Snuff, el cine del Infierno

La palabra snuff pasa desapercibida ante los ojos de muchos. A menos que sean apasionados a Baudelaire o acalófilos, podrían considerar incluso la maldición de Lord Voldemort y ni siquiera mencionar la palabra. Mas como bien diría Hermione temerle al nombre, sólo aumenta el terror al hombre. Si bien en lenguas anglogermanas snuff podría traducirse como tabaco o aspirar, el mencionado término podría ser un sinónimo del verdadero y real terror.

El concepto snuff se popularizó en 1971, siendo el editor y novelista Ed Sanders él que lo utilizó al hablar y narrar los asesinatos cometidos por la secta La Familia encabezada y dirigida por Charles Manson. Es cierto que Sanders hizo del término snuff uno equivalente al concepto de muerte, pero no fue precisamente él quien acuñó la analogía anteriormente señalada. Edgar Rice Buroughs en 1916 en el quinto libro de Tarzán; Tarzán y las Joyas de Opar señalaba la palabra snuff it como una encomienda que significaba mátalos.

Dentro del escenario mencionado, es que nace el llamado cine de los condenados o cine del infierno; el cine snuff. Siendo sincero, y tal y como ocurre con todo lo catalogado como oscuro, se sabe muy poco y se especula mucho sobre el mismo. En síntesis, se dice que el cine snuff consiste en los vídeos y grabaciones en los cuales se asesinan, mutilan o torturan a personas y animales, siendo filmados con el objetivo de crear un registro de las víctimas para luego vender las grabaciones a un público selecto.

En 1960 bajo la dirección de Michael Powell se estrenó la película Peeping Tom (el fotógrafo del pánico) en la cual un asesino graba a sus víctimas, pero como ya mencione el término snuff se popularizó en 1971, haciendo a Peepin Tom una especie de presnuff movement.

Bajo una atmósfera de especulación, intrigas, morbosidad y curiosidad nacía, o quizá deba decir se extendía, un nuevo género cinematográfico que si bien no había sido estudiado o analizado ya comenzaba a saltar a la fama con éxitos como Hardcore, Tesis, 8mm y Cannibal Holocaust. Algunos críticos comparan el cine snuff con el cine gore, aquí no debemos olvidar que mientras el cine gore también trata los temas de terror el mismo se centra y explota lo visceral y la violencia extrema mediante el uso de efectos especiales y el exceso de sangre artificial.

Por el contrario el cine snuff no utiliza ningún efecto especial o artificial, sino que muestra la crudeza del horror en su más natural expresión. Otro debate surge dado que el gore es considerado un elemento del cine y no un género porque sus características más destacadas son estéticas y no narrativas.

Para algunos el prolífico inventor Thomas Alva Edison es el pionero del snuff al filmar ejecuciones de ahorcamientos y la electrocución de un elefante. Se le suman una gama de criminales que grabaron sus hazañas y las atesoraron como recuerdos o trofeos durante las décadas del siglo XX. No obstante, no olvidemos que si bien el género snuff se caracteriza por la naturaleza y realidad del horror, también lo hace por la distribución y propagación del mismo por medio de la venta, aquí entonces los anteriormente mencionados no encajarían.

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El cine snuff aunque se maneja en el mundo de lo morboso y lo macabro supo, y sigue sabiendo, como apelar y llegar a la parte oscura que tenemos los seres humanos, atrapando a las personas en un cosmos de repulsión y atracción. Somos atraídos de manera, quizás inconsciente, a este escenario, pero nos aterra admitirlo o compartirlo con alguien más.

A continuación mencionaré varios ejemplos recientes sobre conductas snuff fuera del ámbito del cine. En primer lugar señalo los múltiples casos dónde soldados estadounidenses y británicos fotografiaron y grabaron torturas en la prisión de Abu Ghraib. Estos vídeos e imágenes que quizá no fueron vendidos, si se filmaron con un fin de propagación ante una sociedad enferma y cegada por la venganza y la obsesión por el terrorismo y la destrucción.

El segundo ejemplo son las publicaciones que se comparten a diario en las redes sociales con fotos en las que aparecen niños con algún tumor, malformación o calamidad y son “supuestamente” compartidas para apelar al lado bondadoso de la humanidad.

En tercer lugar menciono los vídeos difundidos por el Estado Islámico y donde sentencian a muerte a quienes van contra su régimen. En los tres casos, al menos a mí, si bien me repugnan las imágenes y los elementos macabros detrás de las personas, no es menos cierto que una inquietud se une a un deseo descontrolado que me vocifera que mire atentamente las imágenes.

Más allá de lo ya mencionado, considero importante señalar el papel del mito y las redes sociales en este campo. Soy un fanático de los clásicos del terror y el horror, y no creo que deba sentirme avergonzado o aterrado por mis gustos. Esto tampoco quiere decir que acepte los crímenes y lo macabro de la sociedad humana, pero si me parece que no estamos sabiendo distinguir la barrera real de la ficticia.

A lo irreal y lo macabro se le añade el hecho de que nuestra sociedad cada vez rompe más las etapas y ciclos de crecimiento, teniendo hoy día a los chavales desde los ocho años con acceso a videojuegos que propagan culturas como la snuff como algo cotidiano, divertido y un ejemplo a practicar.

Ahora para finalizar, toco la polémica mayor del cine snuff, el vídeo de Daisy’s Destruction. Esta grabación, que no he visto ni pretendo ver, navega entre el mito, la ciencia ficción y lo emotivo. Daisy’s Destruction filmado bajo la firma de NLF (No Limits Fun) según las redes sociales graba el momento en que una pareja abusa sexualmente, maltrata y tortura a una niña hasta que entre gritos y llantos desgarradores la víctima fallece.

