Ciclos “románticos”

La primera vez que me enamoré quizás tenía dieciocho-
Fueron sus manos,
Como las alas de un ruiseñor,
Usaba botas color café y una inmensa sonrisa,
Hicieron de mi corazón su amuleto.

La primera vez fue en una habitación cerca de la mía-
Mi mundo estaba de estreno en mil colores,
Pero la guerra siempre llega,
Muchos cuerpos compartidos se desmoronaron como Gomorra,
La añoranza causó anorexia, ansiedad, paranoia
Y una tumba para mi inocencia se excavó.

Estaba encendido,
Me convertí en piedra.

La segunda vez ya era adulto-
Me lancé sin pensarlo a sus brazos tiranos.
Su corazón era una tempestad,
Y me gustó la forma en que me miró
Cuando estaba en su cima.

La segunda vez fui más apasionado-
Mi corazón cada vez más apretado en su tormenta,
Vaciló entre el masoquismo y la perversión,
Ahora era rabia, ira y resentimiento lo que enterraba.
Ojalá supiera entonces lo que sé ahora.

Mi corazón se agrietó
Mis huesos se oxidaron.

La tercera vez estaba cansado-
Me envolví alrededor de él esperanzado,
Otra vez la atelofobia se esparció.
Y dejé que la idea de amor secara
Después de un tiempo.

Lo intenté,
Y estoy feliz de que no fuera suficiente.

Hotel Ponce Intercontinental

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Estructura principal

Estoy seguro que la pasión por los lugares abandonados debe tener algún nombre, de esos que son de las palabras más bellas, pero que todavía no he dado con él. En mi caso, una criatura romántica hasta la médula, resultan siendo espacios sagrados, pequeños lugares donde conectar con el Nirvana.

La tarde del pasado jueves me aventuré por el sur de Puerto Rico, al pueblo de Ponce. Allí muy cerca del Castillo Serrallés y la Cruceta del Vigía está la estructura del abanado Hotel Ponce Intercontinental.

Catalogado por periódicos locales como un fantasma a la vista, la historia del hotel se remonta a su año de apertura en 1960, siendo uno de los hoteles más lujos y destacados de la época, no sólo del área sur de la isla, sino de todo Puerto Rico.

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InterContinental, promoción

La aerolínea Pan American World Airways fue la creadora de la cadena de hoteles Intercontinental. En su génesis, el motor principal para estos hoteles era ofrecer hospedería y alojamiento a personal de la aerolínea y pasajeros, en lugares donde no existieran hoteles de lujo, como era el caso del municipio de Ponce.

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Más promoción

El diseño del hotel estuvo a cargo del arquitecto William B. Tabler, que optó por un modelo de estilo moderno que aprovecha la altitud geográfica de su ubicación para sacarle un mejor disfrute a las brisas y las luces naturales. El interior del hotel se decoró con lo que la historia local pasó a llamar estilo futurista, pero que poco o nada tiene que ver con el Futurismo italiano del siglo XX.

Ponce, y posiblemente toda la isla, recibió al Hotel con entusiasmo. La prensa local nos deja evidencia de esto. En el periódico El Nuevo Día, en su edición del 1 de febrero de 1960 aparecen las siguientes expresiones:

¡Hoy! Apertura del Nuevo…del Incomparable…Hotel El Ponce. En la costa sur de Puerto Rico…En la Señorial Ciudad de Ponce…En lo alto del Histórico El Vigía…Se Yergue majestuoso y regio…¡El Ponce!

¡El Ponce no es otro hotel más! Es el Hotel que vislumbrará a todos por su localización privilegiada y única; Por su belleza incomparable y la variedad panorámica que se domina desde sus terrazas, habitaciones y balcones;Por su elegancia; Por el Servicio esmerado que ofrece; Por su cocina típica e Internacional. Decididamente el Hotel Ponce se impondrá como un Hotel excepcional.

¡Y que muchas cosas agradables se ofrecen en El Ponce! Moderna piscina circular; comodidades y facilidades para visitantes y huéspedes, para reuniones y almuerzos de hombres de negocios, para fiestas privadas; ambiente siempre distinguido y selecto.

¡Y es muy fácil llegar al Ponce! El Hotel queda a solo media hora de San Juan por avión; a dos horas de San Juan en automóvil. Si está usted en Ponce, solo tendrá que subir a la loma.

Los esperamos a todos a comer los deliciosos almuerzos-Buffet, que solo costarán $3.75; a Bailar y comer en el elegante Salón Ponciana, donde los precios a la carta fluctuan entre $2.85 y $6.50; A Saborear Cocteles en el simpático Bar Coquí; o a comer en el ambiente familiar de El Cafetal.

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El show de Iris Chacón

En su corta vida, el hotel sirvió de cobijo y albergue a celebridades locales e internacionales, políticos que gustaban de almorzar y fijar sus reuniones en sus salones, turistas de diferentes regiones del mundo y a muchísimos puertorriqueños que gustaban de visitar la ciudad señorial y del repertorio de actividades que brindó el hotel.

La ubicación del hotel es de ensueño, en la loma del sector El Vigía, cuenta con una de las vistas más espectaculares a todo el centro urbano de Ponce, la costa sur de Puerto Rico y la isla de Caja de Muerto en el Mar Caribe. Sumado a las atracciones turísticas ya mencionadas; el Castillo Serrallés y la Cruceta del Vigía.

