La cosmogonía nórdica (esencial)

img_4349Hoy me han lanzado el reto de explicar la cosmogonía nórdica en diez minutos y de manera que los chicos de entre 10 a 15 años retengan algunos conceptos e ideas.

Así que sin mucho afán en el decoro o la estética física me lancé a representarles el fresno Yggdrasill (Yggdrasil), el árbol de la vida que mantiene unidos los nueve mundos de los mitos nórdicos y escandinavos.

 

 

Saint Tarcisius (ca. 1868)

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Saint Tarcisius, A. Falguière. ca. 1868

Como os había dicho en la entrada anterior, hoy voy a hablar un poco sobre la obra de arte que más me cautivó en mi última visita a Nueva York. En esta ocasión fue en el Metropolitan Museum of Art, donde mis sentidos se alinearon e hicieron colisión con la obra Saint Tarcisius del escultor francés Alexandre Falguière.

Alexandre Falguière nació en Toulouse el 7 de septiembre de 1831 y la crítica artística lo cataloga como un pintor realista y un escultor académico. Sin entrar en muchos detalles sobre la preparación y educación del artista, es meritorio mencionar que destacó en las esculturas de corte clásica donde priman los temas mitológicos y antiguos, campo en el que brilló y obtuvo el premio de Roma a la escultura.

 

File 2-15-18, 23 27 07Fue precisamente la escultura de San Tarsicio la que me impactó de sobremanera. Tarsicio fue un mártir de la iglesia católica que según el canon murió en la vía Apia de Roma cerca del año 257 d.C. bajo el mandato del emperador Valeriano. Es poco lo que se sabe de Tarsicio, la hagiografía se guía por las palabras grabadas sobre su tumba, por mandato del papa Dámaso I, y las cuales versan:

Par meritum, quicumque legis, cognosce duorum,
quis Damasus rector titulos post praemia reddit.
Iudaicus populus Stephanum meliora monentem
perculerat saxis, tulerat qui ex hoste tropaeum,
martyrium primus rapuit levita fidelis.
Tarsicium sanctum Christi sacramenta gerentem
cum male sana manus premeret vulgare profanis,
ipse animam potius voluit dimittere caesus
prodere quam canibus rabidis caelestia membra.

Tarsicio es venerado en la iglesia católica como el santo de los acólitos y su celebración es efectiva el día 15 de agosto (únicamente en el martirologio romano). Se entiende que como acólito recibió la encomienda de llevar la eucaristía a los cristianos presos por proclamar la fe. Escondida la Sagrada Comunión bajo sus mantos, fue atracado por un grupo de jóvenes que exigieron que entregase lo que escondía y Tarsicio se negó y murió apedreado y apaleado.

La historia de Tarsicio fue rescatada por el cardenal Nicholas Wiseman, que lo presenta como un joven acólito en su novela Fabiola. Fue gracias a la obra del clérigo que la imagen de Tarsicio se renovó y llegó a ser representada de forma artística por Falguière y por consiguiente perpetuado en la psiquis colectiva.

El artista eligió para su obra el momento del martirio del joven. Se presenta a Tarsicio con su vestimenta rasgada y con las escrituras de su epitafio colocadas en la base de la escultura. Falguière logró un nivel insospechable de seducción con esta pieza, en los años posteriores fueron muchas las replicas y representaciones de la obra. Para lograr su cometido el artista utilizó un joven que posó desnudo frente a un fotógrafo y añadió los elementos de la ropa mutilada y las piedras alrededor del escenario para confirmar el suplicio por lapidación.

File 2-15-18, 23 27 27Es, a mi criterio, en las expresiones faciales de la escultura donde Falguière acentúa su maestría de la técnica y nos cautiva con pasión, dolor y atracción. Estar frente a esta obra artística desborda los niveles de sensualidad y son trasmitidos casi de cuerpo a cuerpo, logrando un éxtasis similar al que expresa Juan de la Cruz en sus letras.

El enlace fulminante e incluso místico que creó esta obra en mí fue tan desorbitante que podría decir que en un lapso indescriptible pude sentir el dolor y la pasión del martirio de Tarsicio.

La crítica se ubica más en la línea de pensamiento sobre la cual se especula que esta escultura representa un dolor sin represiones por el martirio. Yo en cambio, inclino más la balanza hacia otra dirección, esta obra plástica simboliza para mí la pasión del suplicio, esa frágil línea que raya entre el dolor y la excitación. No podemos pasar por alto que la hagiografía clásica nos indica que Tarsicio murió no sólo apedreado, sino también apaleado.

