El matrimonio Arnolfini (para relajarse)

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Como muchos de vosotros ya sabéis y como comenté y reseñé en la entrada anterior: El Matrimonio Arnolfini, esta magna obra del flamenco Jan van Eyck es mi pintura favorita.

La simbología, la técnica, las pinceladas, la originalidad y más que nada los vivos colores de la recién inventada paleta de óleo, son los ingredientes que convergen para deleitarnos con una joya tan exquisita como lo es esta pintura.

Una de las actividades que más disfruto del arte son las respuestas y renovaciones, o algunos llamarán copias e impresiones, que otros artistas hacen sobre una obra ya existente, ícono de la Historia del Arte. Así que aquí os muestro algunas versiones jocosas y divertidas del Retrato de boda de Giovanni Arnolfini y su esposa.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

Arnolfini1

Reflexiones en la Red

ArlequinaEn ocasiones no necesitamos saber el autor ni el título de una obra plástica para delirar. Es un momento en el que las metodologías y los años de estudio son un simple decoro, pues la colisión creada es un vínculo directo entre nuestra psiquis y la obra artística, utilizado los sentidos como vehículo de éxtasis y alucinación.

Eso que intento definir con palabras, y que tan difícil se me hace, fue lo que me sucedió hace algún tiempo atrás cuando navegando al azar me topé con esta obra a la que yo llamé Arlequina, todavía la admiro y el impacto sobrenatural sigue latente en mí.

Creando el “Físico Masculino”

George Quaintance

George Quaintance

George Quaintance, no es muy conocido fuera de la atmósfera del mundo gay mundo queer. No obstante, fue un gran pintor, fotógrafo, ilustrador y bailarín estadounidense. Quaintance nació en Virginia en 1902, viviendo los inicios del siglo XX.

El siglo XX fue el tiempo de las vanguardias, los ismos, las guerras y las censuras. Todo lo mencionado va a marcar y definir a Quaintance como persona, pero más que nada como artista. En esos años fueron legisladas muchas de las leyes homofóbicas más radicales de América. Otro factor que condicionó el arte de Quaintance.

George QuaintanceSu arte se caracterizó por las escenas y los juegos entre hombres, que generalmente están ambientadas y desarrolladas en la antigüedad clásica, como Grecia y Roma o el Lejano Oriente. Las mismas reflejan el gusto y goce de los hombres por las actividades entre sus pares y el disfrute de los juegos y la compañía masculina.

 

George-Quaintance-Homotography-7Los hombres representados por Quaintance son en general personajes fuertes, de un físico arrebatador, en buena forma, desnudos o semidesnudos, lo que elabora y acentúa el toque homoerótico peculiar de sus creaciones. Tanto el deseo como el interés sexual son factores casi explícitos en sus obras, sin embargo el artista logró mostrarlos lo suficientemente inocentes, en mi opinión no tan inocentes, para evitar las persecuciones de aquel entonces.

george-quaintance-apollo_oil-on-canvas_1952_sold-for-10350-00Las creaciones idealizadas de los hombres desnudos y musculosos que iniciaron con George Quaintance fueron la mayor influencia para crear el arquetipo del físico masculino, no sólo en el ambiente homosexual, sino que también en la cultura popular heterosexual. Estereotipos que desgraciadamente conservamos hasta hoy día.

George Quaintance 05En general se piensa en Quaintance como un artista gay, olvidándose que las revistas Beefcake como el caso de Physique Pictorial, fueron creadas para el público heterosexual masculino. El propósito inicial era promover el fitness y la salud, por lo que se mostraban fotografías de hombres jóvenes, guapos y musculosos en poses atléticas. Naciendo aquí el llamado “hombre ideal” o mejor dicho el “físico ideal”.

George Quaintance 12Aunque la figura de Quaintance no es estudiada lo suficiente en comparación a artistas como Andy Warhol, fue sin lugar a dudas uno de los pioneros del llamado arte gay. Fue el responsable de abrir un camino a artistas posteriores y mostrarle al mundo que un arte ha estado presente en la sociedad desde hacía siglos y va en crecimiento.