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Foto desde el 5to piso 03/09/2017

En 1975, en lo que todavía sigue siendo un misterio, el hotel cerró operaciones alegando razones económicas y conflictos laborales. Algunos sectores señalan el difícil acceso al hotel y la negativa del gobierno por mejorar el camino, como principal motivo del cierre. Se ha mencionado también, el descenso de la CORCO y por consiguiente bajas en los intereses en la costa sur de la isla, como motivo del cierre del hotel. Los años siguientes fueron de rumores, especulaciones e intereses en reabrir y renovar el hotel, pero ningún proyecto vio la luz.

CQtKKjhUkAA26wYEl 1985 es un año que marcó la historia de Puerto Rico con la tragedia o desastre de Mameyes. Intensas lluvias productos de una onda tropical desprendieron los terrenos del sector Mameyes en Ponce, dejando 129 muertos y alrededor de 300 familias sin hogar. Rafael Hernández Colón, gobernador de turno, compró las facilidades del hotel para designarlo como refugio y albergue de los damnificados. Una vez reubicadas las familias, y sin ningún huésped, el hotel fue completamente abandonado.

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Pasillo principal

Diferentes compañías del sector privado y algunos proyectos públicos, han intentado revivir el hotel. Ningún proyecto a visto la luz. Muchos apuestan por la demolición de la facilidad y la construcción de apartamentos de lujo, otros abogan por remodelar y aprovechar las facilidades ya existentes. El desacuerdo y las trabas siguen imperando y siendo la orden del día.

Pese a todo esto, el hotel continúa recibiendo a muchos curiosos y amantes de lo abandonado, como yo, que guiados por la curiosidad y los rumores, se entregan a unos muros cargados de historia, añoranza y nostalgia.

Muchos de los refugiados de la tragedia de Mameyes murieron en las facilidades debido a heridas y complicaciones que recibieron durante la desgracia y su traslado. Esto ha sido un punto de partida para cuentos y leyendas urbanas y paranormales.

Los grupos de parapsicología que visitan el hotel reportan apariciones, siendo el sótano el lugar con más índice de actividad paranormal. En los reportes también se señalan voces de hombres y mujeres, música bailable, risas, gritos, llantos y lamentos (posiblemente de las víctimas de Mameyes).

Hace cinco años un hombre falleció al caer del tercer piso del hotel. Todo apunta a que fue un suicidio, concordando con unas de las apariciones reportadas en el cuarto piso donde una mujer se lanza desde el balcón. En el recorrido por los alrededores del hotel curiosamente encuentras la siguiente nota:

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IMG_2093Noticias más recientes revelaron que el cadáver de un joven de 18 años fue encontrado con el cráneo roto, en el área de la piscina. Sumando así más horror y fascinación a este lugar. Personalmente no puedo afirmar los rumores y las historias, mi furor y excitación eran tan altos que yo sólo tomaba fotografías y escuchaba los gritos de advertencia de mi compañera.

Pero la leyenda dice que si te quedas el tiempo suficiente en el área del recibidor o en el sótano escucharás a gente hablando, caminando, riéndose y gritando, como si el hotel tuviera las puertas abiertas…

 

 

Colores sonoros escuchan mis ojos

Hoy he revivido un episodio con un amigo, así que os vuelvo a compartir esta entrada.

Mazorca triste con pelo largo de otra cosecha

»Después de comer alcachofas el agua tiene sabor a azul.«

A diferencia de muchos, en lo personal, guardo perfectamente eventos y sucesos de mi niñez e infancia. Mi lengua vernácula fue el español, al estilo castellano utilizando el vosotros que desapareció del español de América. Por otro lado mi padre para preservar sus costumbres y convertirme en alguien orgulloso de mis raíces me inculcó el català. Desarrollé mejor el español pues fue el idioma que escuché con más frecuencia. Cuando llegué al jardín de niños comenzó la introducción del inglés como segundo idioma. En mi caso el tercero.

Sinestesia, mis primeros años Sinestesia, mis primeros años

Me pude barajar básicamente bien entre blue, rojo, taronja. Para mí hablar español era hablar rojo. Pensar en catalán era pensar en naranja y escribir en inglés pues sencillamente; escribir en azul. Desde niño fui un estudiante bastante acorde y sobre la media por lo que no hablé…

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A little bit of Greco

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Doménikos Theotokópoulos, el Greco, es uno de mis pintores favoritos, así que hoy he decidido introducir un poco de su obra. Este magnífico artista, adoptado por España, se ubica cronológicamente en el periodo que llamamos Renacimiento, aunque a mi me gusta más clasificarlo como manierista.

Entre las muchas características que marcan el siglo XV europeo, resaltó la belleza ideal, que va más allá de la naturaleza, nos hayamos ante una beldad matemática en la cual la palabra clave podría ser proporción. Las medidas, el sistema métrico y la belleza artificial del mundo, se convierten en complementos necesarios para alcanzar el ideal de belleza del momento.

La perspectiva tridimensional o el afán de convertir algo de dos dimensiones en un espacio que aparente tres dimensiones, es otra peculiaridad de este siglo y es obtenida mediante los cálculos matemáticos, marcando un punto focal y trazando diagonales para luego acomodar los componentes de la obra en orden de tamaño ascendente.

El Greco, Laocoonte

El Greco, Laocoonte

Finalmente, y la que debe ser la característica más importante dado que otorga el nombre a este estilo artístico, es la vuelta a los modelos clásicos griegos y romanos o al llamado mundo grecorromano, grecolatino para otros. Distinto a lo que señalan muchos historiadores del arte, soy de la opinión que el Renacimiento no es una copia del Clasicismo, sino una inspiración basada en unos ideales de belleza, medidas y proporciones.