Desarmemos el rompecabezas y la verdad detrás de Daisy’s Destruction. Sobra decir que cualquier ser humano que se preste a una conducta como la mencionada merece todo el castigo y peso de la ley, en esta vida y en la futura. No obstante, aclaremos algunos elementos que me son no curiosos, sino alarmantes.

Tal como sucedió con el cine snuff, tras la llegada de Una película Serbia, no es hasta que se incluye el elemento infantil cuando la sociedad reacciona o despierta un poco de la nube de confort en que se manejaban. Las torturas, el maltrato, los abusos y demás estuvieron presentes desde antaño, ¿por qué no se reaccionó antes?

Lo siguiente que señalo es la intriga y los rodeos que se utilizan a la hora de hacer la crítica y condenar los actos. Te alardean y repiten tanto que jamás volverán a ver el vídeo, que te va a dejar con disturbios de por vida, que es el peor vídeo que la humanidad ha podido crear, que sólo se consigue navegando a través de la DeepWeb y pagando en bitcoins…o sea me van a disculpar, pero están incentivando a la propagación y difusión del mismo, no a su repudio.

En muchos blogs hicieron reflexiones vídeo-auditivas sobre el cine snuff y Daisy’s Destruction, reflexiones cargadas de imágenes sangrientas, niñas pequeñas, llantos amargos y chillidos desgarradores. Desde lo más profundo de mi corazón me toca decir que la morbosidad que acompaña a la reflexión podría ser incluso más culpable y macabra que el autor del supuesto vídeo.

Y bueno para acabar digo “supuesto” dado que las incongruencias leídas son abismales, desde una niña de 4, 6, 7, 8 y hasta 12 años. Según algunos la descuartizan, para otros la sodomizan, para otros le encienden velas y la bañan con cera caliente y un sinfín de torturas que no repetiré y que son productos de muchas malas series de terror y miedos sociales y psicológicos de cada persona.

Para mí esta Daisy no existió y esto no ocurrió, así lo pienso y así lo quiero creer. Nuevamente nos hallamos ante una dicotomía que depende el lente y la perspectiva con la que se mire, aflorará un resultado diferente. Hasta acabar esta línea no me he atrevido colocar imágenes en la entrada y no sé si lo haga. (En esta revisión ya he cargado de imágenes la entrada).

Como conclusión diré que el mundo psicológico es un océano profundo y todavía poco explorado. Seguimos siendo víctima de nosotros mismos al estar entre la frágil línea entre lo correcto y lo incorrecto, lo real y lo ficticio, el gusto y el goce, el placer y la culpa, la curiosidad y la especulación.

Tal y como pasó con el gore el cine suff se suavizó para hacerlo más comercial. Muchos thrillers series y películas contemporáneas han ido integrando pinceladas de los elementos snuff, pero más diluidas y optando más por el terror en los elementos auditivos y haciendo lo visual más socialmente correcto.

No es menos cierto que muchas listas de “las películas más perturbadoras” siguen apareciendo en las redes y sembrando el germen de la curiosidad en las personas, pero al menos en la última década no he leído ni visto ninguna producción que vuelva a rayar en la polémica aquí discutida.

P. D. pido disculpas si alguna persona sensitiva lee la entrada y las imágenes le perturban.

El expresionismo de Berger en “El Cazador”

Hoy retomo una de las actividades que más disfrutaba por aquí; reseñar películas. Ya en el pasado les había presentado e introducido al guionista y productor Marco Berger, hablando un poco de su película Hawaii. Berger ya es un cineasta de trayectoria en la industria y destaca en el llamado cine queer o cine de temática gay, no sólo en su natal argentina, sino a nivel internacional.

El pasado 28 de mayo estrenó su último largometraje titulado El Cazador. Resumiendo algunas sinopsis en la web, este filme nos presenta la historia de Ezequiel, un joven de quince años que enfrenta su despertar sexual dentro de una atmósfera cargada de algunos elementos oscuros y nos coloca ante un tema tabú; las redes de pornografía y explotación infantil y adolescente.

En esta entrega Berger nos ofrece un thriller, alejándose un poco de sus últimas películas, pero retomando algo de la energía de Ausente una de sus primeras creaciones. Berger, a mi criterio, es un cineasta versátil que puede navegar entre diferentes géneros cinematográficos jugando con ellos, incluso mezclando elementos y no resbala en los clichés contemporáneos o del mainstream.

Quiero recalcar que hay una gama amplia de aspectos que nos hacen a muchos hablar de características propias del cine de Berger. Me refiero a un lenguaje propio de él como cineasta y que es plasmado en todas sus películas de manera que al ver un trabajo suyo lo podemos reconocer. Quizás algún académico se moleste, pero entiendo que es correcto incluso adjetivar estas fisonomías en el termino bergeriano.

El cine de Marco Berger es uno que puede variar de género, pero conserva una esencia muy propia en la que priman la exaltación del cuerpo masculino, el deseo entre hombres, las escenas homoeróticas y sobre todo diálogos cortos o escenas silentes donde lo sublime del lenguaje corporal y las entrelíneas, problematizan no sólo el deseo de los personajes, sino también el de todos los espectadores.

La influencia y preponderancia que ejerce Berger en el cine de temática gay es destacable en todo el ámbito latinoamericano. Marco Berger nos adentra a situaciones cotidianas en las que sus personajes enfrentan su homosexualidad de una forma real y que se aleja, por mucho, de los estereotipos del cine donde el personaje del maricón cae en los cánones socialmente aceptados o es una mera prolongación para escenas de risa o comedia.