 

 

Nueva Ámsterdam

“He adored New York City. He idolized it all out of proportion…no, make that: he – he romanticized it all out of proportion. Yeah. To him, no matter what the season was, this was still a town that existed in black and white and pulsated to the great tunes of George Gershwin.”

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Flatiron / Iconic

Desde hace nueve años consecutivos no puedo estar mucho tiempo lejos de esta ciudad. En un principio fue llamada Nueva Ámsterdam y honrando el nombre de los lenapes Mannahatta, la tierra de muchas colinas que hoy sólo tiene edificios, es una de mis islas favoritas.

Manhattan, Nueva York,  irónicamente, se ha convertido en mi escape de la realidad y la terapia para mi ansiedad. En Estos últimos años es imposible pasar un enero lejos del caos de la ciudad que, al igual que yo, nunca duerme.

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Vagabundo

Déjà vu es la paramnesia y el sinónimo que mi vida le da a estas calles cuadriculadas, taxis amarillos y monumentales rascacielos. Y es que yo, queriéndolo o no, me he convertido en un ser tan duro y romántico como esta ciudad.

Muchos dicen que son autómatas los que viven en este ecosistema. Otros especulan sobre experimentos sociales, dado que es en Nueva York donde esquizofrénicos, criminales, artistas, plebeyos y demonios se mezclan sin problemas.

Y a toda esta palabrería, le sumo que es posible que sea de ese escaso por ciento de personas que visitan Manhattan no por megalomanía sino por dromomanía.

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Si hablo de paraísos, he aquí un pedazo de cielo…

Más allá del frío, la caótica vida en los trenes y que al Guggenheim siempre le da con hacer reparaciones para estás fechas, la paz que encuentro al vagar por las calles mientras las brisas gélidas me sacan las lágrimas, la excitación al visitar el ala de la antigua Grecia en el Metropolitan, la pasión que me invade al acercarme al MoMA y el sosiego que encuentro en el Rubin, bien merecen una visita, aunque sea anual, para encender mi alma que ya hace años está entumecida.

Traté de poner los pentagramas necesarios para frenar mi tendencia autodestructiva y continuar a mi ritmo. Me llevé mis cuadernos de apuntes, mis libros de poesía favoritos, muchos marcadores y el ordenador para agilizar mis proyectos, pero entre trenes perdidos, largas caminatas con Michael Kiwanuka en el iPod y muchas visitas a los museos, volví al mismo punto de partida.

Así que las Letras del Cielo y del Infierno continuarán en pausa. Me toca volver a la realidad tediosa que me aleja de mis pasiones y me desgasta lentamente. Pero antes de retornar al círculo vicioso por aquí dejo algunas de las fotos que más me han gustado en esta ocasión. La que más me ha impactado la reservó para la próxima entrada.

Diana la llamaron en Roma, los latinos Artemisa, pero para mí es Ártemis.

Zeus y Ganimedes

Un detalle que merece la pena acentuar.

Andrómeda, princesa de Abisinia.

No todos notan el juego de miradas que hace el museo entre Afrodita y Paris.

Semper fortis

“Who in the world am I? Ah, that’s the great puzzle.”

“C’est le temps que tu as perdu pour ta rose qui fait ta rose si importante”

“No vivas en el pasado, no imagines el futuro, concentra la mente en el momento presente.”

Manhattan desde Brooklyn.

Nada es lo más cerca que hay de comprender…

La reina Amidala de Nigeria.

Incluso los “matches” en las redes tienen más glamour en NYC.

El matrimonio Arnolfini (para relajarse)

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Como muchos de vosotros ya sabéis y como comenté y reseñé en la entrada anterior: El Matrimonio Arnolfini, esta magna obra del flamenco Jan van Eyck es mi pintura favorita.

La simbología, la técnica, las pinceladas, la originalidad y más que nada los vivos colores de la recién inventada paleta de óleo, son los ingredientes que convergen para deleitarnos con una joya tan exquisita como lo es esta pintura.