Es este entorno presentado, es en el que colocamos al Greco. No obstante, como pasa con la mayoría de los estilos artísticos, no son dogmas de fe y mucho menos estáticos de su principio a su final. Entran entonces subcategorías o, como prefiero llamarlas, corrientes que agrupan un conjunto de particularidades que permiten  y facilitan su estudio.

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Es así como llegamos al Manierismo aproximadamente para el año 1520. Cuando en el Renacimiento la belleza se supera por la emoción es que hablamos de Manierismo y es cuando, a mi criterio, mejor destaca y sobresale el Greco.

La formación del Greco se dio entre su natal Grecia, en Italia y España. Los roces religiosos a los que se expuso el artista a lo largo de su vida serán influencia decisiva en sus pintura y creaciones artísticas. En la Grecia del momento eran cristianos ortodoxos, pero el Greco pertenecía a la minoría católica, enfrentándose a una dualidad de principios artísticos y pictóricos.

El Greco es uno de esos artistas que logró un lenguaje pictórico propio, en otras palabras sus pinturas son reconocibles por rasgos únicos. Aunque en la historia del arte no hablamos de una Escuela del Greco ni utilizamos un adjetivo como greconiano, sin lugar a dudas, el Greco nos deleitó de una forma singular.

El Greco recibió su oferta de empleo desde España y es en la ciudad de Toledo donde el artista madura y evolucionas sus técnicas pictóricas. Mencionando algunos ejemplos de su trabajo, marcaré algunas de las características particulares y únicas que definen el Manierismo, pero más que nada al Greco.

Recalco que donde más destaca o, según algunos historiadores del arte, triunfa el Greco es en los retablos y la pintura religiosa. Esto no debe sorprendernos, dado que todavía es temprano en el tiempo para la aparición de múltiples museos y por lo tanto las formas más importantes en las que un artista plástico podía resaltar y ganar dinero y fama eran o en la corte o en la iglesia.

El Greco, La anunciación

La Anunciación, realizada entre los años 1575 – 1576, presenta el momento en el que el ángel Gabriel anuncia a María que será la madre de Jesús. El objetivo primordial de la obra es mostrar la espiritualidad. A simple vista, y más allá de la perspectiva central y el fondo clásico tridimensional, se aprecia la división de la obra en dos escenarios o mundos propios diferentes; el cielo y la tierra. Si bien no podemos afirmar que esto sea una técnica propia del Greco, sí fue él uno de los que mejor la utilizó.

Seguido de lo mencionado, destacan los colores antinaturales o colores imposibles, algo puramente del Greco. Estos colores eran básicamente imposibles en las vestimentas de la época, lo que causaba una emoción máxima en los espectadores.

En la virgen María notamos que esta vestida de los colores rojo y azul, aquí nuevamente el Greco fue un pionero en la historia del arte creando una iconografía y simbología en la vestimenta de la virgen, basada en los códigos religiosos de la Contrarreforma y que abundó en esta entrada anterior. La virgen con esta vestimenta representa a la virgen madre, posterior al milagro.

El expolio, es una obra emblemática del Greco. Luego de su realización la Catedral de Santa María de Toledo decide no pagarle al artista. La razón que da la iglesia es que es un cuadro que no se ajusta a los ideales de la Contrarreforma y a los valores de los católicos del sur. Todas las imágenes del momento, más rigurosamente en España, eran controladas por la iglesia, pues las mismas iban a inculcar un dogma.

El Greco, El expolio

El Greco, El expolio

El litigio entre el Greco y la Iglesia se extendió y se aclaró que no era un problema de calidad artística, sino de representación escénica. Nuevamente, hayamos la perspectiva central, la división en dos mundos, los colores imposible, pero ahora nos encontramos frente a una nueva peculiaridad del Greco; las figuras alargadas.

Los conflictos que la iglesia planteó al Greco eran que algunos personajes eran más altos que Jesucristo y le roban protagonismo, era una escena del siglo I y aparece un soldado del siglo XVI y en la parte inferior izquierda de la obra aparecen las tres Marías, algo que de acuerdo a la Biblia jamás sucedió en el momento en que van a desnudar a Cristo para ser crucificado.

El Greco de forma muy elocuente responde a la iglesia planteando que efectivamente hay personajes más altos que Cristo, pero él lleva ropa roja lo que acapara toda la atención, aunque si hay un soldado del siglo XVI, no podían olvidar que el dogma de Cristo no tiene caducidad y cierra mencionando que a pesar de que ningún evangelio dice que las tres Marías estuvieran juntas, el utilizó un libro de San Buenaventura que habla de la humillación que sintieron las tres Marías en el momento que desnudaron a Jesucristo.

Gracias a la polémica levantada por la iglesia El expolio se hizo famoso y el Greco se dio a conocer en toda la península Ibérica, la iglesia nunca pagó por el cuadro lo que lo hizo un fracaso económico, pero irónicamente a su vez un éxito publicitario.

El objetivo del Greco se convirtió en ser pintor de Felipe II, el monarca más poderoso del momento y que se encontraba trabajando en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Felipe II encargó una obra al Greco para el Escorial y el artista realizó El Martirio de San Mauricio.