Entrando a El Cazador se sigue apreciando lo sublime de Berger, pero hay unos matices diferentes en su expresionismo. Ezequiel, el protagonista de esta entrega, carga un poco de todos los adultos que vemos el film. Su despertar sexual es el típico de cualquier joven que siente atracción hacia otros hombres, pero que no puede verbalizarlo o hablarlo directamente con sus padres.

A la par con el desarrollo de la trama, algo oculto se va presentando y hace juego con la música, la transición de escenas y las locaciones introduciendo un terror incruento que nos atrapa y arropa, haciéndonos incluso igual de ilusos que Ezequiel.

Esta iniciación de Ezequiel en el mundo gay muestra los escenarios y estrategias de seducción que son y fueron utilizadas por muchos de nosotros y será lo que nos guíe al tema oculto de la película; una red de pornografía adolescente y sus diferentes tretas para lograr su objetivo y controlar a los menores.

Este tema podría ser complicado para algunos y caer dentro del concepto tabú. Sin embargo, El Cazador nos hace reflexionar sobre la construcción del deseo en un adolescente gay y como se derrumba al enfrentarse a los códigos y leyes del mundo. Me explico mejor, la impotencia que siente Ezequiel con sus padres a la hora de hablar sobre su sexualidad es el terreno fértil que labra el conflicto principal del film.

La película presenta padres distantes y ajenos que son víctimas de su propia cultura. Cuestionándonos si son ellos los culpables de que estas redes de explotación existan o si la verdadera culpa recae en los valores de una sociedad que enseña a los jóvenes homosexuales a tener que ocultar lo que son y lo que sienten.

Marco Berger no deja de sorprenderme. La manera en que reconoce a los personajes gays más allá de los estereotipos establecidos, incluso por la propia cultura homosexual, es digna de admiración y respeto. En el caso de El Cazador es de esa forma en la que se presenta una crítica sin volverse parte del problema. Acentuando la grandeza de Berger.

No me quiero despedir de esta entrada sin señalar algo que noté y que quizás sean meras conjeturas mías, pero que me han mantenido la mente maquinando. Los principales antagonistas de la película vendrían siendo “El Mono” y “El Chino” es curioso que Berger no le de un nombre propio a estos personajes y los conocemos por medio de alias, pudiendo incluso ser una percepción de lo intangible del delito.

De otra parte hay elementos dentro de El Cazador que nos hacen recordar otras películas de Berger. Javier de Pietro aparece brevemente y nos evoca recuerdos de Ausente. Algunas escenas de los jóvenes en el colegio nos revive un poco de Taekwondo. A mí incluso el título de esta película El Cazador me hizo recordar la escena (que coloco abajo de este párrafo) en Taekwondo, donde Germán está leyendo El guardian entre el centeno, que en algunas traducciones hispanoamericanas el título es El cazador oculto.

Para finalizar este recorrido por El Cazador y el cine de Berger, muchas entrevistas y críticas insisten en señalar que Berger con esta película camina dentro de un terreno cenegoso, personalmente no lo veo así. Que quizá la temática es un poco tabú sí, pero el manejo de primera que le dio Berger claramente lo posiciona en un camino de piedra sólida.

Como ya mencioné, la esencia de Berger está presente en toda la película. Aunque creo meritorio señalar que pinceladas de una nueva estética son apreciable en este film. En otras entregas el ideal de belleza masculina que impone el canon, y sobre todo la cultura gay, no estaba tan presente. El Cazador si nos trae un poco de esa cosmética esnob. Es cierto que uno de los personajes tiene una estética diferente que puede rayar en lo andrógino, pero lo que suele primar son los cuerpos esbeltos, un poco tonificados y de ese corte superficial que menciono.

El final de la película te coloca en una situación de reflexión. Es cierto que el debate que enfrenta Ezequiel se puede dar entre hacer lo correcto y cuidarse de sí mismo. Sin embargo, a mí me dejó un sabor diferente en los labios. Mirando fijamente a Ezequiel y analizando un poco su comportamiento, yo no descartaría que hubiera encontrado un cierto gusto o placer por la perversión y por eso tomó la decisión final.

Ahora sí, cierro el hilo sobre El Cazador. Lo único que señalo como negativo es que la película en cierto modo envuelve una oda a los productos apple (el iPhone, la MacBookPro, etc.) y eso lo veo como algo muy del cine estadounidense. Eso sería lo único que a mí no me convenció, pero es algo muy personal y en nada afecta el alto calibre del film. Los invito a todos a ver El Cazador y todas las películas que puedan ver de Marco Berger.

Califico esta película con un 8/10.

Big Little Lies (2017)

Continúo en el proceso de autobúsqueda, pero considero que es tiempo de retomar el ritmo y los hábitos que disfruto, así que espero volver a la carga por estos lares.

Recién he finalizado la actual entrega de los Emmy y los galardones que recibió la mini serie Big Little Lies me hicieron sacar de los borradores la entrada que esbocé una vez finalicé la serie hace unos meses.

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Esta serie está basada en el libro homónimo de la escritora australiana Liane Moriarty y catalogada como una comedia dramática oscura. Fueron unas expresiones en el libro, en las cual se le compara con un relato de Stephen King, las que me guiaron a la obra literaria y posteriormente a la serie.

El libro lo finalicé en menos de una semana, las intrigas, conflictos sociales y los escenarios, crean una especie de atmósfera oscura y siniestra, pero paradisíaca e idílica haciendo que cada página del libro se disfrute y goce con un deleite casi sagrado.

