Arenas del tiempo

AYQhetvYo, como tú,
le he sido infiel a los relojes
y he dejado que la arena del tiempo
se escurra entre mis dedos.
Y he ahí, fíjate,
un lugar perfecto
para reposar tus huesos.

Por eso, a veces,
cuando despiertas
te encuentras llorando y desnudo,
pues en tu cuerpo glacial
siempre tropezarás con mi reflejo
con mis labios en tu pecho
y el ímpetu enredo de mis brazos
alrededor de tu cintura.

El Covid-19 y los viajes

travel

1dd941ef-f647-49ab-beae-4af02ac39933-5e7a423d9e8d3¿Qué nos deparará el futuro a los viajeros? Esta pregunta está latente en estos últimos meses y aunque sea difícil hacer un pronóstico aquí voy. Aclaro de antemano que soy solidario con la situación que enfrenta el mundo en estos momentos y que no estoy minimizando una pandemia tan alarmante, pero como viajero frecuente y humano con familia en diferentes partes del mundo, tengo que pensar con visión futura y mentalidad progresiva.

Aclarado el punto anterior a lo que vine. La magnitud de esta pandemia nos enfrentó a una crisis que a pesar de tener precedentes históricos, dejó en evidencia muchas flaquezas y lagunas de los sistemas globales del siglo XXI.

uYV3YFCIlEWO8aBYVyTBY2DlZFvfGdKm2JELcVRkUU8

En estos momentos de aislamiento social podemos detenernos a reflexionar sobre los cambios futuros, una vez se estabilice la situación. Se mire por donde se mire, la realidad es que las economías enfrentarán una crisis magna que definirá las nuevas tendencias globales y una búsqueda contaste de reconstrucción y resiliencia.

Somos muchos los que cancelamos viajes y todavía no sabemos qué hacer o qué decisiones tomar con relación a los próximos meses, quizás años. Consultado algunos que se dicen llamar “expertos” en la industrian, me encontré con un vocabulario vago o visiones completamente optimistas sobre lo que sucederá con los vuelos y el mundo de los viajes. En general, se dice que dado que las economías van a enfrentar niveles bajos de ingresos las industrias de viajes tienen que ofrecer unos precios competentes para poder ofrecer una demanda a la población.

Aquí me detengo un poco para analizar. Si bien es cierto que se necesita una demanda atractiva para mover esta industria, no se debe pasar por alto que el grueso y motor de los viajes no son necesariamente por turismo y ocio, sino por negocios, trabajo y asuntos familiares. La imagen siguiente presenta en por cientos lo que suelen ser la norma en los vuelos domésticos en los Estados Unidos.

graphic1

Las empresas que desplazan internacionalmente a sus trabajadores, los empleados que tienen reuniones de negocios en otro país o las personas que van a visitar a sus familiares al otro lado del mundo, van a continuar haciendo sus viajes aunque las tarifas aumenten unos $150 o $200. Incluso un sector abrumador de los turistas ya han decidido cuál es el país de sus sueños al que quieren vacacionar o ir de luna de miel y comprarán el pasaje así sea a $400 o a $750.

Presento mi caso  como ejemplo, anualmente utilizó la ruta San Juan-Madrid y aunque miro las proyecciones de precios en los vuelos, la realidad es que al comprar el pasaje el factor precio queda relegado a un segundo o tercer plano. Por lo tanto afirmar que las aerolíneas, barcos y trenes tienen que ajustarse a la economía personal, lo veo como algo totalmente ingenuo y que dudo mucho que ocurra.

En el campo de las aerolíneas debemos recordar que las mismas nos ofrecen un servicio opcional, no necesariamente esencial, y que son empresas operadas por diferentes grupos y sectores privados que NO son organizaciones sin fines de lucro y que no tienen porque ofrecerte un vuelo “low-cost” simplemente porque tú decidas que quieres bajar a Tailandia barato.

Las cancelaciones y restricciones que ha traído el Coronavirus es un golpe de alta escala para todas las aerolíneas y medios de transportación. Aun cuando muchas de estas empresas tienen seguros que puedan agasajar un poco el golpe, gastos de nómina, mantenimiento y asuntos externos pueden llevar a muchas de estas líneas y marcas a una quiebra parcial o total.

