el tema, nuestro criterio siempre influirá en nuestras percepciones sobre la belleza, no obstante no debemos permitir que ese juicio nos nuble la capacidad de apreciación y aceptación.

Cierro la entrada afirmando que, en efecto, la belleza es relativa, pero me mantengo firme que dentro de esa relatividad contamos con unos cánones que nos brindan un molde dentro del cual colocamos lo que puede ser bello y lo arrastramos a nuestro diario vivir desde la infancia hasta la vejez. Finalizo dejando la siguiente frase de Vincent van Gogh:

“Encuentra bello todo lo que puedas; la mayoría no encuentra nada suficientemente bello”.

 

Cuadrado, círculo, cuadrado, círculo, círculo, cuadrado

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

La otra corriente artística que surgió en la Rusia Bolchevique fue el Suprematismo, este movimiento artístico se desarrolló entre 1915 y 1916. Muchos de los artistas que formaron parte del Constructivismo emigraron o “evolucionaron” al Suprematismo. Sin embargo, es un error común clasificar al Suprematismo como una expansión, alargación o una rama dentro del constructivismo. Ambos estilos nacieron paralelos en Rusia y aunque recibieron una retroalimentación, yo diría que suprematismo y constructivismo son más independientes él uno del otro que movimientos como el expresionismo y el die brücke en la Alemania del norte.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

El Suprematismo se enfocó en las figuras geométricas con especial atención al círculo y el cuadrado. El padre de este movimiento o la gran mente, como lo llaman algunos, fue Kazimir Malévich. Las ideas de Malévich se alejan por completo de la funcionalidad y labor social que pregonaba el constructivismo, pues basándose en las figuras geométricas y el arte abstracto, proponía representar y plasmar lo más puro del arte.

El objetivo de Malévich, y dónde está la génesis del nombre del movimiento, era darle supremacía a la nada para así llegar a la representación del universo sin objetos. Los suprematistas rechazaron el arte tradicional y no les interesó seguir los estilos y modelos que se venían copiando en el mundo artístico desde antaño.

Suprematism.

Suprematism.

El suprematismo, al igual que el fauvismo, fue de las pocas vanguardias del siglo XX que no difundió mensajes sociales y no se comprometió con ninguna causa o sector social. Muchos críticos juzgan y clasifican algunas obras de Aleksandr Ródchenko como suprematistas. En adición a Kazimir Malévich otros artistas destacados del suprematismo fueron Liubov Papova, El Lissitzky y Naum Gabo.

El cubismo trabajó con las facetas y perspectivas de las figuras geométricas, pero fue el suprematismo el movimiento que se encargó se la representación tridimensional de la geometría. Las técnicas artísticas en ocasiones se mezclaron con tradiciones del folclore ruso como situar las obras en la unión de dos paredes, espacio tradicionalmente designado para los íconos religiosos.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky trabajó con materiales no tradicionales intentando sacar el arte de las dos dimensiones y creó el término proun; concepto que usó para las obras que combinaban elementos de la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. Lissitzky destacó también en la técnica del collage y los carteles, siendo un artista destacado en la futura Segunda Guerra Mundial.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, considerado por la crítica como  la antítesis de Vladimir Tatlín, a nivel teórico se opuso a las ideas del espacio que proclamó el constructivismo y escribió un manifiesto en contra de Tatlín. El argumento de Gabo indicó que el enfoque de los artistas debía ser en lo real, algo que trascendía más allá de la Faktura. Gabo se concentró más en las fórmulas matemáticas. En sus teorías hay confusión de términos, en ocasiones compartió puntos que le criticó a Tatlín.

Es importante señalar que las construcciones suprematistas debían ser hacia afuera, dándole al artista libertad de representación. Para los constructivistas las construcciones eran hacia dentro, condicionadas a la sociedad y la funcionalidad.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Ambos movimientos, aunque diferentes e incluso antagónicos, prepararon e hicieron caminar, no solo a la Rusia Bolchevique, sino también a toda la Unión Soviética en su inicio. Mientras el constructivismo preparó tecnológica e industrialmente a Rusia, el suprematismo lo hizo cultural y artísticamente. No olvidemos que algunas de las raíces de la futura abstracción y el xxpresionismo abstracto están presentes en el suprematismo.