El Greco, Martirio de San Mauricio

El Greco, Martirio de San Mauricio

Esta, que fue la gran oportunidad del Greco, no cumplió con las expectativas del rey. Felipe II pagó 500 ducados por la obra, pero no le encargo ninguna otra pintura al artista. La opinión del rey coincide con la de la iglesia, la obra no se adapta a los ideales de la Contrarreforma. El arte del Greco se apreció como uno pasivo y benevolente, no agresivo.

El cuadro no muestra claramente quien es San Mauricio, un hombre que se negó a reconocer a otros dioses y se convirtió en santo. El Greco puso el énfasis de la obra en la decisión de morir por la religión y no llenó las expectativas del monarca. En el cuadro se acentúan todas las técnicas que ya he mencionado del Greco, sobresaliendo más que nada las figuras alargadas y los escorzos en el mundo divino.

El Greco es el maestro de la técnica del escorzo que consiste en representar una figura saliendo de la perspectiva central hacia el espectador, una de las más difíciles técnicas artísticas. En el mundo del arte homoerótico moderno, se señala al Greco como uno de los pintores que mejor embellecé y resalta la figura masculina, esta obra bien podría ser un ejemplo de ese señalamiento.

Luego del fracaso con Felipe II, el Greco se quedó en Toledo y sólo trabajó la pintura religiosa, con alguno que otro retrato. El mercado del arte del momento eran las iglesias y afortunadamente el Greco se convirtió en el favorito de las iglesias.

El Greco, Entierro del conde Orgaz

El Greco, Entierro del conde Orgaz

Para cerrar este pequeño viaje por la obra del Greco presento la que a mi juicio es la obra más madura y fluida del artista; El entierro del Conde Orgaz. Esta obra fue un encargo del párroco de la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. La obra dividida en dos mundos, el celestial y el terrenal, utiliza a los ángeles como elemento de transición entre ambos y que representan al alma del conde Orgaz.

En la tierra ocurrió un milagro, un hombre tan bueno muere y dos santos descienden del cielo a cargar su cuerpo, los santos son San Esteban y San Agustín, los símbolos en su ropa los identifican. Según el dogma católico, ni los santos, ni los milagros caducan. El cielo se observa como una explosión o derroche de luz, algo que nos acerca a las ideologías dantescas del paraíso.

Dios, la virgen María y san Juan forman un triángulo, la figura perfecta por excelencia. La virgen madre, vestida de rojo y azul, es acompañada por un sinfín de santos, representativos de los dogmas del catolicismo. Una curiosidad señalada es que en el espacio celestial el Greco pintó a Felipe II. Los historiadores del arte dividen sus opiniones sobre el porqué Felipe II aparece en la pintura. Para algunos el Greco no perdía la esperanza de trabajar para la corte, para otros es la manera de pensar y vivir en ese siglo lleno de guerras, el rey está en el cielo porque está haciendo todo lo posible por la única religión.

El Greco, el caballero de mano en el pecho

El Greco, el caballero de mano en el pecho

A manera de conclusión coloco algunos de los retratos y paisajes que realizó el Greco. Aquí resalto las técnicas de los rostros simétricos y los aros de luz que bordean los personajes y elementos haciendo juego con los fondos neutros y los semitonos.

Considero a este artista un eslabón fundamental en la cadena de la historia del arte. No podríamos hablar de pintura religiosa española sin tocar al Greco, tampoco hablar de pintura metafísica sin la simbología que en su momento el Greco comenzó. En el mundo español es aún más vital dado que como se observará en futuras obras de Velázquez, Goya, Picasso y Dalí, las alusiones e influencias del Greco son muy evidentes.

Tristemente con la muerte del Greco se pasó al Barroco y se olvidó un poco al artista. Elementos barrocos como el tenebrismo y los claroscuros ya son apreciables en las obras finales del Greco, así como una pincelada suelta y cada vez más alargada.

El Greco, Vista de Toledo

El Greco, Vista de Toledo

 

Pintura para pensar

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Ya comenté un poco el arte italiano del Futurismo, hoy pongo los ojos nuevamente en Italia, que fue la cuna de otro de los grandiosos movimientos artísticos; La Pintura Metafísica. Esta corriente artística fue gestada por el magnífico Giorgio de Chirico y uno de los grandes del Futurismo; Carlos Carrà.

Las pinturas de los metafísicos suelen representar plazas o lugares públicos idealizados y acompañados de una inmensa yuxtaposición de objetos, creando así un mundo en el que convergen las visiones con el inconsciente del artista. La Pintura Metafísica fue, sin lugar a dudas, necesaria y una de las principales fuentes de inspiración para el desarrollo de los futuros movimientos llamados Dadaísmo y Surrealismo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Ejemplos como “La Conquista del filósofo” de Giorgio de Chririco abarcan una obra completamente llena de elementos y factores tanto objetivos como subjetivos. No es posible pasar por alto algo, dado que todo en la representación goza de un simbolismo y significación mucho más importante que las pinceladas, colores o método de elaboración. Es de vital importancia el paso del tren bajo el reloj, como las alcachofas del primer plano, símbolos de sabiduría, conocimiento y que no debemos olvidar que hay que llegar al corazón de la alcachofa para deleitarnos con su sabor.

El gran juego

El gran juego

La inquietud por explorar el mundo interior del artista y el deseo por representarlo fueron los detonantes para crear esta nueva corriente artística. La Pintura Mestafísica suele estar cargada de objetos cotidianos que tienden a ser sacados de su contexto original por los artistas, dándole estos sus particulares y personales significados y representaciones. En la mayoría de las pinturas la yuxtaposición de los componentes suele unir diversos mundos o tiempos, e incluso hacernos ver un mundo irreal como real. 