En el caso de la serie, dirigida por Jean-Marc Vallée, todo queda calcado exactamente igual, pero trasladando los hechos a la costa californiana de Monterey. Si bien es cierto que la decisión de HBO de llevar esta historia a escena con este lugar de desarrollo, se guió por cuestiones de universalidad y propaganda. No es menos verídico que la oda a la ciudad de Monterey, así como las escenas, la banda sonora de la serie y cada uno de los detalles escénicos, contribuyeron al éxito de esta serie.

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La historia narra principalmente las vidas de tres madres; Celeste (Nicole Kidman), Madeline (Reese Witherspoon) y Jane (Shailene Woodley) que de formas extrañas, sus vidas quedas entrelazadas y conjunto a Renata (Laura Dern) y Bonnie (Zoë Kravitz) crean lazos de amistad que esconden intrigas y solidaridades en una sociedad que nada es como aparenta.

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Los animo con vehemencia a ver esta pequeña serie (consta de 7 episodios), por lo que no adelantaré nada de la trama, ni escribiré sobre el desarrollo y la culminación de la misma. Lo que si menciono es que hacía tiempo que no me topaba con una producción “bien hecha”. Aquí nuevamente la cadena HBO sobrepasa a muchas industria antiguas y nuevas como Netflix y Hulu, dejando claro su superioridad, buen gusto y buena elección.

El éxito de Big Little Lies  es a mi criterio un conjunto de buenas decisiones y elecciones. La historia es bastante fresca, a pesar de que las protagonistas pueden ser mujeres cliché de la sociedad contemporánea, quedan muy lejos de ser las Desperate Housewives con las que la crítica las suele comparar. El suspenso y la intriga complementan a un elenco de primera que hace un juego casi divino con el ambiente y los escenarios.

wenn_emmys_2017_winners_reesewitherspoon_nicolekidman_091817_1800x1200La dirección y el elenco son de primera. Los Emmy pueden dar fe de ello. Personajes como Celeste, Madeline, Renata, Jane y Bonnie, nos enfrentan a deseos, pasiones, emociones reprimidas y una inmensa variedad sentimientos que nos visitan en nuestro día a día. Resultándonos tan fácil identificarnos con ellas.

Aquí, debo hacer hincapié en el galardón y la magnífica actuación de Nicole Kidman, merecen mucho más que un premio de la academia estadounidense de la televisión. Nicole Kidman a sus 50 años demuestra la talla de actriz que es y con clase y elegancia calla a todos los que hablaban de su descenso y el ocaso de su carrera.

la-et-emmys-2017-69th-emmy-awards-live-emmy-winning-big-little-lies-on-those-1505708882Sin ánimos de alargar más la entrada, los vuelvo a exhortar a ver la serie y a leer el libro. Basado en el éxito rotundo hay mucha especulación en las redes sobre una segunda temporada. HBO se niega a confirmar nada, pero algunas fotos en los perfiles de las protagonistas podrían confirmar o sugerir una segunda entrega. Aquí digo que me encantaría volver a ver en escena a este equipo, pero a la vez me aterra que una serie tan bien hecha, que roza la divinidad, no debería ser dañada con secuelas que muchas veces matan la esencia de la genialidad.

Califico el libro con un 5/5.

Califico la serie con un 9/10.

Emerald City

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Emerald City, promoción en la web de NBC

Tras diversos éxitos con clásicos universales y ese gusto común por la magia y la ficción, la NBC apostó por una versión más contemporánea y “dark” de “El maravilloso mago de Oz” teniendo como resultado la teleserie Emerald City. El proyecto originalmente estaba pensado para el año 2016, pero luego de una pausa, al final vio la luz. Aunque la base de la serie se halla en los libros de Oz de L. Frank Baum, muchos datos como la edad de Dorothy, el origen del hombre de hojalata, el león y el espantapájaros, dan giros inesperados e interesantes en esta serie.

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The Wizard and the Witches

Dorothy Gale deja atrás su tediosa Kansas y es arrastrada a una tierra mística que involucra choques de reyes, enfrentamientos de reinos y guerras, y que a la par entrelaza distintas dicotomías que van más allá de la clásica entre el bien y el mal, involucrando incluso ciencia-magia, hombre-mujer. La Ciudad Esmeralda y la atmósfera de la tierra de Oz están cargadas de misterios y bellezas que estupendamente quedan plasmados en los escenarios de Barcelona, Sevilla, Croacia y Hungría.

El fraude detrás del Mago de Oz se une a unas brujas magníficas y radiantes que rompen los esquemas y cánones de las brujas literarias y televisivas. Por mencionar un ejemplo, las brujas en la serie American Horror Story: Coven estaban dotadas de glamour y  gusto popular, pero carecían de la esencia de una verdadera y tradicional bruja.

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Las brujas cardinales

Esto no nos sucede en Emerald City, donde hallamos a unas brujas cardinales que entrelazan razas y culturas, mientras no pierden el glamour y el toque aterrante y atrayente. Es cierto que según la lente con que se mire, Glinda puede ser la bruja malvada y West realmente la buena, haciendo los guionistas un canje entre las brujas principales de Oz, pero recalco, todo depende de la perspectiva.

En el mundo de las series televisivas, considero que nos enfrentamos a un antes y después de “Game of Thrones”, el furor ha sido tal, que toda serie existente, o por existir, necesita una dosis de la médula de juego de tronos, entiéndase desnudos, sexo, conspiraciones y muerte, pero hablamos de la NBC que aunque bien es más PG-13 que la ABC, todavía no puede enfrentar a sus público a diálogos y escenas tipo “softporn”. Un fallo porque le darían muchos puntos extras a la serie.