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes. Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizá le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.

La Ruptura con la Historia

Gustav_Klimt_017Desde finales del siglo XIX la sociedad comenzó a mostrar peculiaridades y particularidades en la mayoría de los aspectos básicos del diario vivir. El arte, que en mi opinión, es la actividad más pura y cotidiana del hombre, no fue la excepción a la norma. Así fue que llegamos a un siglo XX en el cual la juventud hizo tabula rasa poniendo fin a la definición del arte.

¿Qué es el Arte? Es una de las preguntas más sencillas y complejas, más abarcadoras e intrínsecas, más cuadrada y redonda. Esta pregunta sigue siendo tema para debates, ponencias, presentaciones, lucro, política, economía, sociedad y muchos otros aspectos que de antemano me hacen definir al arte como un estilo de vida. Sin embargo, y para ser académico, defino el arte como todo tipo de actividad que conlleve la elaboración o creación de una obra, mediante el uso de una infinidad de materiales o elementos.

ElephantArtistLa interpretación y definición del arte es algo subjetivo en cada persona y donde la cultura es un factor determinante. Lo que sí dejo claro es que no puede existir arte sin intención y personalmente restrinjo la definición como una actividad humana. Son muy lindas las creaciones que corren en la web de primates, elefantes y un sinfín de animales haciendo “arte”, pero no se debe olvidar que fue un humano el que enseñó a la criatura un proceso con un fin premeditado.

Las crisis mundiales y las nuevas filosofías dieron paso a una sociedad que con cada año que pasaba se tornó más radical. Es en la cultura y la atmósfera del siglo XX donde la unificación de factores opuestos a partir de los cuales se habían formado un estilo, dieron paso a lo que se conoció como Art Nouveau en Francia, Modern style en Reino Unido y Jugendstil en Alemania, donde alcanzó su máximo esplendor.

11-69 Peter Behrens, The Kiss, 1898En casos como el del nuevo movimiento alemán el nombre ya es por sí mismo una especie de declaración de principios. A través de toda Europa se comenzó a hacer tabula rasa barriendo y desechando los adornos y las variedades victoriana en el Reino Unido, guillermina en Alemania y posnapoleónica en Francia y España.

El art nouveau se propuso cambios radicales en el entorno humano. Los nuevos jóvenes artistas querían llenar de cosas bellas al mundo, mientras luchaban por la conservación de la individualidad ante una sociedad cada vez más tecnificada. Estos artistas proponían que la tecnología debía ser humanizada; las máquinas debían estar al servicio del hombre, no al revés. Cierta tendencia contra la filosofía de José Ortega y Gasset es papable. El filósofo español nos habló de una deshumanización del arte.

Los participantes del art nouveau en su mayoría eran pintores, pero prontamente se dedicaron a la arquitectura y a las artes menospreciadas, a fin de facilitar la difusión de sus ideas. Algunos de ellos fueron: Henry van de Velde en Bélgica, Joseph María Olbrich en Viena, August Endell en Múnich, Peter Behrens y Richard Riemershmid en Berlín.

Fueron los orígenes del art nouveau el manifiesto y propuesta del futuro Constructivismo Ruso. Paradójicamente cuando el art nouveau llegó al pueblo ya se había distorsionado tanto que para muchos resultaba irreconocible. El art nouveau no planteó sólo una nueva estética, sino también una nueva ética del arte.

ensor-retratoAunque el art nouveau decayó prontamente, hay que ver, estudiar y analizar su trascendencia y el inmenso significado histórico que dejó. Estos movimientos que solemos agrupar en el renglón art nouveau, prepararon el camino para nuevos estilos y movimientos artísticos.