DE CHIRICO 1La mayoría de objetos, plantas, edificios y demás componentes suelen ser representados de una forma que cumplen con las definiciones sociales de “realidad”, sin embargo, el contexto y el mundo de la pintura suele estar lleno de destinos o lugares que no suelen responder a la realidad representada de las cosas. Así pues, podremos ver un tren en el cielo, frutas tropicales en el ártico, entre una gran cantidad de elementos y escenarios “incompatibles”.

Georgio Bains mystérieux avec statue ou L'Idole des bains mystérieux , vers 1948El simbolismo es un elemento esencial en la Pintura Metáfisica y de vital importancia para la correcta comprensión de las obras y el movimiento artístico. Es por ello que muchos críticos del arte y estudiosos llaman a este movimiento como uno “elitista” que fue sólo para un sector social.

Más allá de las mencionadas críticas, en lo personal, considero que es un movimiento que necesita ser estudiado para ser entendido, pero no por ello debe ser etiquetado como secesionista y burgués.

Giorgio de Chirico, Palfreniere con due cavali, 1937Los juegos de colores, escenarios y elementos componen retruécanos pictóricos que es a mi juicio uno de los mejores legados de la pintura metafísca. En suma las complementaciones geográficas, territoriales y los elementos clásicos grecorromanos así como los toques homoeróticos hacen de Giorgio de Chirico uno de mis artistas preferidos y un gran maestro que sirvió y sigue sirviendo de inspiración a muchos artistas.

Catalina de Aragón y Castilla

“La hija de los Reyes Católicos soportó con admirable estoicismo la presión de un rey terrible y de toda su corte, y con voluntad férrea y tremenda dignidad,  fue capaz de cambiar la historia de Inglaterra para siempre”.


Maria Doyle as Catherine of Aragon

Maria Doyle as Catherine of Aragon

Catalina de Aragón y Castilla fue la menor de los hijos de los Reyes Católicos y miembro de la Casa Trastámara. Se entiende que nació el 16 de diciembre de 1485 en Alcalá de Henares. Al igual que sus hermanos recibió una educación señorial que la preparó para ser reina.

Las leyes sucesorias de Castilla y Aragón eran claras, como lo son al día de hoy, y la condición de género, sumada a la de número, hacían casi nula la posibilidad de que Catalina llegara a ser reina castellana o aragonesa algún día. No obstante, un país con el cual los respectivos reinos tuvieran una buena relación diplomática hacía a Catalina una joven promesa para la regencia.

Juan de Flandes, Catalina de Aragón.

Juan de Flandes, Catalina de Aragón.

La enemistad y apatía con los galos fraguó muchos planes futuros y entre ellos, la alianza matrimonial de Catalina. Fernando II de Aragón tenía como objetivo aislar el territorio de su rival, por ello pactó el matrimonio de su primogénita Isabel con el primogénito de los reyes de Portugal. El sucesor directo al trono, y único hijo varón de los Reyes Católicos, se prometió a la hija del emperador alemán, Margarita de Austria. El matrimonio de Juana quedó concretado con Felipe, el heredero de los reinos de Flandes y Catalina fue enviada a las Islas Británicas como parte del pacto que la convirtió en esposa del joven Arturo, heredero de la nueva dinastía que unió a las casas de York y Lancaster; los Tudor.

La historiografía entiende que Enrique VII vio en la casa Trastámara la carta de naturaleza para su futura estirpe, mientras que Fernando II encontró la válvula para ejercer un control y sitio más efectivo al territorio francés.

Físicamente, Catalina contaba con varios rasgos que la hacían muy parecida a las mujeres británicas. De otro lado la intachable educación que recibió la infanta y su fluidez y manejo de la lengua extranjera, fueron una baza que le dio legitimidad y prestigio social tanto ante la casa Tudor como ante la plebe británica.

Isabel de Castilla

Isabel de Castilla

En las memorias y correspondencia entre los nobles de Castilla y Aragón se habló mucho del gran parecido que Catalina tenía con su madre, la reina Isabel. Estas apreciaciones quedan comprobadas, a mi criterio, al contemplar las pinturas y retratos del momento, tanto de artistas castellanos como británicos y flamencos.

Luego de la Boda, Catalina y Arturo pasaron al Castillo de Ludlow donde sólo Catalina sobrevivió al invierno galés. A los 17 años y con la mitad de la dote pagada, Catalina era una princesa viuda y otra ficha más en el ajedrez histórico europeo.

El panorama fue totalmente gris para Catalina, se barajaron distintas opciones a un ritmo lento y pausado. Pasaron años mientras se discutían las soluciones y la joven viuda permaneció a la luz del ostracismo. El asunto de la nulidad del matrimonio solo podía ser resuelto por el Papa. La resolución que parecía prometer más era concretar un segundo matrimonio para Catalina, ahora con el siguiente heredero de los Tudor, el joven Enrique.

Sumado a todo, la guerra de los reinos ibéricos en la península itálica había dejado las arcas más vacías que llenas y la muerte de su madre, la reina Isabel, dejó a su hermana Juana gobernando en Castilla y a su padre Fernando en Aragón. Un nuevo matrimonio requería una nueva dote y Castilla no estaba en la mejor situación económica para el mismo y el rey Fernando no deseaba pagar con su corona los costes de la castellana.