Al estudiar su plástica también encontramos toques que nos hacen pensar en grandes artistas como Giorgio de Chirico, Frédérich Bazille e incluso Egon Schiele en cuanto a lo abierto y explícito de la desnudes y las tramas.

quaintanceMuy a mi pesar debo decir que los estereotipos presentes en la obra de Quaintance, como los vaqueros o marineros exhibiendo su musculatura idealizada, siguen vigentes en la cultura gay contemporánea y son los más recurrentes en marchas y desfiles del orgullo gay, alejando a la comunidad de la aceptación y a mi criterio haciendo cada día más imposible la tolerancia y convivencia.

Cierro citando que Quaintance mostró un sentido simultáneo de pertenencia y aislamiento: no se identificó con su familia, al tiempo que se sentía ligado a «la experiencia y las memorias de muchas vidas». Fue ello lo que llevó al artista a buscar los escenarios de su obra en mitologías y fantasías locales, que enmascaraban y legitimaban a un tiempo el amor por otros hombres y sus cuerpos, algo que me identifica completamente con él y me hace admirarlo todavía más de lo que ya hago.

L’art de Daniel Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel Barkley né à Montréal en 1962, est titulaire d’une maîtrise en Beaux-arts de l’Université Concordia. Il a à son actif nombre d’expositions solos et collectives au Canada et au Etats-Unis, notamment à New-York, Sante-Fe, Toronto, Calgary et Montréal.

En 2004, une exposition rétrospective fut présentée au Musée d’art contemporain des Laurentides et en 2007, c’est au tour du Hart House de l’université de Toronto de rassembler des œuvres ayant marquée sa carrière.

Il était finaliste lors de la dernière édition du Prix Kingston, concours pan-canadien de portrait et depuis 2000, son travail à l’aquarelle fut aussi particulièrement primé à travers différents concours à l’échelle national, y compris la médaille A.J. Casson de la Société canadienne de peintres en d’aquarelle en 2002 et 2012.

Daniel Barkley, Artodyssey.

Daniel Barkley, Artodyssey

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Etude Brother's Keeper III

Daniel Barkley, Etude Brother’s Keeper III

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Robert in Oil

Daniel Barkley, Robert in Oil

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes. Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizás le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del Expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.

Acentuación Masculina

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann fue un pintor y grabador alemán, generalmente catalogado como impresionista. Sin embargo, queda evidenciado, en sus obras y algunas memorias, que participó en corrientes y movimientos artísticos como el Modernismo, Simbolismo e Historicismo. Colaboró y aportó enormemente a la iniciativa Neues Weimar siendo el artista al cual el museo homónimo le dedica y rinde tributo en la actualidad.

Ludwig von Hofmann, Adam.

Ludwig von Hofmann, Adam.

La plástica de von Hofmann resalta la juventud y la belleza masculina. Sus principales obras son composiciones de modelos masculinos, desnudos o semidesnudos, que disfrutan de su compañía o se encuentran en actividades de ocio en contacto con la naturaleza. La embriaguez pictórica del extraordinario von Hofmann es alcanzada gracias a la fusión del desnudo masculino con los coloridos paisajes y escenarios.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann ha sido, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos que mejor trato estético ha dado al cuerpo masculino. Sin abundantes estudios anatómicos o científicos, von Hofmann plasmó su gusto y admiración por la desnudez  masculina, sin caer en los desnudos vulgares, pero contribuyendo al estereotipo del físico masculino que nuestra sociedad ha heredado con gran arraigo.

Ludwig von Hofmann, Reiter an südlicher Küste.

Ludwig von Hofmann,
Reiter an südlicher Küste.