Muchos de sus artistas querían cuadros y obras en los que el público no preguntara por el tema y se perdieran y adentraran en la obra. Por otro lado tenemos a la figura de James Ensor, quien desenmascaró a la sociedad y a su vez la dejó que se pusiera la máscara de su propia elección. Muchas de sus obras resaltan y muestran la muerte y la decadencia de la sociedad. Ensor no fue impresionista ni simbolista, no tuvo escuela artística, sin embargo muchos expresionistas y surrealistas aprendieron de él.

emotimagine-lab-cuadro-favorito-grito-edvard-munch_1_1624856En las obras de Edvard Munch se ve un cambio drástico, en sus primeras obras se aprecia la naturaleza depresiva y una atmósfera pesimista, sus circunstancias personales sin duda contribuyeron a convertirlo en un pionero del modernismo. De Munch los expresionistas aprendieron:

  •   A transformar sus sensaciones más profundas en la pintura.
  •   A reducir la figura humana y el paisaje a lo esencial desprovisto de todo detalle superficial.
  •   A subordinar la forma al precio de la deformación.
  •   A enfatizar la necesidad expresiva del artista.
  •   A revelar la realidad oculta bajo la superficie de las cosas.

Es impresionante conocer y ver las obras de la vanguardia del siglo XX. Estudiar el cambio radical en las representaciones tradicionalistas como El nacimiento de Venus de Botticelli y compararla con Las señoritas de Aviñón de Picasso es un éxtasis. Incluso la vanagloria y el culto predilecto a Dalí y los surrealistas es algo casi de ensueño. Pero más allá de todo, y de todos, es placentero conocer la raíz y el terreno que fue fertilizado para que estos grandes maestros del arte llegaran al pedestal donde hoy los tenemos.

Metodologías en la Historia del Arte

historia-del-arte-2ed-farga-mullor-pearson-6309-MLM5057791768_092013-FLa acción de adentrarnos en una obra de arte es algo muy personal, propio de cada quien y un proceso en el cual a lo largo de la historia se han acudido a mil vehículos y formas para alcanzar ese estado de catarsis artístico.

Así es que para muchos en el mundo de las drogas y los alucinógenos hay un detonador que despierta el estado de apreciación y creación artística de todos. También es frecuente al asistir a un museo ver a los Hijos de la Bohemia armados de gorros de pensar, lentes grandes y redondos, tal cual Harry Potter, o simplemente esa posición de vértigo en la que llevan su brazo casi a la altura de su hombro y recuestan sus dedos de la barbilla mientras contemplan una obra artística y buscan el mensaje subliminal de la misma.

Ahora bien, hoy se suponía que hablaría del Tratado de Utrecht, pero por algún motivo me lo salté. Aunque como explique en el párrafo anterior cada quien es libre de apreciar y analizar una obra de arte como le plazca, en el mundo de la historia del arte se establecen renglones y criterios a la hora de hacer un análisis formal de alguna obra. Aquí os presento los cuatro principales y tradicionales aspectos que se deben tomar en cuenta al hacer un estudio artístico:

  1. Ambiente histórico: también llamado Contexto histórico, precisa una reunión de datos procedentes de la historia política, literaria, económica, entre otros aspectos. La información brindada por los factores mencionados, permite crear el marco en que se ajusta el tema propuesto en la obra. Se unen al ambiente histórico una serie de datos sobre dónde procede la obra: época, lugar, cultura, creencias, tecnología, técnicas, geografía, educación, visión de mundo, jerarquías sociales, vestimenta, entre muchos otros elementos.
  2. Caracteres artísticos: generalmente son características específicas y particulares de un periodo estudiado. Es una visión de conjunto de todos aquellos elementos que tienen una vigencia general. Los caracteres artísticos es lo que popularmente llamamos Estilo. En síntesis son las características de la obra que pueden identificar a una época, región, grupo, movimiento e incluso artistas.
  3. Estudio de los artistas: a mi parecer, prefiero llamarle el Método biográfico. Aquí se debe seguir una cronología e incluso tener en cuenta las posibles generaciones. Esta metodología enfatiza el lugar de nacimiento del artista y el lugar donde se ha desarrollado la obra. La biografía de los artistas se hace necesaria para explicar los avatares de realización de la obra y conocer un poco sobre la personalidad del artista. Se busca dónde vivía el artista, sus estudios, la educación recibida, el estado de salud, sus creencias ideológicas, sucesos históricos vividos, influencias, eventos, estatus social, edad, estado civil, orientación sexual, creencias religiosas y autobiografías. Se tiene que tener mucho cuidado y rigor con las fuentes secundarias consultadas para esta metodología.
  4. Estudio de la obra: aquí se aplica el conocimiento de las técnicas, teniendo presente que no se puede valorar una obra debidamente si se desconoce el proceso de ejecución. Se basa exclusivamente en los elementos formales de la obra, que se aprecian visualmente. Esta metodología nos exige una preparación previa en alguna área del arte y muchas veces en otras disciplinas.