Emerald City - Season 1

Emerald City, reparto

Personalmente, la trama me atrapó, el toque oscuro y siniestro la hace una serie para adultos y nos coloca ante tonalidades grises que no nos dejan claro cuestiones como bandos, protagonistas y antagonistas.

De forma abierta puedo decir que odié al Mago de Oz desde su primera aparición, ansiaba y soñaba con su muerte en cada episodio. Sin embargo, una Glinda que da miedo de sólo pensarla y una malvada bruja del Oeste que enfrenta conflictos arduos y humanos, se suman a personajes como Jack, el hombre de hojalata, Roan, el espantapájaros, y Ozma, la heredera de los Pastoria, y me dejaron con ganas de más.

Es probable que unos de los mejores aspectos de la serie sea su reparto. El elenco, si bien es de primera y nos brinda unos personajes frescos y reales, nos enfrenta a caras nuevas no tan recurrentes y recicladas en las series y películas. A pesar del final abierto que nos dejó esta primera temporada, todavía la NBC no ha decidido si renovará para una segunda entrega, con todas mis fuerzas espero que sí y los invito a ver Emerald City.

Califico la serie con un 8/10.

Adiós Penny Dreadful

En lo personal me afectó más el final de la serie Penny Dreadful que el “Brexit”. Hacía bastante tiempo ya, que no llegaba a nosotros una serie ambientada en una época pasada y que tan bien retratara el cosmos y la atmósfera de los años desarrollados. Es cierto que en algunos de los capítulos la intensidad, con la que arrancó la serie, bajó. También la capacidad de enhebrar las historias y el sincretismo histórico mermó.

No obstante, pese a esto que menciono, la estética romántica prevaleció y cumplió con todos los renglones de la cosmética del Romanticismo, tanto literaria como plástica. La oscuridad, la soledad, el héroe incomprendido, el amor, la muerte, el vanitas, la poesía, el Londres victoriano, la vida en el puerto, los gustos del momento, los diálogos entre personajes, la maldad, el sadismo, el anarquismo, la inmortalidad, la rebeldía, los prejuicios, entre tantos otros temas, fueron recogidos y calcados como si en efecto estuviéramos leyendo Frankenstein o el Castillo de Otranto.

pennydreadful3040117rjpg-6da8ca_765wLas constantes alusiones a Tennyson, Shelley, Clare, entre muchos más, no solamente rescatan los clásicos románticos, nos hacen sentir su grandeza y en mi caso incluso el mismo rubor en la piel.  Me quedo con un sabor agrio en los labios, esta última temporada desarrolló personajes extravagantes y extraordinarios como la doctora Seward, la pequeña Justine y la tanatóloga Catriona Hartdegen. Arquetipos románticos que bien hubieran podido explotar otra temporada de ocho episodios.

Considero meritorio recalcar la escena de la batalla final en la cual los protagonistas van a salvar a Vanessa Ives, es un culto, una oda al Romanticismo puro y duro, cargado con dosis de gore y la médula de los penny dreadful históricos. En conclusión, y por enésima vez citando a Baltasar Gracián lo bueno si breve dos veces bueno. Señalo finalmente el excelente reparto escogido y la magnífica actuación de Eva Green como los pilares de esta grandiosa serie.

A pesar de que historias, como la de Mina, Drácula y Dorian Gray, no alcanzaron el clímax añorado, califico esta serie con un 9/10.

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Star Wars VII – The Force Awakens

Star_Wars_The_Force_AwakensAdvertencia de “spoilers“. Star Wars es un sacramento para mí, fui de esos frikis que hoy fue a verla con mi sable de luz y unas emociones y expectativas tremendamente altas. En general, creo que volveré a verla próximamente y luego emitir otro juicio más valorativo, pero ahora, hablemos a simple vista.

Desde el momento en que vemos el logo de Lucas Film y comienzan a subir las letras amarillas algunas lagrimillas se nos escapan y compensan la ausencia del “20th century fox”. Si eres un fanático reciente o un espectador de masas es muy probable que hayas alucinado con toda la película y que ahora sientan una ínfima parte de lo que nosotros sentimos hace años.

La película goza de muchas conexiones con la trilogía original, tanto en personajes como en escenas, es una navaja de doble filo ya que si bien nos hace revivir momentos mágicos, nos coloca ante un “remake” algo así como el de “Clash of the Titans”. Es entonces cuando no sabemos si una prolongación del gran árbol es realmente tan fuerte e imponente como era o solía serlo.

Personalmente, no me agradó mucho la adaptación cinematográfica, a mí mejor déjenme con la historia original con Jania, Jacen y Anakin Solo. Considero que Disney no hizo un buen trabajo, ahora nos enfrentamos a guerras como las de Las crónicas de Narnia.

Los díalogos y el drama político tan particular y que es la génesis de la Guerra de las Galaxias, se remonta nuevamente a las fábulas moralizantes de la historia. Si no son los comunistas, ¿a quiénes vamos a demonizar y usar de carnada? La respuesta es sencilla a los Nazis, y aquí vamos, nos apartamos de la médula original para caer en clichés históricos y en ucronías coetáneas.

La trama no me enganchó, en la guerra contra otras cinematográficas Disney apuesta por el humor y escenas de diversión, pero no todas hacen sonreír, muchas están desabridas o son de ese humor clásico de serie de televisión que nos repiten incluso en series de terror. Nos encontramos ante un villano que mata a su padre y la emoción de la escena es la misma de cuando mato a una cucaracha y quiero salir corriendo pensando que el bichejo me va a tacar.