Ana Torrent as Catherine of Aragon

Ana Torrent as Catherine of Aragon

Catalina enfrentó vicisitudes desde sus tiempos como princesa. Las tensas relaciones entre su padre y Enrique VII le costaron penas e infortunios que vivió desde una patria ajena y con las intransigencias y hostilidades de unos cortesanos complicados y diversos. Sin embargo, la infanta no dio marcha atrás en ningún momento y se aferró a la religión y a su linaje para soportar lo que fuera que le llegase.

La muerte de Enrique VII y la coronación de su hijo despejaron la nubarrada vida de Catalina, pues el príncipe la escogió como esposa. Varias novelas históricas relatan un amor secreto entre ambos y los historiadores cuentan la alianza estratégica que el matrimonio significaba, solo Enrique VIII conoció la verdad detrás de sus acciones.

Henry-Katherine-catherine-of-aragon-32118428-1275-1920Catalina era mayor que Enrique, su educación y madurez la hizo una reina activa y participativa en los primeros años de Enrique VIII. Cabe señalar, la buena formación diplomática que recibió Catalina y que fue de gran consejo y ayuda a su esposo.

Como historiador, recalco y me asombro de las relaciones internacionales durante su reinado y señalo a Catalina como la primera mujer, y sin duda alguna la mejor, embajadora que tuvo la corona británica. En 1507 se destacó como embajadora para la Corte española en Inglaterra. Su fluidez en los idiomas inglés, español, francés, latín y griego clásico le colocaban muy por encima de la mayoría de los hombres diplomáticos no sólo de Gales, Inglaterra y Escocia, sino de toda la Europa del siglo  siglo XVI. Hoy conocemos a Catalina como la primera mujer embajadora en la Historia europea.

No menos importante fue su conocimiento cultural. Viviendo en un territorio donde los movimientos artísticos y culturales no llegaban tan tarde como en su reino natal, Catalina fue una heredera del humanismo, siendo un factor que no sólo lo demuestra su educación, sino que también lo comprueba su excelente amistad con Tomás Moro y Erasmo de Rotterdam.

Escudo de Armas de Catalina de Aragón

Escudo de Armas de Catalina de Aragón

Al Enrique VIII partir a la guerra con Francia, Catalina quedó como regente del trono y en ese periodo se libró la batalla contra Jacobo de Escocia en Flodden. Catalina jugó un papel destacado en ese proceso y la victoria inglesa del mismo, sumándole más puntos al afecto y la estima popular.

Pese a tanta gloria, la dicha no siempre puede ser perfecta. La mentalidad del momento más que ensalzar las grandes obras de Catalina, una reina sólo tenía una labor primordial; alumbrar un heredero varón. El  primer embarazo de Catalina culminó en aborto y el segundo aunque fue un niño, murió a los  52 días. El 18 de marzo de 1516 nació María Tudor, la única superviviente de sus seis embarazos.

Poco a poco la decepción de Enrique VIII se hizo evidente y Catalina pasó a una posición de abandono. Entre las actividades y vicios del rey fue que conoció a Ana Bolena, hermana menor de una de sus amantes y con la que posteriormente inició una relación que culminó en el cisma de la iglesia británica y la búsqueda definitiva por la anulación de su matrimonio con Catalina.

El capricho del rey, la oportunista familia Bolena y mentes religiosas perversas como la del cardenal Wolsey fueron fraguando el paulatino abandono y el fin del reinado de Catalina. Amparados en un viejo texto bíblico del Lévitico:

“Si un hombre intima a la mujer de su hermano morirán sin descendencia…”

IMG_5489Más que perder la corona, el peligro que arropó a Catalina fue la legitimidad de su hija, que de la noche a la mañana podría pasar a convertirse en una bastarda. Las cartas de Catalina a su sobrino el emperador Carlos V (hombre más poderoso del momento) y al Papa Clementa VII pedían no por ella, sino por la pequeña María.

Catalina fue aislada de todos, incluso su hija. Redimió su tiempo en el estudio del derecho canónico y la preparación de su defensa. La incapacidad de Wolsey trajo a Cromwell al escenario británico, principal enemigo de la reina Catalina y gestor de la única vía posible para los propósitos de  Enrique VIII, la ruptura con Roma.
Catalina fue despojada del título de reina y volvió a ser la princesa viuda de Gales, al final se le expulsó de la corte y pasó sus días en el exilio con apenas un par de damas de compañía y la imposibilidad de volver a a ver a su hija.

Es meritorio destacar que aún en el exilio Catalina se mantuvo firme en sus posturas y convicciones, se comportó como una reina hasta el día de su muerte. La historia de Ana Bolena no deja de ser tan intrigante como fascinante, pero no debe quedar duda que la auténtica y verdadera reina de las Islas Británicas fue Catalina de Aragón, la mujer que cambió el rumbo de la historia británica y la primera embajadora y diplomática europea.Eustace Chapuys, el embajador imperial en Inglaterra dijo de Catalina:

Si hubiera nacido varón superaría a todos los héroes de la historia.

Su enemigo Thomas Cromwell, dijo de ella:

“Si no fuera por su sexo, habría desafiado a todos los grandes de Europa”.

Y finalmente Ana Bolena, coronada en 1533, tres años después, con la muerte de Catalina, dijo:

 “¡Ahora por fin soy reina de Inglaterra!”

El GRANDE de los grandes

>>No puedo expicar la sensación al ver eso, me invadió y me consumió. Toco tan hondo que no me podía quedar tranquilo.<<

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, sin lugar a dudas, ha sido uno de los artistas más grandes que ha tenido nuestra historia. Aunque fue poseedor de un talento innato para crear obras de la magnitud de Velázquez, elaboró un lenguaje propio, muy personal y único.