A mi juicio los paisajes de von Hofmann fueron tan significativos como los de Vincent van Gogh para el desarrollo de movimientos como el Fauvismo. El trato que le dio von Hofmann al desnudo masculino fue uno de los propulsores para el desarrollo del futuro término homoerotismo y por consiguiente una técnica y tradición para el futuro arte gay o gay art. Finalmente muchas otras de las vanguardias del siglo XX se beneficiaron inmensamente de la nociones y percepciones de von Hofmann, por ejemplo contemplad la siguiente imagen de von Hofmann y decidme si no es inevitable pensar en Der Blaue Reiter.

Mare de Déu de Montserrat

Mare de Déu de Montserrat

Mare de Déu de Montserrat

Hoy es 27 de abril, el día de la defensora de la tierra de mi padre y la del padre de su padre. La Virgen de Montserrat, patrona de Catalunya y conocida coloquialmente como La Moreneta. La imagen de la derecha, es venerada en el Monasterio de Santa María de Montserrat, símbolo religioso y nacional para los catalanes, lugar de peregrinaje para los creyentes y destino compulsorio para los turistas.

La tradición y las leyendas catalanas, en su gran mayoría, indican que la imagen fue encontrada por unos niños aproximadamente en el año 880. Los niños fueron guiados por una luz que los llevó a una cueva en la que estaba la imagen de la Virgen. El obispo de Manresa intentó trasladarla a la ciudad, pero el peso de la estatua lo hizo imposible, esto fue interpretado como el deseo ferviente de la Virgen de permanecer en su lugar de origen, construyendo entonces la ermita de Santa María, origen del actual monasterio.

La Virgen de Montserrat

La Virgen de Montserrat

La imagen de la Virgen está tallada en madera de álamo y se identificó como románica del siglo XII. Muestra a la Virgen madre, sosteniendo al niño Jesús y una esfera que simboliza al universo. A su vez el niño Jesús tiene la mano derecha levantada en señal de bendición y con la izquierda sostiene una piña, símbolo de abundancia y prosperidad.

Debido a que el rostro no está uniformemente pintado de negro, se  tiene la hipótesis de que el humo emanado de velas, inciensos y demás,  fue oscureciendo la talla y dándole el color moreno. Los rasgos faciales de la Virgen evocan completamente una imagen gótica-románica. En relación a la imagen del niño Jesús hay que tomar en consideración que fue añadido siglos posteriores y restaurado, dándole un toque más naturalista alejado completamente de lo gótico.

Como dato curioso la Virgen de Montserrat fue la primera imagen mariana en el territorio ibérico en recibir la Coronación Canónica, seguido por otra virgen catalana; la Virgen de la Merced de Barcelona y cerrando la lista de cinco con la también catalana Virgen de la Misericordia de Reus.

Volumetría Exaltada

Fernando Botero

Fernando Botero

El 19 de abril de 1932 nació en Medellín, Colombia el pintor y escultor Fernando Botero. En la Historia del arte la crítica ha catalogado el estilo y lenguaje pictórico de Botero como boterismo, algo que evidentemente indica la trascendencia e importancia de su huella en el marco artístico.

El arte figurativo de Botero, en el que las formas se identifican con el concepto de figura, aunque con su toque personal y único, se puede identificar con el Neorrenacentismo Contemporáneo, compartiendo también algunas tendencias neobarrocas.

Fernando Botero, Gato. 1990.

Fernando Botero, Gato. 1990.

Aunque no se colocó, ni siguió directamente ninguno de los movimientos vanguardistas del siglo XX, muy a su vera, Fernando Botero elaboró una vanguardia propia. Las principales vanguardias del siglo XX, en teoría, buscaron romper con el arte tradicional, pero en la práctica encontramos vástagos e incluso vasallaje del arte que en su manifiesto criticaron. Botero por el contrario con cimientos y cánones preestablecidos fraguó y emprendió su crítica.

Fernando Botero, Autorretrato.

Fernando Botero, Autorretrato.

Fernando Botero no es un artista estático en cuanto a temas se refiere. En su pintura aparecen sus interpretaciones sobre una amplia gama de ideas como lo son el hombre, la mujer, los sentimientos, las pasiones, el dolor, el vicio, las costumbres, personajes y acontecimientos históricos, obras de arte icónicas, la naturaleza y un sinfín variado de temas.