Si no vi mal ya le cortaron una mano o un pie, poco a poco será mitad hombre, mitad maquina, en el crucero galáctico… una mala replica de Darth Vader pues al menos aquel sí era una villano de verdad y si que nos enseñó a amarlo y a odiarlo. Los grandes sistemas planetarios y las riquezas pictóricas que veíamos también se perdieron en este nuevo camino, que no sé hacia donde nos llevará…

¿Qué me emocionaba más de este año?

¡Qué regresaba Star Wars!

¿Qué me asustaba más de este año?

¡Qué regresaba Star Wars!

En conclusión que ni siquiera me atrevo a calificarla en la escala de 5. Mejor la vuelvo a ver y emito otro juicio.

¿Qué ha pasado con las pelis de los superhéroes?

Aclaro de ante mano que en esta entrada me concentro en las películas del Universo Marvel y que contiene “spoilers” de las sagas del Capitán América, Los Vengadores y Thor. Dicho eso a lo que vine, desde chico he sido un “friki” con las historietas de héroes y los cómics, soy de esos geeks que su decisión más difícil en la vida ha sido seleccionar el pokémon starter en los vídeojuegos y bueno tener que escoger entre Marvel o DC. Es quizá por esa misma ilusión y mente de crío que cargo un poco con desilusión, mis experiencias con las recientes películas del Universo Cinematográfico de Marvel.

Como sucede con todos, hay quiénes tienen superhéroes favoritos y otros que detestan. Nos pasa igual con los villanos, que desde pequeños nos enseñan a odiar, pero en su inmensa mayoría acaban siendo más fabulosos que los propios protagonistas del cómic. Confieso que no empecé el orden cronológico de las películas y las vi al azar. Iron Man no es un superhéroe al que le tengo aprecio, por lo que mi juicio valorativo sobre el mismo no será objetivo y lo omitiré.

Mi aventura empezó con Los Vengadores, una de mis historietas favoritas. Una de las cosas más positivas que señalo es la excelente labor que se hizo con el reparto, tanto en conjunto, como en separado, creo que los actores son de primera y representan muy bien a sus personajes, no doy ninguna queja en ese aspecto. En esta primera película de los vengadores, se respeto bastante el cómic e incluso los cambios que enfrenta el personaje de Loki fueron amenos y los disfruté mucho. Quizás por eso me quedé esperando más y más de las demás. En general la historia sincronizó las previas y nos dejó intrigantes para el futuro, le doy un 8/10.

El Capitán America, como personaje, en las películas está bien trabajado, la mentalidad de la Gran Guerra y la postguerra creo que son bien encarnadas por Chris Evans, que cumple con todos los requisitos físicos para ser agradable al ojo del espectador y a la realidad estadounidense del momento. El sentido de honor, lealtad y los valores del tío Sam van acorde con todo.

El problema en el caso del Capitán América lo veo en la historia, que si bien sigue el hilo argumentativo de la historieta, en ese empeño por desmoralizar a lo nazi y lo soviético (Capitán América: el Soldado del Invierno), pierde emoción y ni los magnos efectos especiales ni la siempre guapa Scarlet Johansson salvan la película.

Mi afición enfermiza por Sebastian Stan, puede nublar mi juicio, no obstante, Bucky es un personaje maravilloso, como amigo de Steve y como el Soldado del Invierno es mucho más que un simple títere del gobierno soviético y el Hydra. En la película esto no lo vemos, es como si todavía nos estuviéramos enfrentando a propaganda de la entreguerra y la postguerra en pleno siglo XXI. No olvidemos que Bucky, según los cómics, acaba siendo el nuevo Capitán América… pero bueno dejemos eso para el futuro, que quizá cambie. Capitan America: the First Avenger la clasificaría con un 7.5/10, pero Capitan America: the Winter Soldier, desde mi criterio le daría un 6.5/10.

Thor por el contrario es uno de mis personajes favoritos, la historieta y la película no van tan ligadas de la mano, pero para deleitarnos con una película de dos horas, las adaptaciones fueron amenas y quizás un poco más de protagonismo a Jane Foster o verla en acción y no como una mujer débil hubieran sido un plus para la película.

En The Dark World se corrige un poco las fallas y vemos a una Natalie Portman más activa y el sacrilegio de no deleitarnos con Asgard fue remediado. Aunque eso sí el giro tomado y los hechos como van ocurriendo no me dejan claro alguna previsión o proyección para Ragnarök.

El carisma y encanto que le dieron al personaje de Loki triunfó mucho, pero creo que luego de The Avengers cuando volvemos a Thor: the Dark World, se abusó un poco del mismo, alejando al Loki tradicional por hacer uno más cosmético al público. Finalmente, las muertes de Frigg y Odín me dejaron un poco desorientado por no decir que desalentado. Thor la califico con un 8.5/10 y Thor: the Dark World con un 7/10.

Llegando entonces a Avengers Age of Ultron he acabado con un sabor completamente soso en la boca. Los efectos especiales van muy bien, los súperheroes tienen buena pinta, pero entramos en un caos pictórico y cinematográfico que a mi juicio no fue bien trabajado. Esta nueva película nos enfrenta a prácticamente nueve personajes principales, nueve historias que no todas encajan y que al ver la división del tiempo no es equitativa. Un Thor ausente, un nuevo romance entre Natasha y Hulk, los inicios de los roces entre Iron Man y Capitan America, se unen a un intento por rescatar el cómic, como la incorporación de la familia de Hawkeye, pero muchos diálogos y campos de acción acabaron siendo inconclusos o agobiantes.