Grandes  líneas, que lleven años en la industria, podrían hacer frente a esta crisis con regulaciones que pueden ir desde el incremento en los precios por servicios, hasta la reprogramación de rutas, siendo un poco más restrictivos los destinos nacionales e internacionales y más exclusivos los servicios esenciales como facturación de equipaje y selección de asiento.

5e7657381378e3404d178fcb

En el caso de pequeñas empresas y muchas de las aerolíneas “low-cost”, es posible que tengan que recurrir a la consolidación o alianzas con otras líneas para poder enfrentar los próximos años.

graphic2¿Qué esperar entonces del futuro? Es difícil responder y no hay una única respuesta o verdad absoluta. Aunque es menor, habrán personas que el factor psicológico les juegue una baza oscura y los cohíba de viajar, miedos culturales se harán más evidentes y factores que rayarán en ideologías racistas obligarán, por ejemplo, a China a tener que reivindicarse para volver a ser atractiva al turismo.

En la actualidad estamos viendo vuelos muy económicos a nivel global hasta el año 2021, pero es una tendencia que, a mi juicio, irá mermando y poco a poco estaremos viendo una vuelta a los precios de los años 2017 – 2018.

2020-04-06

Previo a lo anticipados por muchos “bloggers”, el 2021 no será el año de las aerolíneas “low-cost” ya que muchas posiblemente se consoliden, ocasionando una menor oferta y por consiguiente un precio más alto en sus rutas tradicionales. En este mirar retrospectivo es posible que rutas domésticas con más de un vuelo diario entre ciudades, desaparezcan, ofreciendo uno o dos vuelos en horarios más recurrentes como el primer vuelo y el último vuelo.

Finalmente, es muy probable que las empresas que manejan  los vuelos chárter; los que no son comercializados por los canales habituales de venta, intenten sacar una buena tajada de esta crisis y se viralicen vuelos chárter a precios de primera clase. En esa misma líneas los cargos de agencias de viaje también se duplicarían, siendo mi recomendación la de asegurar todos los viajes próximos a realizar.

Para cerrar este hilo enfatizo en que esto es lo que yo preveo que pasará por mi experiencia en el campo e investigaciones que realicé en estas últimas semana. No tiene porque ser así, puede cambiar y ojalá que así sea. Algunas personas me han hecho el acercamiento sobre si comprar los pasajes ahora es prudente o no. Todo va a depender del destino al que se quiera ir y como el país va a afrontar la crisis una vez se vuelvan a abrir los Estados y las economías.

Países en los que su economía dependa en más de un 50% del turismo tendrán que barajar una amplia gama de posibilidades para recuperarse. Algunos atractivos turísticos podrían subir considerablemente de precio y no podemos descartar nuevas políticas y casos extremos en que países impongan más requisitos de entrada a su territorio, pero eso ya es tema para otra entrada.

Cuadrado, círculo, cuadrado, círculo, círculo, cuadrado

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

La otra corriente artística que surgió en la Rusia Bolchevique fue el Suprematismo, este movimiento artístico se desarrolló entre 1915 y 1916. Muchos de los artistas que formaron parte del Constructivismo emigraron o “evolucionaron” al Suprematismo.

Sin embargo, es un error común clasificar al Suprematismo como una expansión, alargación o una rama dentro del constructivismo. Ambos estilos nacieron paralelos en Rusia y aunque recibieron una retroalimentación, yo diría que suprematismo y constructivismo son más independientes él uno del otro que movimientos como el expresionismo y el die brücke en la Alemania del norte.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

El Suprematismo se enfocó en las figuras geométricas con especial atención al círculo y el cuadrado. El padre de este movimiento o la gran mente, como lo llaman algunos, fue Kazimir Malévich. Las ideas de Malévich se alejan por completo de la funcionalidad y la labor social que pregonaba el constructivismo, pues basándose en las figuras geométricas y el arte abstracto, proponía representar y plasmar lo más puro del arte.

El objetivo de Malévich, y dónde está la génesis del nombre del movimiento, era darle supremacía a la nada para así llegar a la representación del universo sin objetos. Los suprematistas rechazaron el arte tradicional y no les interesó seguir los estilos y modelos que se venían copiando en el mundo artístico desde antaño.

Suprematism.

Suprematism.