Fernando Botero, La Mona Lisa a los 12 años.

Fernando Botero, La Mona Lisa a los 12 años.

 

 

 

La característica principal de la pintura y la escultura de Botero es la Volumetría Exaltada con que trata a los protagonistas de sus obras. La acentuación es tan marcada que incluso da la noción de tridimensionalidad en sus creaciones.

Peter Paul Rubens, Las tres Gracias .c. 1635.

Peter Paul Rubens, Las tres Gracias .c. 1635.

La hiperbólica representación en el arte de Botero enfatiza la anatomía humana-animal y es lograda mediante el uso de pinceladas pequeñas y concisas en la pintura y abrumadoras proporciones en la escultura. Personalmente considero Las tres Gracias de Rubens como motor de inspiración para el boterismo. Veo en esa fina y delgada línea entre las cataratas de carne y la abundancia, la génesis de la carrera de Botero. En conjunto a las figuras de la época colosal de Pablo Picasso, son influencias evidentemente claras en el boterismo.

Pablo Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa. 1922.

Pablo Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa. 1922.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Botero no tiene paradigmas en cuanto a la cuestión temática de su plástica. Igual y como encontramos arte sobre el pasado también aparecen obras alusivas al presente y el arte contemporáneo. Lo que sí señalo, es el uso del color vivo y una paleta de colores completamente brillante que sin lugar a dudas hace recordar el Renacimiento Italiano y el Renacimiento Nórdico.

Algunas tonalidades inclusive se asemejan a los colores imposibles que el Greco logró gestar en su paleta. No es de menor importancia destacar la sutiliza y fineza con que son tocados los elementos de las obras y los cuales son responsables de causar la ironía y la crítica mordaz en el arte de Fernando Botero.

Fernando Botero, Abu Ghraib 42.

Fernando Botero, Abu Ghraib 42.

Algo de lo que no me puedo quedar callado es en la serie Abu Ghraib, de Fernando Botero. Esta serie está inspirada en las torturas a los presos en las cárcel de Iraq, Abu Ghraib, por parte de los soldados estadounidenses. En total son 80 obras entre pinturas y dibujos. De forma general puedo decir que ha sido una de las series que más me impactó. Hacía tiempo, creo que desde mi apreciación y estudios de las Pinturas Negras y los Caprichos de Goya, que un arte no colisionaba de manera tan profunda en mí.

Fernando Botero, Abu Ghraib 66. 1932.

Fernando Botero, Abu Ghraib 66. 1932.

Más allá de la rudeza y crudeza de las escenas, que presentan las humillaciones que sufrieron muchos prisioneros de guerra iraquíes, esta serie es otro ejemplo de la animalización del hombre, que tan superior se dice ser de las bestias. Han pasado siglos de historia, guerras atroces e instituciones macabras como la Inquisición y las Cámaras de Tortura, aún así el hombre no ha aprendido las lecciones.

Fernando Botero, Abu Ghraib 65.

Fernando Botero, Abu Ghraib 65.

Aquí también Fernando Botero mostró su grandeza y firmeza, a pesar de que 10 museos estadounidenses se negaron a presentar la colección, Botero no se detuvo y se trasladó a Europa donde la exhibición fue acogida y causo impactó mundial. La crueldad con que son tratadas las imágenes no son ajenas a la realidad sucedida y por medio de la misma Botero hace un llamado a la humanización del hombre a la vez que reclama y aboga por los derechos civiles.

Fernando Botero, Adán

Fernando Botero, Adán

Fernando Botero es mucho más que la expresión “Las gordas de botero,” como artista plástico ha tocado temáticas como la desigualdad social, la identidad y las convenciones sexuales, la intriga política y los conflictos mundiales. Su versatilidad le permite barajarse a través de la historia para llevar una voz imperante en favor de los desfavorecidos. Botero, a mi criterio, es otro de los grandes hijos de América Latina.