Finalmente, las guerras de derechos y conflictos entre Marvel-Disney/Fox acaban dándole un giro radical a Scarlet Witch y Quicksilver, que no son mutantes, dado que Marvel-Disney están vetados por la Fox y sólo son Miracles, humanos alterados o mejorados.

La inclusión de estos personajes no fue la más acorde, pues causo muchos dolores de cabeza. Si bien las actuaciones fueron de lujo, mi maldición volvió a atacar y mis minutos de crush y fijación sexual en Quicksilver acabaron en la muerte del personaje… me quedé frito. En suma a que Ultron no es ni una milésima del gran villano del cómic.

Always in my mind sweetie!

Qué nos deparará el futuro cinematográfico de Marvel, no lo sabemos. Todavía no he visto Ant-Man y aunque Captain America: Civil War nos promete mucho, es cierto que visualmente no estamos preparados para un collage de súperheroes, no olvidemos que Spider-man, Black Panther y los Guardianes de la Galaxia se irán incorporando paulatinamente a las historias, también Dr. Strage.

Marvel apostó por un imposible, en las primeras películas manejo bastante bien el guión y la adaptación, pero mi sensación ahora es que se le está saliendo de las manos. Quizás sea por cuestiones más estéticas de llegar a un público de masas que hay que sacrificar al lector fiel a los frikis que amamos las historietas. A Avengers Age of Ultron le doy un 7/10 y espero con muchas esperanzas que todo esto mejoré y volvamos a la esencia de los superhéroes y los cómics.

You’re the worst (Season 1)

You're the worstHoy me alejo bastante del horror y el terror que tanto me encantan y reseño un poco una serie que hace unos minutos acabé y que el próximo miércoles inicia su segunda temporada. You’re the worst es producida por la cadena Fox y trasmitida por los canales FX y el nuevo FXX.

You-re-the-Worst-you-C2-B4re-the-worst-tv-series-37631295-960-800La trama gira en torno a Jimmy Shive-Overly, un insensible escritor inglés y Gretchen Cutler una cínica y autodestructiva relacionista público, dos personas tóxicas y venenosas que coinciden en un evento social y acaban formando una tormentosa relación, pero amena y divertida.

La serie es una tragicomedia contemporánea, cuenta con diez episodios de aproximadamente veintidós minutos y un reparto y guion de lujo que nos deleita con un rato hilarante. El tiempo de la serie es el actual y todo ocurre en el estado de California, Estados Unidos.

You-re-the-Worst-you-C2-B4re-the-worst-tv-series-37631272-960-800De una manera pícara e innovadora, se nos presenta a una pareja, cruel y perversa, pero con una conexión especial bastante agradable y única. Resalto que lo mejor de la serie es que nos enfrenta a un drama amoroso diferente mientras retrata y satiriza a la sociedad estadounidense contemporánea, los Sunday Funday, Brunchs, Hipsters, entre otros clichés coetáneos son joyas representadas en esta serie.

You-re-the-Worst-you-C2-B4re-the-worst-tv-series-37631285-960-800Creo que si alguno de vosotros desea pasar un rato de carcajadas y relax deberían verla. ¡Es estupenda!

Califico esta serie con un 10/10.

American Horror Story: Freak Show, ni horror, ni historia

AHSSucede con Star Wars, una obra tan magna y tan bien realizada, que los fanáticos de verdad estamos aterrados sobre lo que Disney hará con nuestra religión. Sucedió con El Padrino que luego de un gran éxito y alcanzar que muchos la llamen la mejor película de todos los tiempos, las secuelas no fueron tan buenas. Comienzo mencionando estos ejemplos para dirigirme al tema central de esta entrada American Horror Story.

En 2011 Ryan Murphy nos deleitó a todos los fanáticos del horror con una serie, que si bien no cuenta innovaciones del terror, si recoge pequeños clásicos de la cultura y folclor terrorífico estadounidense, como las casas embrujadas y los centros mentales, de manera cautivadora y muy bien trabajada con un elenco de primera. Sólo mencionaré a los cuatro fantásticos: Jessica Lange, Evan Peters, Sarah Paulson y Lily Rabe.

En la web nos describen American Horror Story, como una serie antológica dado que cada temporada es independiente a la anterior y el reparto interpreta diversos personajes. No obstante, la cuarta y la segunda temporada guardan relación de tiempo, espacio y personajes.

Lo que considero cierto, y creo que pocos me discutirían, es que la primera temporada Murder House y la segunda Asylum, fueron joyas de inicio a fin. Historias intrigantes, drama, horror, terror y un suspenso que nos atrapó hasta el último episodio.

Confieso incluso que con Asylum tuve noches de pesadillas y de dormir con la televisión encendida. Estas dos temporadas fueron excelentes, sumado a las actuaciones de Zachary Quinto, que siempre me desarma, y un drama exquisito. El resultado de todo esto es que los fans nos quedamos a la espera de algo cada vez mejor, cada vez más aterrador, cada vez más crudo.

American-Horror-Story-poster-AsylumLa tercera temporada, Coven introducía un tema fascinante; el Aquelarre y las brujas. Se incorporaban nuevos talentos a la empresa: Emma Roberts, Kathy Bates, Angela Bassett, y la publicidad nos dio unos afiches espeluznantes. En fin, al principio pensaba que era el exceso de estrógeno, para mi gusto, pero al acabar la serie me di cuenta que el traer las brujitas a la modernidad terminó por hacer de la bruja un papel tonto, incluso ridículo, como sucede actualmente con los vampiros y los hombres lobos.