Personalmente, aconsejo que lo más conveniente es combinar todas las metodologías posibles, incluso nuevas que van más allá de estas cuatro, los formalismos y los cánones. Para hacer un buen estudio o análisis artístico hay que determinar el tema de manera descriptiva sin llegar a interpretaciones, definir el estilo y el medio (pintura, escultura, fotografía etc.) y finalmente proceder a una posible interpretación más allá de la descripción obvia  y nuestros juicios y visiones de mundo. Mi consejo final, como ya lo he dicho en otras entradas, es que nunca se juzgue el pasado con los criterios del presente.

Aplicación de lo aprendido

¿Os aventuráis a hacer un análisis formal a alguna de estas “famosas” obras, siguiendo las metodologías mencionadas?

Diego Velázquez, Las Meninas.

Diego Velázquez, Las Meninas.

Pablo Picasso, Guernica.

Pablo Picasso, Guernica.

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria.

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria.

Into the Wild (2007)

Into the Wild, Poster

Into the Wild, Poster

No sé si fue el sentimiento de decir adiós a algún sueño o alguna excusa para sacar a pasear a la nostalgia y la melancolía, pero por una cuarta o quinta vez, la fuerza me empujó a ver la película Into the Wild. Hacia rutas salvajes, en castellano, está basado en el libro homónimo del escritor Jon Krakauer.

Este film narra la historia verídica del joven Christopher McCandless. Decepcionado y hastiado de las costumbres y el estilo de vida de su familia y las personas cercanas a su círculo, Christopher una vez se graduó decidió vivir como un nómada por diferentes estados de los Estados Unidos, un auto exilio de una sociedad decadente. Christopher es uno de los típicos héroes que carga una lucha eterna consigo mismo y su naturaleza, desgraciadamente su valía y brillantez no fueron suficientes para salvarlo de su propio ser.

into-the-wild1

Las crisis y los problemas familiares de Christopher lo llevaron a refugiarse en los libros desde temprana edad, desarrollando un afín predilecto por las obras de filosofía naturalista y existencialista, piezas claves y fundamentales a la hora de tomar su decisión. Christopher no es muy diferente a Alonso Quijana quien se refugió en sus libros de caballería y se hizo a si mismo un personaje literario, en su intento por medrar una sociedad decaída.

into-the-wild-horses-731087

A lo largo de su viaje hizo un recorrido desde el sur, oeste y norte de América, pasando por California, Oregon y South Dakota. Conoció a diferentes personas, nuevas costumbres, visiones de mundo, pero también nuevas decepciones que lo hicieron tomar su más radical decisión; irse a vivir a Alaska sólo en contacto con la naturaleza.

Into-the-Wild-upcoming-movies-216158_1024_768

Into the Wild te enfrenta a una realidad que desde antes del 1996, año que se desarrolla la trama, se refleja en la sociedad y hasta el día de hoy se arrastra; la deshumanización del hombre. Desde muchos años antes de los noventa es palpable la gran crisis en los valores humanos, algo que va más allá de cuestiones religiosas. El respeto, la tolerancia, la caridad, el entendimiento, el apoyo y muchos otro valores, son cuestiones humanas que irónicamente apreciamos más en los animales y plantas que en la sociedad.

magic-bus-l-1

Al finalizar este film nos quedamos con un agridulce sabor de labios, por un lado enfrentamos a una sociedad corrompida que nos llena de frustraciones y desengaños, pero por otra parte reconocemos que no podemos vivir en soledad y la película nos echa en cara la necesidad que tenemos de los demás. Christopher aprendió mucho a lo largo de su corta vida. Sin embargo, las lecciones mayor, que a mi entender, fueron el perdón y la aceptación, llegaron un poco tarde. Un mal golpe de suerte acabó con su vida y su sabiduría.

into the wild27

Califico esta película con 9/10.