El suprematismo, al igual que el fauvismo, fue de las pocas vanguardias del siglo XX que no difundió mensajes sociales y no se comprometió con ninguna causa o sector social. Muchos críticos juzgan y clasifican algunas obras de Aleksandr Ródchenko como suprematistas. En adición a Kazimir Malévich otros artistas destacados del suprematismo fueron Liubov Papova, El Lissitzky y Naum Gabo.

El cubismo trabajó con las facetas y perspectivas de las figuras geométricas, pero fue el suprematismo el movimiento que se encargó de la representación tridimensional de la geometría. Las técnicas artísticas en ocasiones se mezclaron con tradiciones del folclore ruso como situar las obras en la unión de dos paredes, espacio tradicionalmente designado para los íconos religiosos.

El Lissitzky trabajó con materiales no tradicionales intentando sacar el arte de las dos dimensiones y creó el término proun; concepto que usó para las obras que combinaban elementos de la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. Lissitzky destacó también en la técnica del collage y los carteles, siendo un artista destacado en la futura Segunda Guerra Mundial.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

Naum Gabo, considerado por la crítica como  la antítesis de Vladimir Tatlín, a nivel teórico se opuso a las ideas del espacio que proclamó el constructivismo y escribió un manifiesto en contra de Tatlín. El argumento de Gabo indicó que el enfoque de los artistas debía ser en lo real, algo que trascendía más allá de la Faktura. Gabo se concentró más en las fórmulas matemáticas. En sus teorías hay confusión de términos, en ocasiones compartió puntos que le criticó a Tatlín.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Es importante señalar que las construcciones suprematistas debían ser hacia afuera, dándole al artista libertad de representación. Para los constructivistas las construcciones eran hacia dentro, condicionadas a la sociedad y la funcionalidad.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Ambos movimientos, aunque diferentes e incluso antagónicos, prepararon e hicieron caminar, no sólo a la Rusia Bolchevique, sino también a toda la Unión Soviética en su inicio. Mientras el constructivismo preparó tecnológica e industrialmente a Rusia, el suprematismo lo hizo cultural y artísticamente. No olvidemos que algunas de las raíces de la futura abstracción y el expresionismo abstracto están presentes en el suprematismo.

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes.

Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizá le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.

La Ruptura con la Historia

Gustav_Klimt_017Desde finales del siglo XIX la sociedad comenzó a mostrar peculiaridades y particularidades en la mayoría de los aspectos básicos del diario vivir. El arte, que en mi opinión, es la actividad más pura y cotidiana del hombre, no fue la excepción a la norma. Así fue que llegamos a un siglo XX en el cual la juventud hizo tabula rasa poniendo fin a la definición del arte.

¿Qué es el Arte? Es una de las preguntas más sencillas y complejas, más abarcadoras e intrínsecas, más cuadrada y redonda. Esta pregunta sigue siendo tema para debates, ponencias, presentaciones, lucro, política, economía, sociedad y muchos otros aspectos que de antemano me hacen definir al arte como un estilo de vida. Sin embargo, y para ser académico, defino el arte como todo tipo de actividad que conlleve la elaboración o creación de una obra, mediante el uso de una infinidad de materiales o elementos.

La interpretación y definición del arte es algo subjetivo en cada persona y donde la cultura es un factor determinante. Lo que sí dejo claro es que no puede existir arte sin intención y personalmente restrinjo la definición como una actividad humana. Son muy lindas las creaciones que corren en la web de primates, elefantes y un sinfín de animales haciendo “arte”, pero no se debe olvidar que fue un humano el que enseñó a la criatura un proceso con un fin premeditado.

Las crisis mundiales y las nuevas filosofías dieron paso a una sociedad que con cada año que pasaba se tornó más radical. Es en la cultura y la atmósfera del siglo XX donde la unificación de factores opuestos a partir de los cuales se habían formado un estilo, dieron paso a lo que se conoció como Art Nouveau en Francia, Modern style en Reino Unido y Jugendstil en Alemania, donde alcanzó su máximo esplendor.

11-69 Peter Behrens, The Kiss, 1898En casos como el del nuevo movimiento alemán el nombre ya es por sí mismo una especie de declaración de principios. A través de toda Europa se comenzó a hacer tabula rasa barriendo y desechando los adornos y las variedades victoriana en el Reino Unido, guillermina en Alemania y posnapoleónica en Francia y España.