Una de las actividades que más disfruto del arte son las respuestas y renovaciones, o algunos llamarán copias e impresiones, que otros artistas hacen sobre una obra ya existente, ícono de la Historia del Arte. Así que aquí os muestro algunas versiones jocosas y divertidas del Retrato de boda de Giovanni Arnolfini y su esposa.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

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Reflexiones en la Red

ArlequinaEn ocasiones no necesitamos saber el autor ni el título de una obra plástica para delirar. Es un momento en el que las metodologías y los años de estudio son un simple decoro, pues la colisión creada es un vínculo directo entre nuestra psiquis y la obra artística, utilizado los sentidos como vehículo de éxtasis y alucinación.

Eso que intento definir con palabras, y que tan difícil se me hace, fue lo que me sucedió hace algún tiempo atrás cuando navegando al azar me topé con esta obra a la que yo llamé Arlequina, todavía la admiro y el impacto sobrenatural sigue latente en mí.

Creando el “Físico Masculino”

George Quaintance

George Quaintance

George Quaintance, no es muy conocido fuera de la atmósfera del mundo gay mundo queer. No obstante, fue un gran pintor, fotógrafo, ilustrador y bailarín estadounidense. Quaintance nació en Virginia en 1902, viviendo los inicios del siglo XX.

El siglo XX fue el tiempo de las vanguardias, los ismos, las guerras y las censuras. Todo lo mencionado va a marcar y definir a Quaintance como persona, pero más que nada como artista. En esos años fueron legisladas muchas de las leyes homofóbicas más radicales de América. Otro factor que condicionó el arte de Quaintance.

George QuaintanceSu arte se caracterizó por las escenas y los juegos entre hombres, que generalmente están ambientadas y desarrolladas en la antigüedad clásica, como Grecia y Roma o el Lejano Oriente. Las mismas reflejan el gusto y goce de los hombres por las actividades entre sus pares y el disfrute de los juegos y la compañía masculina.

 

George-Quaintance-Homotography-7Los hombres representados por Quaintance son en general personajes fuertes, de un físico arrebatador, en buena forma, desnudos o semidesnudos, lo que elabora y acentúa el toque homoerótico peculiar de sus creaciones. Tanto el deseo como el interés sexual son factores casi explícitos en sus obras, sin embargo el artista logró mostrarlos lo suficientemente inocentes, en mi opinión no tan inocentes, para evitar las persecuciones de aquel entonces.

george-quaintance-apollo_oil-on-canvas_1952_sold-for-10350-00Las creaciones idealizadas de los hombres desnudos y musculosos que iniciaron con George Quaintance fueron la mayor influencia para crear el arquetipo del físico masculino, no sólo en el ambiente homosexual, sino que también en la cultura popular heterosexual. Estereotipos que desgraciadamente conservamos hasta hoy día.

George Quaintance 05En general se piensa en Quaintance como un artista gay, olvidándose que las revistas Beefcake como el caso de Physique Pictorial, fueron creadas para el público heterosexual masculino. El propósito inicial era promover el fitness y la salud, por lo que se mostraban fotografías de hombres jóvenes, guapos y musculosos en poses atléticas. Naciendo aquí el llamado “hombre ideal” o mejor dicho el “físico ideal”.

George Quaintance 12Aunque la figura de Quaintance no es estudiada lo suficiente en comparación a artistas como Andy Warhol, fue sin lugar a dudas uno de los pioneros del llamado arte gay. Fue el responsable de abrir un camino a artistas posteriores y mostrarle al mundo que un arte ha estado presente en la sociedad desde hacía siglos y va en crecimiento.

Al estudiar su plástica también encontramos toques que nos hacen pensar en grandes artistas como Giorgio de Chirico, Frédérich Bazille e incluso Egon Schiele en cuanto a lo abierto y explícito de la desnudes y las tramas.

quaintanceMuy a mi pesar debo decir que los estereotipos presentes en la obra de Quaintance, como los vaqueros o marineros exhibiendo su musculatura idealizada, siguen vigentes en la cultura gay contemporánea y son los más recurrentes en marchas y desfiles del orgullo gay, alejando a la comunidad de la aceptación y a mi criterio haciendo cada día más imposible la tolerancia y convivencia.

Cierro citando que Quaintance mostró un sentido simultáneo de pertenencia y aislamiento: no se identificó con su familia, al tiempo que se sentía ligado a «la experiencia y las memorias de muchas vidas». Fue ello lo que llevó al artista a buscar los escenarios de su obra en mitologías y fantasías locales, que enmascaraban y legitimaban a un tiempo el amor por otros hombres y sus cuerpos, algo que me identifica completamente con él y me hace admirarlo todavía más de lo que ya hago.