Acentuación Masculina

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann fue un pintor y grabador alemán, generalmente catalogado como impresionista. Sin embargo, queda evidenciado, en sus obras y algunas memorias, que participó en corrientes y movimientos artísticos como el Modernismo, Simbolismo e Historicismo. Colaboró y aportó enormemente a la iniciativa Neues Weimar siendo el artista al cual el museo homónimo le dedica y rinde tributo en la actualidad.

Ludwig von Hofmann, Adam.

Ludwig von Hofmann, Adam.

La plástica de von Hofmann resalta la juventud y la belleza masculina. Sus principales obras son composiciones de modelos masculinos, desnudos o semidesnudos, que disfrutan de su compañía o se encuentran en actividades de ocio en contacto con la naturaleza. La embriaguez pictórica del extraordinario von Hofmann es alcanzada gracias a la fusión del desnudo masculino con los coloridos paisajes y escenarios.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann ha sido, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos que mejor trato estético ha dado al cuerpo masculino. Sin abundantes estudios anatómicos o científicos, von Hofmann plasmó su gusto y admiración por la desnudez  masculina, sin caer en los desnudos vulgares, pero contribuyendo al estereotipo del físico masculino que nuestra sociedad ha heredado con gran arraigo.

Ludwig von Hofmann, Reiter an südlicher Küste.

Ludwig von Hofmann,
Reiter an südlicher Küste.

A mi juicio los paisajes de von Hofmann fueron tan significativos como los de Vincent van Gogh para el desarrollo de movimientos como el Fauvismo. El trato que le dio von Hofmann al desnudo masculino fue uno de los propulsores para el desarrollo del futuro término homoerotismo y por consiguiente una técnica y tradición para el futuro gay art. Finalmente muchas otras de las vanguardias del siglo XX se beneficiaron inmensamente de la nociones y percepciones de von Hofmann, por ejemplo contemplad la siguiente imagen de von Hofmann y decidme si no es inevitable pensar en Der Blaue Reiter.

Adynaton: Las Fronteras de lo Imposible

Antes los ríos caudalosos resbalarán desde el vasto mar,
y antes el año invertirá el orden de las estaciones,
que mi cariño hacia ti se cambie en el fondo de mi corazón.

Adynaton by Hewsan

Adynaton by Hewsan

El Adynaton es una figura literaria familiarizada y vinculada con las hipérboles y en ocasiones con las comparaciones. Sin embargo, cabe señalar que mientras una hipérbole exagera desmesuradamente el contenido del discurso y un símil o una metáfora nos dan comparaciones directa e indirectas; el adynaton señala y representa lo imposible. Existen quienes, por no adentrarse mucho en el mundo del saber y la razón, han clasificado los adynata como antítesis. Se les olvida a estas personas que lo que se opone o contrapone, no necesariamente es algo imposible.

Adynaton 2

Adynaton 2

La raíz del término se encuentra en el griego antiguo, incluso textos presocráticos son señalados y mencionados en los exempla. Es una figura literaria que se utilizó y está presente en la literatura latina, de aquí la adaptación gramatical y el usar la palabra adynata para su plural. Curiosamente el discurso y la narrativa alemana son los que más han dedicado estudios y utilizan el término adynaton con regularidad. Al hacer una búsqueda en Internet, encontramos muy buenas páginas y análisis sobre este tema en alemán e inglés.

Artículos menos elaborados y más vagos aparecen en francés, italiano, turco, holandés y croata. Tristemente, en español ni siquiera encontramos una página de Wikipedia que de primera instancia nos defina y ejemplifique el adynaton. Eso sí, aunque no se estudia el término ni su trasfondo, la ortografía y los gramáticos han puesto el grito en el cielo y han dicho que la castellanización correcta del concepto es Adinatón.

pigs_flyingEl filólogo Ernst Robert Curtius, en su obra Literatura europea y Edad Media latina, cap. 5, habló sobre el adynaton diciendo que Habitualmente se usó como protesta de amor eterno:

“Antes pasará esto y lo otro que deje yo de quererte”.

Otros ejemplos tradicionalmente citados son:

“Cuando las ranas críen pelo”.
“Es más fácil que un camello entre por el ojo de una cerradura que un rico entre en el reino de los cielos (Mateo 19,24)”.