El art nouveau se propuso cambios radicales en el entorno humano. Los nuevos jóvenes artistas querían llenar de cosas bellas al mundo, mientras luchaban por la conservación de la individualidad ante una sociedad cada vez más tecnificada. Estos artistas proponían que la tecnología debía ser humanizada; las máquinas debían estar al servicio del hombre, no al revés. Cierta tendencia contra la filosofía de José Ortega y Gasset es papable. El filósofo español nos habló de una deshumanización del arte.

Los participantes del art nouveau en su mayoría eran pintores, pero prontamente se dedicaron a la arquitectura y a las artes menospreciadas, a fin de facilitar la difusión de sus ideas. Algunos de ellos fueron: Henry van de Velde en Bélgica, Joseph María Olbrich en Viena, August Endell en Múnich, Peter Behrens y Richard Riemershmid en Berlín.

Fueron los orígenes del art nouveau el manifiesto y propuesta del futuro Constructivismo Ruso. Paradójicamente cuando el art nouveau llegó al pueblo ya se había distorsionado tanto que para muchos resultaba irreconocible. El art nouveau no planteó sólo una nueva estética, sino también una nueva ética del arte.

Aunque el art nouveau decayó prontamente, hay que ver, estudiar y analizar su trascendencia y el inmenso significado histórico que dejó. Estos movimientos que solemos agrupar en el renglón art nouveau, prepararon el camino para nuevos estilos y movimientos artísticos.

Muchos de sus artistas querían cuadros y obras en los que el público no preguntara por el tema y se perdieran y adentraran en la obra. Por otro lado tenemos a la figura de James Ensor, quien desenmascaró a la sociedad y a su vez la dejó que se pusiera la máscara de su propia elección. Muchas de sus obras resaltan y muestran la muerte y la decadencia de la sociedad. Ensor no fue impresionista ni simbolista, no tuvo escuela artística, sin embargo muchos expresionistas y surrealistas aprendieron de él.

En las obras de Edvard Munch se ve un cambio drástico, en sus primeras obras se aprecia la naturaleza depresiva y una atmósfera pesimista, sus circunstancias personales sin duda contribuyeron a convertirlo en un pionero del modernismo. De Munch los expresionistas aprendieron:

  •   A transformar sus sensaciones más profundas en la pintura.
  •   A reducir la figura humana y el paisaje a lo esencial desprovisto de todo detalle superficial.
  •   A subordinar la forma al precio de la deformación.
  •   A enfatizar la necesidad expresiva del artista.
  •   A revelar la realidad oculta bajo la superficie de las cosas.

Es impresionante conocer y ver las obras de la vanguardia del siglo XX. Estudiar el cambio radical en las representaciones tradicionalistas como El nacimiento de Venus de Botticelli y compararla con Las señoritas de Aviñón de Picasso es un éxtasis. Incluso la vanagloria y el culto predilecto a Dalí y los surrealistas es algo casi de ensueño. Pero más allá de todo, y de todos, es placentero conocer la raíz y el terreno que fue fertilizado para que estos grandes maestros del arte llegaran al pedestal donde hoy los tenemos.

Metodologías en la Historia del Arte

historia-del-arte-2ed-farga-mullor-pearson-6309-MLM5057791768_092013-FLa acción de adentrarnos en una obra de arte es algo muy personal, propio de cada quien y un proceso en el cual a lo largo de la historia se han acudido a mil vehículos y formas para alcanzar ese estado de catarsis artístico.

Es así como para muchos en el mundo de las drogas y los alucinógenos hay un detonador que despierta el estado de apreciación y creación artística de todos. También es frecuente al asistir a un museo ver a los Hijos de la Bohemia armados de gorros de pensar, lentes grandes y redondos o simplemente esa posición de vértigo en la que llevan su brazo casi a la altura de su hombro y recuestan sus dedos de la barbilla mientras contemplan una obra artística y buscan el mensaje subliminal de la misma.