L’art de Daniel Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel Barkley né à Montréal en 1962, est titulaire d’une maîtrise en Beaux-arts de l’Université Concordia. Il a à son actif nombre d’expositions solos et collectives au Canada et au Etats-Unis, notamment à New-York, Sante-Fe, Toronto, Calgary et Montréal.

En 2004, une exposition rétrospective fut présentée au Musée d’art contemporain des Laurentides et en 2007, c’est au tour du Hart House de l’université de Toronto de rassembler des œuvres ayant marquée sa carrière.

Il était finaliste lors de la dernière édition du Prix Kingston, concours pan-canadien de portrait et depuis 2000, son travail à l’aquarelle fut aussi particulièrement primé à travers différents concours à l’échelle national, y compris la médaille A.J. Casson de la Société canadienne de peintres en d’aquarelle en 2002 et 2012.

Daniel Barkley, Artodyssey.

Daniel Barkley, Artodyssey

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Etude Brother's Keeper III

Daniel Barkley, Etude Brother’s Keeper III

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Robert in Oil

Daniel Barkley, Robert in Oil

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes. Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizá le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.

Acentuación Masculina

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann, Naked Boatmen and Youths.

Ludwig von Hofmann fue un pintor y grabador alemán, generalmente catalogado como impresionista. Sin embargo, queda evidenciado, en sus obras y algunas memorias, que participó en corrientes y movimientos artísticos como el Modernismo, Simbolismo e Historicismo. Colaboró y aportó enormemente a la iniciativa Neues Weimar siendo el artista al cual el museo homónimo le dedica y rinde tributo en la actualidad.

Ludwig von Hofmann, Adam.

Ludwig von Hofmann, Adam.

La plástica de von Hofmann resalta la juventud y la belleza masculina. Sus principales obras son composiciones de modelos masculinos, desnudos o semidesnudos, que disfrutan de su compañía o se encuentran en actividades de ocio en contacto con la naturaleza. La embriaguez pictórica del extraordinario von Hofmann es alcanzada gracias a la fusión del desnudo masculino con los coloridos paisajes y escenarios.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann, Die Quelle.

Ludwig von Hofmann ha sido, sin lugar a dudas, uno de los artistas plásticos que mejor trato estético ha dado al cuerpo masculino. Sin abundantes estudios anatómicos o científicos, von Hofmann plasmó su gusto y admiración por la desnudez  masculina, sin caer en los desnudos vulgares, pero contribuyendo al estereotipo del físico masculino que nuestra sociedad ha heredado con gran arraigo.

Ludwig von Hofmann, Reiter an südlicher Küste.

Ludwig von Hofmann,
Reiter an südlicher Küste.

A mi juicio los paisajes de von Hofmann fueron tan significativos como los de Vincent van Gogh para el desarrollo de movimientos como el Fauvismo. El trato que le dio von Hofmann al desnudo masculino fue uno de los propulsores para el desarrollo del futuro término homoerotismo y por consiguiente una técnica y tradición para el futuro gay art. Finalmente muchas otras de las vanguardias del siglo XX se beneficiaron inmensamente de la nociones y percepciones de von Hofmann, por ejemplo contemplad la siguiente imagen de von Hofmann y decidme si no es inevitable pensar en Der Blaue Reiter.

Una pizca de arte renacentista (Quatrocento)

Sirviendo de introducción la entrada Síntesis de la transición Medieval a la Modernahoy trataré de forma breve los rasgos más destacados y sobresalientes de los inicios del periodo que tanto admiramos y llamamos Renacimiento.

Giotto, Resurrección de Lázaro.

Giotto, Resurrección de Lázaro.

En los antecedentes de la pintura y la plástica destacó Giotto (1266-1337) siendo el iniciador de la pintura moderna. Buscó mejorar las técnicas pictóricas y experimentó con la perspectiva. Gracias a Giotto se logró mayor individualismo y realismo, sobre todo en las figuras humanas.

Su serie de frescos sobre la vida de Cristo y la vida de San Francisco de Asís muestran la experimentación técnica y la evolución del Arte Medieval al Moderno. Giotto representó mayor diversidad e intentó mostrar distintas posiciones en una sola pintura. El talentoso Giotto fue un precursor que abrió el camino a los próximos artistas.