Muchos literatos y estudiosos especulan, y yo aseguro, que en el adynaton está la génesis de uno de los tópico más impresionantes y atrayentes de la literatura;  “el mundo al revés”. Y allí no acaba el asunto, hablando en términos bíblicos y religiosos citó a Isaías capítulo 11:

El lobo habitará con el cordero,
el leopardo se acostará junto al cabrito;
ternero y leoncillo pacerán juntos,
un chiquillo los podrá cuidar.
La vaca y la osa pastarán en compañía,
juntos reposarán sus cachorros,
y el león como un buey comerá hierba.

El mundo al revés. J. Bosch.

El mundo al revés. J. Bosch.

La historia de la salvación y el mundo idílico que nos ofrecen no sólo los textos cristianos, sino la gran mayoría de libros sagrados de las principales religiones, son un puro adynatón. A propósito y sobre el capítulo 11 de Isaías, arriba citado, a mí me trae a colación uno de mis poemas favoritos de Luis Buñuel; EL ARCO IRIS Y LA CATAPLASMA

¿Cuántos maristas caben en una pasarela?
¿Cuatro o cinco?
¿Cuántas corcheas tiene un tenorio?
1.230.424
Estas preguntas son fáciles.

¿Una tecla es un piojo?
¿Me constiparé en los muslos de mi amante?
¿Excomulgará el Papa a las embarazadas?
¿Sabe cantar un policía?
¿Los hipopótamos son felices?
¿Los pederastas son marineros?
Y estas preguntas, ¿son también fáciles?

El arco iris y la cataplasmaDentro de unos instantes vendrán por la calle
dos salivas de la mano
conduciendo un colegio de niños sordomudos.

¿Sería descortés si yo les vomitara un piano
desde mi balcón?

Me aventuro a concluir que algo tan poco estudiado en nuestra lengua, como lo es el adynaton, puede ser el origen de muchos otros tópicos literarios, figuras retóricas e incluso de movimientos artísticos tanto pictóricos como literarios.

¿Acaso no es el Romanticismo un gran adynaton? ¿No era lo imposible uno de los puntos y apartados de los movimientos de vanguardia del siglo XX? ¿No es la explicación de lo imposible lo que dio origen a las religiones, dioses, fuerzas sobrenaturales y los pilares de muchas sociedades contemporáneas?

bjnbcjDando mi perspectiva como académico y dejando de lado mi juicio, considero que el adynaton se debe estudiar y comprender como un recurso o figura literaria desde la antigüedad hasta el Medioevo. Desde el llamado Siglo de Oro y con la llegada de la Modernidad, hay que empezar a ver el adynaton como un tópico literario, tropo e incluso como un estilo de vida. En nuestros días donde impera la ciencia ficción y se a puesto muy de moda el concepto de “universos paralelos” evidenciamos que somos una sociedad, en su gran mayoría, heredera y llena del adynaton hasta el tuétano.

Perícles y Merlina

◤…y adónde vaya, adónde vaya, sé que este miedo volverá mañana…◢

 

Azerole – Brumaire – 1989

 

La autopista del sur

La autopista del sur

Transcurría un día soleado y radiante, (un día horroroso para ellos), tenían que ir a la capital, no sabían bien el porqué, pero sí que su deber era ir hacia allá. Muchos pesares, muchas molestias, muchos pretextos, pero al final a las 10:10 a. m. partieron a su destino. Merlina al volante y Perícles en sus libros. Al pasar el peaje de la estación norte el día comenzó a tornarse gris, luego negro, lluvias fuertes y tronadas hacían dibujos y siluetas en el cielo. Perícles y Merlina comenzaron a sentirse mejor.

No existe unidad o medida de tiempo para explicar el evento sucedido, quizás una cuestión de segundos. Ni siquiera las ventanas cerradas fueron impedimento para que los hermanos oyeran sirenas alarmantes y gritos de angustia. Entre unos cuantos parpadeos vieron patrullas y ambulancia. En instantes Merlina sin comprenderlo aceleraba y aceleraba hasta que ya no podía hundir más su pie derecho en el pedal de la gasolina.

La distancia trajo a la atmósfera nuevas resonancias y sonsonetes. Sin mirar atrás, olor a humo y hedor a muerte traspasaron los vidrios del vehículo. Sonidos de disparos y una gran explosión fue lo último que recordaron.