Ahora bien, hoy se suponía que hablaría del Tratado de Utrecht, pero por algún motivo me lo salté. Aunque como explique en el párrafo anterior cada quien es libre de apreciar y analizar una obra de arte como le plazca, en el mundo de la historia del arte se establecen renglones y criterios a la hora de hacer un análisis formal de alguna obra. Aquí presento los cuatro principales y tradicionales aspectos que se deben tomar en cuenta al hacer un estudio artístico:

  • Ambiente histórico: también llamado Contexto histórico, precisa una reunión de datos procedentes de la historia política, literaria, económica, entre otros aspectos. La información brindada por los factores mencionados, permite crear el marco en que se ajusta el tema propuesto en la obra. Se unen al ambiente histórico una serie de datos sobre dónde procede la obra: época, lugar, cultura, creencias, tecnología, técnicas, geografía, educación, visión de mundo, jerarquías sociales, vestimenta, entre muchos otros elementos.

  • Caracteres artísticos: generalmente son características específicas y particulares de un periodo estudiado. Es una visión de conjunto de todos aquellos elementos que tienen una vigencia general. Los caracteres artísticos es lo que popularmente llamamos Estilo. En síntesis son las características de la obra que pueden identificar a una época, región, grupo, movimiento e incluso artistas.

  • Estudio de los artistas: a mi parecer, prefiero llamarle el Método biográfico. Aquí se debe seguir una cronología e incluso tener en cuenta las posibles generaciones. Esta metodología enfatiza el lugar de nacimiento del artista y el lugar donde se ha desarrollado la obra. La biografía de los artistas se hace necesaria para explicar los avatares de realización de la obra y conocer un poco sobre la personalidad del artista. Se busca dónde vivía el artista, sus estudios, la educación recibida, el estado de salud, sus creencias ideológicas, sucesos históricos vividos, influencias, eventos, estatus social, edad, estado civil, orientación sexual, creencias religiosas y autobiografías. Se tiene que tener mucho cuidado y rigor con las fuentes secundarias consultadas para esta metodología.

  • Estudio de la obra: aquí se aplica el conocimiento de las técnicas, teniendo presente que no se puede valorar una obra debidamente si se desconoce el proceso de ejecución. Se basa exclusivamente en los elementos formales de la obra, que se aprecian visualmente. Esta metodología nos exige una preparación previa en alguna área del arte.

Personalmente, aconsejo que lo más conveniente es combinar todas las metodologías posibles, incluso añadir nuevas metodologías que van más allá de los formalismos y los cánones. Para hacer un buen estudio o análisis artístico hay que determinar el tema de manera descriptiva sin llegar a interpretaciones, definir el estilo y el medio (pintura, escultura, fotografía etc.) y finalmente proceder a una posible interpretación más allá de la descripción obvia  y nuestros juicios y visiones de mundo. Mi consejo final, como ya lo he dicho en otras entradas, es que nunca se juzgue el pasado con los criterios del presente.

Aplicación de lo aprendido

¿Te aventurarías a hacer un análisis formal a alguna de estas “famosas” obras, siguiendo las metodologías mencionadas?

Diego Velázquez, Las Meninas.

Diego Velázquez, Las Meninas.

Pablo Picasso, Guernica.

Pablo Picasso, Guernica.

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria.

Salvador Dalí, La persistencia de la memoria.

Into the Wild (2007)

Into the Wild, Poster

Into the Wild, Poster

No sé si fue el sentimiento de decir adiós a algún sueño o alguna excusa para sacar a pasear a la nostalgia y a la melancolía, pero por una cuarta o quinta vez, la fuerza me empujó a ver la película Into the Wild. Hacia rutas salvajes, en español, está basado en el libro homónimo del escritor Jon Krakauer.

Este film narra la historia verídica del joven Christopher McCandless. Decepcionado y hastiado de las costumbres y el estilo de vida de su familia y las personas cercanas a su círculo, Christopher una vez se graduó decidió vivir como un nómada por diferentes estados de los Estados Unidos. Christopher es uno de los típicos héroes que carga una lucha eterna consigo mismo y su naturaleza, desgraciadamente su valía y brillantez no fueron suficientes para salvarlo de su propio ser.

Las crisis y los problemas familiares de Christopher lo llevaron a refugiarse en los libros desde temprana edad, desarrollando un afín predilecto por las obras de filosofía naturalista y existencialista, piezas claves y fundamentales a la hora de tomar su decisión. Christopher no es muy diferente a Alonso Quijana quien se refugió en sus libros de caballería y se hizo a si mismo un personaje literario, en su intento por medrar una sociedad decaída.