Las características generales del Arte del Renacimiento son:

  •  Arte que aspira a la perfección técnica.
  • Retorno a los modelos del arte clásico.
  • Antropocentrismo.
  • Glorificación e idealización del cuerpo humano.
  • Síntesis e unión de las artes.
  • Uso paralelo de temas mitológicos y judeocristianos.
  • Búsqueda de equilibrio y armonía.
  • Expresión de ideales de la época; confianza en las capacidades humanas, ideal del “uomo universalis” naturalismo, individualismo y humanismo.
Lorenzo de Medici

Lorenzo de Medici

En el siglo XV, conocido artísticamente como el Quatrocento, Florencia, bajo el gobierno y mecenato de los Médici, primero Cosme y luego su hijo Lorenzo el Magnífico, fue el centro artístico de mayor importancia. En 1492 murió Lorenzo y en medio de una gran confusión política tomó el poder el monje dominico Savonarola, instaurando un gobierno de fanatismo religioso y persecución de los artistas que duró seis años, hasta que murió el clérigo en la hoguera sentenciado por la Inquisición. La Toscana que fue la capital y sede de las artes, el humanismo y el Renacimiento, comenzó una paulatina decadencia en la cual la ciudad de Florencia perdió su liderato cultural.

Previo al Renacimiento lo más importante era la arquitectura, ahora la pintura y la escultura tomaron importancia y vida propia. Las iglesias continuaron siendo las edificaciones por excelencia. Las catedrales italianas son un conjunto formado por tres edificios:

  1. La Catedral
  2. El Campanario
  3. El Baptisterio
Duomo Florencia

Duomo Florencia

La Catedral de Florencia no tenía una cúpula y Cosme de Médici la encargó para celebrar una de sus victorias. La cúpula florentina se convirtió en un modelo a seguir. La construcción de dicha bóveda estuvo a cargo del conocido y afamado Brunelleschi. Se fue rompiendo con el esquema tradicional de las construcciones en forma de cruz a partir de este momento.

Artistas como Ghiberti se unieron a las labores artísticas y destacaron por nuevas técnicas como el vaciado de bronce de Las Puertas del Paraíso del baptisterio.

Ghiberti, Puertas del Paraíso.

Ghiberti, Puertas del Paraíso.

Donatello con su David, presentó a Florencia como la figura del bíblico David; hombre joven que encarna el triunfo. Esta escultura conmemoró la victoria de Florencia sobre el ducado de Milán. Aquí al igual que Ghiberti se usó la técnica del vaciado de bronce.

Donatello, David.

Donatello, David.

Masaccio en La Trinidad mediante la pintura al fresco, creó una ilusión pictórica con la arquitectura. Masaccio dominó el arte de la perspectiva totalmente. En la obra están los tres componentes de la trinidad, la Virgen María y Juan Apóstol.

Masaccio, La Trinidad.

Masaccio, La Trinidad.

Mantegna y El Cristo Yaciente destacó por el realismo. Pintó la escena como si los espectadores estuviéramos al pie de la cama. Representó a María como una mujer vieja, con una mano fuerte y muy grande. Rompió con cánones, incluso posteriores a él, pero trajo el realismo máximo a la obra.

Mantegna, Cristo yaciente.

Mantegna, Cristo yaciente.

Perugino en La entrega de las llaves introdujo entre los laterales de la Capilla Sixtina una escena antigua con personajes vestidos con la ropa de su época, estando todo en armonía y equilibrio. (Una técnica ya utilizada por el Greco). Esta obra es además un ejemplo claro del excelente dominio de la perspectiva central y el individualismo de los personajes.

Perugino, La entrega de las llaves.

Perugino, La entrega de las llaves.

Boticelli:

El nacimiento de Venus usó la mitología, restándole un poco de importancia a la perspectiva, pero enfocándose en lo mítico y clásico.La figura principal es la diosa Venus destacando el amor, la belleza y la fertilidad.

Boticelli, El nacimiento de Venus.

Boticelli, El nacimiento de Venus.

Adoración de los Magos, es una obra representada de manera muy distinta, aunque es una escena de mucho gusto para los artistas, en realidad los reyes y sus acompañantes son la familia Médici. Boticelli también se pintó en la obra, técnica que en el futuro se pondría de moda.

Boticelli, Adoración de los Magos.

Boticelli, Adoración de los Magos.