El arte de Fernando Botero, igual y como le pasó a muchos, en sus inicios no fue bien recibido ni por el público, ni por la crítica. Sin embargo, un artista fehaciente en su objetivo continuó y modificó algunos preceptos que le permitieron alcanzar no solo la fama, sino también el respeto mundial. Fernando Botero ha tenido el lujo de exponer sus obras en lugares destacados como Los Campos Elíseos en París, La Quinta Avenida de Nueva York, La Plaza de la Señoría en Florencia y Las Pirámides de Giza en Egipto.

Fernando Botero, Pasión de Cristo.

Fernando Botero, Pasión de Cristo.

Para cerrar esta entrada y ya que estamos en semana santa y la conmemoración de los sucesos de la  llamada Semana Mayor, adjunto esta última imagen, a la izquierda, que presenta la pasión de Cristo según Fernando Botero.

El matrimonio Arnolfini – Jan van Eyck

Continuando con el tema del Renacimiento Nórdico y con la entrada previa como introducción; (El Renacimiento Nórdico, Protorrenacimiento o Gótico Tardío), hoy hablo un poco de uno de los grandes artistas flamencos, tomando como ejemplo de discusión y análisis una de las obras más emblemáticas y significativas en el mundo de las artes. En la pintura, pese a algunas discrepancias, se puede afirmar que Jan van Eyck, trajo los cambios e innovaciones al Norte de los Alpes.

Existen muchos mitos sobre la relación entre Jan y su hermano Hubert, disputas que incluso cuestionan la autoría de algunas de sus obras. Aun así, los hermanos van Eyck ya sea con una relación de complementación o de maneras independientes, crearon una técnica y un estilo al cual podemos adjetivar como eyckiano.

Jan van Eyck, Retrato de hombre con turbante rojo. 1433. (Posible autorretrato)

Jan van Eyck, Retrato de hombre con turbante rojo. 1433. (Posible autorretrato)

Al apreciar las pinturas de Jan van Eyck se observa un arte nuevo que representa la vida de manera diferente. Una de las características más destacadas es el cruce entre la realidad y la fantasía sin ocasionar ningún tipo de conflicto pictórico. Es de conocimiento que Jan van Eyck tuvo relaciones muy estrechas con la corte de Borgoña, pero encontraremos muy poca influencia de los territorios más al sur de Bélgica en su pintura.

Van Eyck comenzó por innovar los procesos de creación y la elaboración de materiales. Aunque no todos los historiadores del arte afirman que él fue el creador de la técnica del óleo, si podemos apostar por él.  La técnica del óleo dio a los artistas colores más brillantes y múltiples pinceladas capaces de captar los reflejos de la luz en los ojos de los personajes de la obra.

El óleo permitió alcanzar el más fino barniz y el más grueso de los impastos. Fuera Jan o Hubert, los hermanos van Eyck se convirtieron en los padres de la Pintura Moderna, a partir de ellos la mayoría de los pintores, hasta hoy día, eligen la pintura al óleo como su principal técnica de creación.

Jan van Eyck mostró que la Naturaleza se puede representar con exactitud. Su pintura podría llamarse; espejo visible del mundo. Aunque van Eyck creó pinturas sobre la naturaleza y temáticas religiosas, la gloria máxima la alcanzó como retratista. A mi criterio, aseguro que es la pintura El matrimonio Arnolfini la más destacada y la que reúne lo mejor de Jan van Eyck como retratista y pintor en general. En adición a que es la obra que lo define como artista pionero y futuro ícono de movimientos artísticos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

El matrimonio Arnolfini presenta el momento del intercambio de votos nupciales entre el comerciante italiano Giovanni Arnolfini y su recién esposa Juana de Chenany, también llamada Giovanna Cenami. Al prestar atención a la obra, nos fijamos en la alfombra, el rosario, los zapatos, incluso una mascota, entre muchos otros detalles que nos dan la sensación de ser nosotros quienes visitamos a la pareja en sus aposentos.