Pablo Picasso

Pablo Picasso

Picasso abandonó su natal Málaga a temprana edad, estableciéndose en Barcelona; ciudad que sin duda marcó la evolución artística y su visión de mundo. Muchos artistas se parecen a su ciudad, Barcelona fue la Ciudad de la Furia para Picasso.

 

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso es una figura clave en el desarrollo de la pintura y la democratización del arte. En su carrera encontramos pinturas tradicionales españolas, pinturas melancólicas y nostálgicas muy características de su “Periodo Azul,”

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

los vaticinios de un cambio radical, que comenzó en el que los historiadores del arte llamaron “Periodo Rosa”, figuras colosales, diferentes perspectivas conviviendo en un mismo plano, geometrización y un sinfín de nuevas características nunca antes vistas, o muy poco tratadas, en el mundo de la Historia del Arte.

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Les Demoiselles D'Avignon. 1907.

Pablo Picasso, Les Demoiselles D’Avignon. 1907.

La constante búsqueda y el interés en otras culturas, como la africana, llevaron a Picasso a adentrarse en un mundo mágico que tuvo como resultado el “cubismo“.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso fue una figura clave para los posteriores movimientos de vanguardia en Europa. Gracias a él, el arte comenzó a dejar de ser una simple reproducción o representación simbólica. Picasso dio una nueva definición al arte. Un arte libre que no se rige por reglas arcaicas y que no es exclusivo a los sectores elitistas de la sociedad. 

Gracias y feliz cumpleaños Picasso.

Babel y Laberinto

I’m a binary code that you cracked long ago…

Bœuf – Vendémiaire -2013

 

Amado mío:

 

Te expliqué la razón de mi soledad. Aquel día cumplí un siglo más de varios vagando señero. Muchos, por más que lo intentaron, no lo lograron. No es fácil desprenderme del todo de mi pasado. Soy él, el enamorado, una de esas personas que quiere y espera una vida entera.

Mis leyes y mis dioses, son todos antiguos y fuertes, pero sobre todo, y más que nada, leales. Mis costumbres son irrompibles, jamás las podré traicionar, más allá de ser tradiciones caprichosas, son parte de mi ser.

Nuevamente, traes el tema a mí, como el asesino la escena. Te conté las razones para evitarte y evadirte, siempre quise serte indiferente. Tú, a quien hablo de él, el voluntarioso, aceptaste mis ritos para poder quererme. Ese fue el primer error de muchos que llegaron. El amor es un vínculo entre dos, un sello de permanencia que no tiene cabida para terceros.

Lo hablamos y lo meditamos e incluso discutimos de manera no tan agradable en muchas ocasiones. Al final tú (el voluntarioso) juraste lealtad a esos dioses antiguos y a mí (el enamorado). En todo momento estuvimos conscientes de nuestros actos.

Que fugaz fue tu querencia, que iluso fui como enamorado. Rompiste un vínculo sagrado y los efectos funestos llegaron al incumplir tu palabra. Ahora tu castigo es recordar tus pecados y piensas que no hay calamidad peor, pero olvidas que el coste final es de sangre y ese golpe, querido, sólo me corresponde a mí darlo. 

 

Besos,

-Aurélien

El Museo del Romanticismo

Noche triste viste ya,
aire, cielo, suelo, mar.
Mirando del mundo profundo solaz,
esparcen los sueños beleños de paz.

Museo del RomanticismoCreo que no es un secreto para nadie que soy un romántico empedernido, así que porque no aprovechar los ratos que me quedan libres para complacerme y dedicarme al savoir-faire, llegando así al Museo del Romanticismo en Madrid.

Este magnífico y sencillo museo, fue fundado por el Marqués de la Vega Inclán quien donó la mayoría de sus obras y proyectó el foco y enfoque de la institución artística. Aunque sin el Marqués no existiera hoy día el museo, es de igual importancia la aportación de José Ortega y Gasset. Este filósofo español en su obra; Para un museo Romántico, creó una especie de manifiesto sobre los postulados y rigores a tomar en cuenta para la creación de un nuevo museo, uno romántico.

Como nos señala en su obra Ortega y Gasset, el Museo Romántico es una encomienda. El Romanticismo resume la vida española de la primera mitad del siglo XIX. Me atrevo a decir que incluso los estilos de vida e ideologías como el nacionalismo vasco y catalán, también absorbieron y enriquecieron sus soportes con el movimiento artístico y literario que llamamos Romanticismo.

Real Hospicio de San Fernando

Real Hospicio de San Fernando

En palabras de Ortega y Gasset, en el caso de Madrid fue gracias a los románticos que la historia se vistió de color. Originalmente el proyecto para el Museo Romántico estuvo enfocado en el edificio Real Hospicio de San Fernando, existía una necesidad estética incluso en las construcciones para reconocer y ensalzar lo oriundo de Madrid.

El estilo Barroco de la edificación representa el triunfo de la pasión sobre la razón. Sin embargo, José Ortega y Gasset demuestra y señala las similitudes entre Barroco y Romanticismo, pero aclara que el barroquismo en ocasiones reflejó una pasión muda, en contra parte el Romanticismo abundó en expresiones y palabras.