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Si bien no digo que Coven fue mala del todo, si se empezó a alejar de lo que alguna vez fue American Horror Story. Pero bueno, entre intrigas y qué decimos y qué no decimos, se reveló que la cuarta temporada sería Freak Show combinando un poco los rumores que habían sobre que la cuarta temporada sería Circus acabamos con un grupo de fenómenos de Circo. Nuevamente las ilusiones revivieron.

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Hoy acabé la temporada. Empecé mal, los primeros capítulos me tenían más colgado al móvil que al ordenador. Freak Show apela al lado morboso y curioso de las personas y a ese sentimiento de temor a lo que no conocemos ni entendemos. Aún así los personajes y sus historias se perdieron a lo largo de la temporada.

Comienzo señalando que American Horror Story desde Coven se va alejando de los espacios cerrados y oscuros, un elemento que a mi juicio es vital. En el caso de la cuarta temporada me sentía por ratos como si estuviera viendo de esos programas locales como Judge Judy, Casos de la vida real, Caso Cerrado o incluso Hermano mayor. El terror y el horror fueron substituidos por dramas familiares y escenas que deberían ser macabras, pero en realidad eran graciosas.

Retomando el tema de los personajes, quedó muy bien el hecho de que cada uno está inspirado en una persona real que existió o existe, pero se sobrevaloró la historia de Elsa Mars. El cosmos de Freak Show si bien es un enredo del que tampoco nos apetece mucho saber, se mezcla con toques eróticos muy flojos y un argumento que no es que sea irreal, es que es tan imaginario que no da pie a ser pensado con horror. El miedo que tal vez nos podía perseguir con la historia del payaso, fue borrado en el quinto episodio.

latestCreo que señalaría como bueno que esta temporada hace un retrato de la crudeza y la crueldad del ser humano, factores que nos siguen hasta nuestros días. Es un excelente marco para el análisis y la reflexión de lo que son los fenómenos y sobre quiénes son los verdaderos monstruos en el mundo, pero como señalé ya, ese no es el punto de American Horror Story, para eso dejamos a los reality shows, las telenovelas y los libros de Paulo Coelho.

Finalmente se reveló hace un tiempo que la quinta temporada será Hotel y que contará con Lady Gaga como actriz principal. No sé que decir, no sé si reír o llorar. A mi me da bastante igual la mencionada artista, no conozco su faceta de actriz, tampoco la considero una innovación en el mundo artístico y cultural, pero bueno es lo que vende en el momento y es lo que metemos en la serie. Al final nunca sabemos que esperar de un burro, si una caricia o una patada. Ya el tiempo nos dirá.

Califico esta temporada con un 5/10.

Jupiter Ascending (2015)

Jupiter-AscendingRecién acabo de ver Jupiter Ascending, Así que brevemente reseño un poco mi experiencia con El Destino de Júpiter. Al principio decía ¡oh no por Dios! ¿qué están haciendo? ¡quieren usurpar los planetas, galaxias, razas y tramas de Star Wars!

No obstante, mi pánico y miedo a la innovación fueron desapareciendo a la vez que veía a la asombrosa Mila Kunis en el papel de Júpiter, a Maria Doyle Kennedy, Catalina de Aragón en The Tudors, Sean Bean (Boromir y Ned) y Eddie Redmayne, un reparto muy bueno.

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Me encantó la manera en que lo predecible y lo aburrido fueron tratados en esta película y como una combinación de elementos se barajaron tenazmente para no acabar ante una historia más de una Cinderella y unos villanos que quieren destruir la Tierra.

Debo decir que los efectos especiales y las representaciones de los planetas y la vida extraterrestre fueron trabajada extraordinariamente, teniendo como resultado unos paisajes idílicos y de ensueño que me ponían un poco la piel de gallina recordando Naboo, Coruscant y Mustafar. Eso sí, las naves y vehículos espaciales, muy modernos y todo lo que quieran, pero no tienen comparación con una Nave Real de Naboo o un acorazado espacial de la Guerra de las Galaxias.

JUPITER ASCENDINGLa historia y el hilo conductor de este film son, a mi criterio, llamativos y atrayentes. La forma en que son tratados los temas de la reencarnación y la vida en otros planetas, me pareció buena e incluso innovadora. Aunque nos encontramos ante una película de ciencia-ficción los líos burocráticos y el vicio de la cotidianidad se plasman perfectamente tanto en la Tierra, como en Júpiter o en cualquier otra galaxia.

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La película que gira en torno al gran destino genético que tiene Júpiter, moldea temas científicos, tanto astronómicos como genéticos, de una forma interesante y cautivadora. La explicación genética para la licantropía y el origen del mito de los vampiros en las razas como las casas reales, le dan un giro cosmético y bueno a los vampiros y hombres lobos, clichés de nuestra cultura popular, y que últimamente han sido destruidos gracias a los fenómenos del best seller.

En general recomiendo la película para pasar un rato ameno y disfrutar de los efectos especiales y las maravillas de la ciencia-ficción. Lo que quizás señalo como un poco negativo es que me he quedado con unas ganas inexplicables de saber más de esta cosmografía, conocer más sobre la Casa Abraxas, la cosecha de planetas, las razas, las armas, en fin algo así como una wikia, pero desafortunadamente este film no está basado en ningún libro y no tengo dónde ir a buscar respuestas.

Hermanos Abraxas

Hermanos Abraxas

Califico esta película con un 8/10.