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, como también se conoce a la obra, está inmerso en múltiples detalles que a su vez están acompañados de una iconografía con una diversidad de posibles interpretaciones. Jan van Eyck transportó acontecimientos sobrenaturales de un escenario simbólico a un espacio ordinario. La pintura goza de un simbolismo disfrazado en el que todos los detalles son portadores de un mensaje. Es ese simbolismo desmesurado el que convierte esta pintura en una de las fuentes de inspiración para la futura pintura metafísica y artistas como Giorgio de Chirico.

El Maestro de Flémalle y Jan van Eyck (Técnica)

El Maestro de Flémalle y Jan van Eyck (Técnica)

Al analizar detalladamente el espejo que aparece en esta pintura notamos la importancia de la perspectiva y la realidad. En el espejo van Eyck presenta a los novios desde el otro plano, de espaldas, y la presencia de otros dos personajes en la obra; un funcionario religioso y él mismo van Eyck. Esta técnica fue sin lugar a dudas del agrado de muchos artistas posteriores como Diego Velázquez en su obra Las Meninas y Francisco de Goya en el Retrato de la Familia de Carlos IV. Sien embargo, no fue Jan van Eyck el primero en usar está técnica, sino otro artista flamenco, el Maestro de Flémalle. En obras como San Juan Bautista y Le Peseur d’or et sa femme, que datan de años previos a van Eyck, encontramos espejos y objetos en los que se reflejan las imágenes y el artista las capta tal cual.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle espejo.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle espejo.

Al rededor del espejo, encontramos en su marco diez de las catorce imágenes de la Pasión de Cristo, el mismo se encuentra relativamente cerca de la ventana, una frecuente tradición; usar un espejo para alejar la mala suerte. Sumado a las escenas de carácter sagrado, apreciamos una sola vela encendida en el candelabro, posible simbolismo de la presencia del Cristo omnividente o la llama del hogar. También aparece un rosario, un regalo común del esposo a su amada. El rosario de los Arnolfini es de cristal, signo de la pureza y virtud de la novia, pero también de la pureza del sacramento del matrimonio

Jan van Eyck, El matrimonio Alnorfini. 1434. Detalle lámpara.

Jan van Eyck, El matrimonio Alnorfini. 1434. Detalle lámpara.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle zuecos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle zuecos.

Aunque la visión y la pasión religiosa de la época eran enormes, enfocando el hecho de que los novios están descalzos, todos los factores elaboran la idea de reverencia al pisar la Tierra Sagrada. También desde la Edad media se tenía la creencia de que pisar con los pies desnudos aseguraba fertilidad. Con relación a los zuecos notamos que los de la novia están cerca a la cama indicando su espacio íntimo e interior, mientras que los de Giovanni se encuentran más alejados, señal de que es el encargado del sustento y el trabajo en el exterior.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle cama y zuecos.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle cama y zuecos.

 

Señalo que a pesar de que la mayoría de los críticos concluyen que la obra se desarrolla en la alcoba nupcial, se debe tener presente que en las casas de los años 1400’s, y mucho más frecuente en Borgoña y Brujas, era de total normalidad contar con una cama en el salón principal donde se atendía a las visitas. Hablando de la cama, cabe mencionar el ciclo de vida que la misma representa pues es en ella donde nacían los niños y donde fallecían los ancianos. En este casó las sábanas de color rojo simbolizan la pasión y el amor conyugal.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle naranjas.Sabemos que Giovanni Alnorfini fue un rico mercader italiano. El uso de elaboradas túnicas como parte de su vestimenta lo indica. Detalles en la apariencia física de la habitación, los muebles, la alfombra procedente de Anatolia, dejan en evidencia la buena posición económica y social de Arnolfini. Muchas de las piezas son de diferentes ciudades europeas, por lo que el cuadro también indica la prosperidad burguesa y el intercambio cultural de la ciudad de Brujas. Al enfocarnos notamos unas naranjas cerca del alféizar de la ventana, no están ahí porque sí. Las naranjas eran importadas del sur, en el norte de Bélgica eran un verdadero lujo. Aunque son símbolos claros de estabilidad y prosperidad económica, otros críticos han señalado la posible evocación al Paraíso Perdido.