A lo largo de su viaje hizo un recorrido desde el sur, oeste y norte de América, pasando por California, Oregon y South Dakota. Conoció a diferentes personas, nuevas costumbres, visiones de mundo, pero también nuevas decepciones que lo hicieron tomar su más radical decisión; irse a vivir a Alaska sólo en contacto con la naturaleza.

Into the Wild te enfrenta a una realidad que desde antes del 1996, año que se desarrolla la trama, se refleja en la sociedad y hasta el día de hoy se arrastra; la deshumanización del hombre. Desde muchos años antes de los noventa es palpable la gran crisis en los valores humanos, algo que va más allá de cuestiones religiosas. El respeto, la tolerancia, la caridad, el entendimiento, el apoyo y muchos otro valores, son cuestiones humanas que irónicamente apreciamos más en los animales y plantas que en la sociedad.

Al finalizar este film nos quedamos con un agridulce sabor de labios, por un lado enfrentamos a una sociedad corrompida que nos llena de frustraciones y desengaños, pero por otra parte reconocemos que no podemos vivir en soledad y la película nos echa en cara la necesidad que tenemos de los demás. Christopher aprendió mucho a lo largo de su corta vida. Sin embargo, las lecciones mayores, que a mi entender, fueron el perdón y la aceptación, llegaron un poco tarde. Un mal golpe de suerte acabó con su vida y su sabiduría.

Califico esta película con 9/10.

Acentuación Masculina

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann fue un pintor y grabador alemán, generalmente catalogado como impresionista. Sin embargo, queda evidenciado, en sus obras y algunas memorias, que participó en corrientes y movimientos artísticos como el Modernismo, Simbolismo e Historicismo. Colaboró y aportó enormemente a la iniciativa Neues Weimar siendo el artista al cual el museo homónimo le dedica y rinde tributo en la actualidad.

Ludwig von Hofmann, Adam.

Ludwig von Hofmann, Adam.

La plástica de von Hofmann resalta la juventud y la belleza masculina. Sus principales obras son composiciones de modelos masculinos, desnudos o semidesnudos, que disfrutan de su compañía o se encuentran en actividades de ocio en contacto con la naturaleza. La embriaguez pictórica del extraordinario von Hofmann es alcanzada gracias a la fusión del desnudo masculino con los coloridos paisajes y escenarios.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann ha sido uno de los artistas plásticos que mejor trato estético ha dado al cuerpo masculino. Sin abundantes estudios anatómicos o científicos, von Hofmann plasmó su gusto y admiración por la desnudez  masculina, sin caer en los desnudos vulgares, pero contribuyendo al estereotipo del físico masculino que nuestra sociedad ha heredado con gran arraigo.

Ludwig von Hofmann, Reiter an südlicher Küste.

Ludwig von Hofmann,
Reiter an südlicher Küste.

A mi juicio los paisajes de von Hofmann fueron tan significativos como los de Vincent van Gogh para el desarrollo de movimientos como el Fauvismo. El trato que le dio von Hofmann al desnudo masculino fue uno de los propulsores para el desarrollo del futuro término homoerotismo y por consiguiente una técnica y tradición para el futuro gay art.

Finalmente muchas otras de las vanguardias del siglo XX se beneficiaron inmensamente de la nociones y percepciones de von Hofmann, por ejemplo contemplad la imagen de arriba de von Hofmann y decidme si no es inevitable pensar en Der Blaue Reiter.

Adynaton: Las Fronteras de lo Imposible

Antes los ríos caudalosos resbalarán desde el vasto mar,
y antes el año invertirá el orden de las estaciones,
que mi cariño hacia ti se cambie en el fondo de mi corazón.

Adynaton by Hewsan

Adynaton by Hewsan

El Adynaton es una figura literaria familiarizada y vinculada con las hipérboles y en ocasiones con las comparaciones. Sin embargo, cabe señalar que mientras una hipérbole exagera desmesuradamente el contenido del discurso y un símil o una metáfora nos dan comparaciones directas e indirectas; el adynaton señala y representa lo imposible.

Existen quienes, por no adentrarse mucho en el mundo del saber y la razón, han clasificado los adynata como antítesis. Se les olvida a estas personas que lo que se opone o contrapone, no necesariamente es algo imposible.