 …and after all God can keep my soul
England have my bones
But don’t ever give me up
I could never get back up when the future starts so slow.

 

12 de noviembre de 2668~

 

Toledo12Cerrado el portal y tumbados en ruinas de piedra, Perícles y Merlina se encontraron en lo que era un lugar viejo que ya conocían, pero que les resultaba extremadamente diferente y nuevo. De primeras los aires y el paisaje solo aludían a miseria y decadencia. Incorporados decidieron emprender camino y saber en dónde se encontraban.

Al salir del pequeño laberinto de piedra vieja, notaron demasiadas personas hablando infinidad de idiomas que no les resultaron familiares. Sintieron un sol más caliente que cualquier verano que recordarán y la ciudad más bien era los restos de lo que fuera en un pasado.

Sin prensa ni medio comunicativo que consultar, no les quedo más que caminar y caminar hasta dar con alguien que los entendiera. Luego de horas de cansancio y sed encontraron a un grupo de personas que compartían su idioma. Los llevaron a las ruinas de un puente viejo y le contaron que ese lugar en años previos se llamaba el Alcántara, aproximadamente transcurría el año 2668.

Una baza umbría cubrió las tierras algunos siglos atrás y dejó al irse una desproporción acentuada en los días, las noches, las estaciones y la noción del tiempo. Por alguna razón el interior del puente conservó estanques, del agua verdezca del Tajo, llenos de cuervos muertos, podredumbre y putrefacción

PicsArt_1404165786003Las personas que se lanzaban a los arroyos eran transportados a otra dimensión, otro espacio u otro tiempo, era una incógnita, pues ninguno de los osados que se lanzaron había regresado. Una mujer vieja llamada Eudora y que según algunos era una charlatana, había otorgado el título de sagrado al Puente Alcántara y antes de lanzarse a su suerte advirtió que hasta que Alcántara y San Martín no unieran sus restos la era umbría continuaría…

Perícles estudió un rato las aguas, los cadáveres y osamentas de los cuervos, vio como los gusanos habitaban y anidaban los restos de las alas y se regocijaban entre cataratas de carroña y agua estancada. Sin pensarlo ni meditarlo no dijo ninguna palabra a Merlina y se lanzó a una de las ciénagas…


 

…soy una moneda en la fuente con mi deseo pendiente.

12 de noviembre de 2013

 

Sauce-Llorón-Feng-Shui-1Llegó al municipio más conocido del sur, su amiga Lorraine se encontraba viviendo allí, ya hacía un tiempo, y recién estrenaba su piso, así que lo invitó. La casa no era la más grande, pero sí lo era su jardín, podría ser el triple (quizás el cuádruple) de la casa. Merecían honores las ventanas hechas en vitrales coloridos y que casi parecían vivos, pero lo que más distinguía y resaltaba era un enorme sauce llorón y un estanque, para nada cristalino, que en las noches reflejaba las estrellas y la cálida luna del invierno.

Daba la impresión de que junto a las aguas del Leteo había plumas y fragmentos de alas negras. La estadía se prolongó y se fue convirtiendo en una estancia, todas las tardes y hasta entrada las brisas gélidas de la noche, Lorraine lo contemplaba desde su ventana y allí bajo el regazo del árbol siempre estaba Perícles. El árbol se transformó en el lugar de sus reuniones y actividades.

Una tarde tomó la siesta y al despertar sintió el impulso de cavar entre las viejas raíces del gran árbol y aunque se lastimó, y la sangre manó de entre sus dedos, continuó hasta sentir un golpe fuerte y encontrar un libro. Fue como si la tierra conservara al libro, que desde su portada cautivó toda su atención y quedó perpetuada luego de leer el título; L’Empire de aux Antiques et Haute Magie.

Las próximas tardes transcurrieron entre lectura y lectura, hasta que una página se desprendió del libro y la brisa la llevó al estanque donde el agua negruzca parecía absorber las letras de la página y succionar la hoja hasta que la hundió. Allí fue Perícles a intentar rescatar la página, sin razonar ni reflexionar introdujo su mano y una poderosa fuerza magnética lo sucumbió de golpe en las azabaches aguas. Lorraine que lo contemplaba desde los vitrales sólo tuvo tiempo para lanzar un azorado suspiro, Perícles no sabía nadar…