Santa Catalina (Maestro de Flémalle) Juana de Chenany (Jan van Eyck)

Santa Catalina (Maestro de Flémalle) Juana de Chenany (Jan van Eyck)

Hablando un poco de Juana de Chenany, todos dan por sentado que está embarazada al ver la pintura. Lo cierto es que no lo está. Sostiene el vestido junto a su vientre en una posible señal de deseo y ansia por convertirse en madre. Varios críticos interpretan un acto de picardía en ella como gesto del coito que próximamente consumaría el matrimonio.

Lo cierto es que no se debe pasar por alto que los esposos están en una representación antagónica en la que el hombre bendice a la mujer y ella en una actitud sumisa acepta el liderato del esposo. El verde del traje de Juana enfatiza la viva paleta de colores de van Eyck, pero es también un símbolo de fertilidad y maternidad. En la representación de Juana de Chenany, van Eyck se inspiró en una representación de Santa Catalina del Maestro de Flémalle.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle Santa Margarita y Santa Marta.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle Santa Margarita y Santa Marta.

Otra simbología femenina es palpable en la estatuilla de una mujer y un dragón junto a una escobilla. Es muy probable que la mujer represente a Santa Margarita, la patrona de los alumbramientos, y la escoba a Santa Marta, patrona del hogar. Pese a todo esto y como es de conocimiento histórico, Juana de Chenany nunca se convirtió en madre.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle perro.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle perro.

El perro que goza de perceptiva central y un primer plano, es un símbolo de fidelidad. En esta mascota Jan van Eyck se lució completamente. Quienes hemos tenido la oportunidad de apreciar la obra personalmente podemos ver como el pelaje del animal da un impresión  tan real que pareciera que cada pelo fue pincelado individualmente. No conforme con esto, los ojos del perro fungen como espejos en los que también se reflejan partes de las escenas.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle firma.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle firma.

Finalmente, otra de las muchas innovaciones que trajo Jan van Eyck fue la firma en las obras. Previamente el arte medieval era uno colectivo que no tenía un fin personal ni lucrativo, por lo que no era importante firmar o dejar constancia de la creación de una obra. Con el Renacimiento y la llegada de la Edad Moderna, los valores del individualismo comenzaron a cobrar importancia, nos encontramos con artistas que quieren dar a conocer su talento e inmortalizar su figura. Van Eyck no sólo dio constancia de su autoría al pintarse en la obra, sino que también en la parte superior al espejo firma con la expresión latina Johannes de Eyck fuit hic, Jan van Eyck estuvo aquí.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle gárgola.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434. Detalle gárgola.

La interpretación más aceptada de El matrimonio Arnolfini, es que es una alegoría del matrimonio y la maternidad. La presencia del clérigo y de Jan van Eyck como testigo, que incluso firmó la obra, son la evidencia de que la obra fue un certificado matrimonial pictórico.

En ese sentido desestima las alegaciones de que un matrimonio se celebraba en la iglesia y no en un hogar. Según las leyes del momento siempre que se presentara la evidencia contundente el matrimonio se podía realizar en privado.

Aún así, el hecho de que Juana de Chenany nunca se convirtió en madre y el encuentro de correspondencia de Jan van Eyck y Giovanni Arnolfini, se sumaron a especulaciones de que Arnolfini era un mujeriego. Una gárgola sonriente que se aprecia en la obra y que no había sido analizada anteriormente llevó a que, basándose en lo ya mencionado, naciera una nueva interpretación. La moderna lectura indica que se representa un exorcismo o ceremonia para que Juana recuperará la fertilidad. Una interesante interpretación muy especulativa y cargada de los gustos contemporáneos. En lo personal la estudié, pero la desestimé al rato.

Así concluyo este pequeño estudio de la que es mi obra de arte favorita. Considero que un detalle que no debemos olvidar es que esta magnífica obra tan solo mide 82 cm x 60 cm, 3′ x 2′ aproximadamente.