Adynaton 2

Adynaton 2

La raíz del término se encuentra en el griego antiguo, incluso textos presocráticos son señalados y mencionados en los exempla. Es una figura literaria que se utilizó y está presente en la literatura latina, de aquí la adaptación gramatical y el usar la palabra adynata para su plural.

Curiosamente el discurso y la narrativa alemana son los que más han dedicado estudios y utilizan el término adynaton con regularidad. Al hacer una búsqueda en Internet, encontramos muy buenas páginas y análisis sobre este tema en alemán e inglés.

Artículos menos elaborados y más vagos aparecen en francés, italiano, turco, holandés y croata. Tristemente, en español ni siquiera encontramos una página de Wikipedia que de primera instancia nos defina y ejemplifique el adynaton. Eso sí, aunque no se estudia el término ni su trasfondo, la ortografía y los gramáticos han puesto el grito en el cielo y han dicho que la castellanización correcta del concepto es Adinatón.

pigs_flyingEl filólogo Ernst Robert Curtius, en su obra Literatura europea y Edad Media latina, cap. 5, habló sobre el adynaton diciendo que Habitualmente se usó como protesta de amor eterno:

“Antes pasará esto y lo otro que deje yo de quererte”.

Otros ejemplos tradicionalmente citados son:

“Cuando las ranas críen pelo”.
“Es más fácil que un camello entre por el ojo de una cerradura que un rico entre en el reino de los cielos (Mateo 19,24)”.

Muchos literatos y estudiosos especulan, y yo aseguro, que en el adynaton está la génesis de uno de los tópico más impresionantes y atrayentes de la literatura;  “el mundo al revés”. Y allí no acaba el asunto, hablando en términos bíblicos y religiosos citó a Isaías capítulo 11:

El lobo habitará con el cordero,
el leopardo se acostará junto al cabrito;
ternero y leoncillo pacerán juntos,
un chiquillo los podrá cuidar.
La vaca y la osa pastarán en compañía,
juntos reposarán sus cachorros,
y el león como un buey comerá hierba.

El mundo al revés. J. Bosch.

El mundo al revés. J. Bosch.

La historia de la salvación y el mundo idílico que nos ofrecen no sólo los textos cristianos, sino la gran mayoría de libros sagrados de las principales religiones, son un puro adynatón. A propósito y sobre el capítulo 11 de Isaías, arriba citado, a mí me trae a colación uno de mis poemas favoritos de Luis Buñuel; EL ARCO IRIS Y LA CATAPLASMA

¿Cuántos maristas caben en una pasarela?
¿Cuatro o cinco?
¿Cuántas corcheas tiene un tenorio?
1.230.424
Estas preguntas son fáciles.

¿Una tecla es un piojo?
¿Me constiparé en los muslos de mi amante?
¿Excomulgará el Papa a las embarazadas?
¿Sabe cantar un policía?
¿Los hipopótamos son felices?
¿Los pederastas son marineros?
Y estas preguntas, ¿son también fáciles?

Dentro de unos instantes vendrán por la calle
dos salivas de la mano
conduciendo un colegio de niños sordomudos.

¿Sería descortés si yo les vomitara un piano
desde mi balcón?

Me aventuro a concluir que algo tan poco estudiado en nuestra lengua, como lo es el adynaton, puede ser el origen de muchos otros tópicos literarios, figuras retóricas e incluso de movimientos artísticos tanto pictóricos como literarios.

¿Acaso no es el Romanticismo un gran adynaton? ¿No era lo imposible uno de los puntos y apartados de los movimientos de vanguardia del siglo XX? ¿No es la explicación de lo imposible lo que dio origen a las religiones, dioses, fuerzas sobrenaturales y los pilares de muchas sociedades contemporáneas?

bjnbcjDando mi perspectiva como académico y dejando de lado mi juicio, considero que el adynaton se debe estudiar y comprender como un recurso o figura literaria desde la antigüedad hasta el Medioevo. Desde el llamado Siglo de Oro y con la llegada de la Modernidad, hay que empezar a ver el adynaton como un tópico literario, tropo e incluso como un estilo de vida. En nuestros días donde impera la ciencia ficción y se a puesto muy de moda el concepto de “universos paralelos” evidenciamos que somos una sociedad, en su gran mayoría, heredera y llena del adynaton hasta el tuétano.