Aunque el Hospicio debió ser el edificio para el Museo Romántico, hoy día es el Museo de Historia de Madrid, quedando la época impregnada en sus muros y como la exhortación del filósofo a unos “vecinos sentimentales” evitó el deterioro y abandono de la instalación. José Ortega y Gasset satiriza alguno parámetros del Romanticismo, pero en los momentos de dar su opinión deja de entrevisto su alma pura y romántica.

Una mártir

Una mártir

El Museo del Romanticismo como lo conocemos hoy día es a su vez una clase filosófica de Ortega y Gasset, llevando el mensaje de la importancia de aprender a adoptar frente al pasado una actitud certera que nos guíe y no nos lleve a enfrentamientos erróneos y estériles.

La crítica al progresismo y la modernidad se marcó en las letras de Ortega y Gasset y hace eco en los muros del museo. Los progresistas, con su ingenuidad específicamente moderna, creen que sus puntos de vista son definitivos y los únicos admisibles. En ese sentido el progresismo del presente no ha cambiado en nada.

Vivimos en un afán de supeditar la vida actual y la pasada a un mañana que no llega nunca, esa es una de las enfermedades de nuestros tiempos y que la trasmitimos a las futuras generaciones innatamente.

Para vivir se debe aprender las ciencias y cultivar el arte como diría Ortega y Gasset; ser un dilettante apasionado de los modos de vivir. Para mí el museo del Romanticismo es un homenaje a la estética Romántica y marca la diferencia entre Museos Modelos y un nuevo género de museos que lleva tiempo tratando de emerger y la sociedad llena de clichés se lo impide.

No nos encontramos ante un museo que pretende reunir las obras de arte más valiosas, es un museo que demuestra el que aunque muchos llaman Mal del Siglo definió y continúa definiendo la vida española, europea y latinoamericana; el Romanticismo.

Si Dios Quiere Yo También

Si Dios Quiere Yo También

Si Dios Quiere Yo También

Los líos de la escuela graduada y mi próxima partida a Madrid me han tenido un poco desconectado de muchos asuntos y gustos personales, la música entre ellos, motivo por el cual no adquirí ni escuché el nuevo disco de Amaia Montero el mismo día que salió a la venta.

Hoy he tomado este domingo, mi último domingo tropical, para relajarme y reconectarme un poco con los descuidos. Mucho de mi crecimiento lo debo a Joan Manuel Serrat, pero también a bandas de música en español como La Oreja de van Gogh, Aventuras de Kirlian, Family, La Buena Vida y toda esa vibra que formó e irguió el tronco del Donosti Sound, tuvo su equivalente en Catalunya con Sau y hasta influyó en la tierras de la Argentina con Soda Stereo.

Guapa, Cover Frontal

Guapa, Cover Frontal

Nunca he entrado en las disputas y conflictos sobre la salida de Amaia Montero de la Oreja de van Gogh, tampoco lo haré hoy. Sólo digo que cada quién maneja su vida de manera que le resulte amena, Leire tiene mi respeto, admiración y cariño. No obstante, hay canciones como Muñeca de Trapo, Cuídate, Perdida, Dulce Locura, Cuéntame al Oído, París y Rosas que siempre serán de Amaia.

En seis años, desde el 2008 cuando Amaia Montero lanzó su disco homónimo como solista hasta el 2014, es palpable de mucha formas la evolución artística y musical de Amaia. Los primeros discos como solista, si bien fueron bastante personales y muy íntimos, no explotaron, a mi criterio, lo mejor de esta fabulosa cantautora.

Considero que con este nuevo álbum volvemos a Donostiarra, inmediatamente la primera canción; “Palabras” nos habla de despedida, introduciendo los tonos y escenarios melancólicos peculiares de Amaia. La Segunda canción; “Darte mi vida” presenta los juegos con el tiempo y los espacios. En el minuto 1:01 menciona el final del verano y realza el exquisito estilo melismático de Amaia Montero. Amigos no hay dudas ¡volvimos a Guipúzcoa!

“Y muero matando, te beso despacio y te digo que solo el amor ya no basta. Mis años mi vida mis noches en siete palabras…”

Palabras es para mí de esas canciones que aunque tengas el corazón lleno de los cánones sociales, la escuchas y se te corta la garganta, te ahogan las lágrimas y te deja con el corazón roto. Ahora a mí no se me ocurre ni una sola palabra para describírosla.

princess-diana-23-435Otras canciones como “Cuando canto” nos dice que fue de la Chica del Gorro azul que paseaba en bicicleta por el Monte Urgull:

“Me queda el mar, el gorro azul, la soledad…”

Bueno no analizaré en esta entrada todas las canciones, cierro con las alusiones y referencias directas que hace Amaia hacia grandes, no sólo cantantes y literatos, sino cineastas como Almodóvar en la canción “Abrazos rotos”.

Finalmente la canción “Azul Eléctrico” sigue el patrón de las antiguas “La chica del gorro azul” y “Vestido azul” aunque introducen el Feeling Blue anglosajón a la estética vasca, castellana y catalana, acabando de escuchar la canción la tomé como una respuesta al clásico de José Luis Perales; Por qué te vas. Así pues:

Todas las promesas de mi amor se irán contigo… (JLP)

Todas las promesas que recuerdo desde que era un niño… (AM)

—¿Me olvidarás? (JLP)

Me derrumbé… (AM)

Quedo con mucho más por decir, pero solo añado la enhorabuena a Amaia Montero por este disco y a seguir escuchándolo todo el día en repeat hasta que me las aprenda todas.

Califico este álbum con cinco estrellas.