Reflexiones en la Red

ArlequinaEn ocasiones no necesitamos saber el autor ni el título de una obra plástica para delirar. Es un momento en el que las metodologías y los años de estudio son un simple decoro, pues la colisión creada es un vínculo directo entre nuestra psiquis y la obra artística, utilizando los sentidos como vehículo de éxtasis y alucinación.

Eso que intento definir con palabras, y que tan difícil se me hace, fue lo que me sucedió hace algún tiempo cuando navegando al azar me topé con esta obra a la que yo llamé Arlequina, todavía la admiro y el impacto sobrenatural sigue latente en mí.

Creando el “Físico Masculino”

George Quaintance

George Quaintance

George Quaintance, no es muy conocido fuera de la atmósfera del mundo gay mundo queer. No obstante, fue un gran pintor, fotógrafo, ilustrador y bailarín estadounidense. Quaintance nació en Virginia en 1902, viviendo los inicios del siglo XX.

El siglo XX fue el tiempo de las vanguardias, los ismos, las guerras y las censuras. Todo lo mencionado va a marcar y definir a Quaintance como persona, pero más que nada como artista. En esos años fueron legisladas muchas de las leyes homófobas más radicales de América. Otro factor que condicionó el arte de Quaintance.

George QuaintanceSu arte se caracterizó por las escenas y los juegos entre hombres, que generalmente están ambientadas y desarrolladas en la antigüedad clásica, como Grecia y Roma o el lejano Oriente. Las mismas reflejan el gusto y goce de los hombres por las actividades entre sus pares y el disfrute de los juegos y la compañía masculina.

 

George-Quaintance-Homotography-7Los hombres representados por Quaintance son en general personajes fuertes, de un físico arrebatador, en buena forma, desnudos o semidesnudos, lo que elabora y acentúa el toque homoerótico peculiar de sus creaciones. Tanto el deseo como el interés sexual son factores casi explícitos en sus obras, sin embargo el artista logró mostrarlos lo suficientemente inocentes, en mi opinión no tan inocentes, para evitar las persecuciones de aquel entonces.

george-quaintance-apollo_oil-on-canvas_1952_sold-for-10350-00Las creaciones idealizadas de los hombres desnudos y musculosos que iniciaron con George Quaintance fueron la mayor influencia para crear el arquetipo del físico masculino, no sólo en el ambiente homosexual, sino que también en la cultura popular heterosexual. Estereotipos que conservamos hasta hoy día.

George Quaintance 05En general, se piensa en Quaintance como un artista gay, olvidándose que las revistas Beefcake como el caso de Physique Pictorial, fueron creadas para el público heterosexual masculino. El propósito inicial era promover el fitness y la salud, por lo que se mostraban fotografías de hombres jóvenes, guapos y musculosos en poses atléticas. Naciendo aquí el llamado “hombre ideal” o mejor dicho el “físico ideal”.

George Quaintance 12Aunque la figura de Quaintance no es estudiada lo suficiente en comparación a artistas como Andy Warhol, fue sin lugar a dudas uno de los pioneros del llamado arte gay. Fue el responsable de abrir un camino a artistas posteriores y mostrarle al mundo que un arte ha estado presente en la sociedad desde hacía siglos y va en crecimiento.

Al estudiar su plástica también encontramos toques que nos hacen pensar en grandes artistas como Giorgio de Chirico, Frédérich Bazille e incluso Egon Schiele en cuanto a lo abierto y explícito de la desnudes y las tramas.

quaintanceMuy a mi pesar debo decir que los estereotipos presentes en la obra de Quaintance, como los vaqueros o marineros exhibiendo su musculatura idealizada, siguen vigentes en la cultura gay contemporánea y son los más recurrentes en marchas y desfiles del orgullo gay, alejando a la comunidad de la aceptación y a mi criterio haciendo cada día más imposible la tolerancia y convivencia.

Cierro citando que Quaintance mostró un sentido simultáneo de pertenencia y aislamiento: no se identificó con su familia, al tiempo que se sentía ligado a «la experiencia y las memorias de muchas vidas». Fue ello lo que llevó al artista a buscar los escenarios de su obra en mitologías y fantasías locales, que enmascaraban y legitimaban a un tiempo el amor por otros hombres y sus cuerpos, algo que me identifica completamente con él y me hace admirarlo todavía más de lo que ya hago.

L’art de Daniel Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel A. Barkley

Daniel Barkley né à Montréal en 1962, est titulaire d’une maîtrise en Beaux-arts de l’Université Concordia. Il a à son actif nombre d’expositions solos et collectives au Canada et au Etats-Unis, notamment à New-York, Sante-Fe, Toronto, Calgary et Montréal.

En 2004, une exposition rétrospective fut présentée au Musée d’art contemporain des Laurentides et en 2007, c’est au tour du Hart House de l’université de Toronto de rassembler des œuvres ayant marquée sa carrière.

Il était finaliste lors de la dernière édition du Prix Kingston, concours pan-canadien de portrait et depuis 2000, son travail à l’aquarelle fut aussi particulièrement primé à travers différents concours à l’échelle national, y compris la médaille A.J. Casson de la Société canadienne de peintres en d’aquarelle en 2002 et 2012.

Daniel Barkley, Artodyssey.

Daniel Barkley, Artodyssey

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #2

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Icare #5

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Le Bain Bleu

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Rinse Bleue

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Morality Tale II

Daniel Barkley, Etude Brother's Keeper III

Daniel Barkley, Etude Brother’s Keeper III

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Men on bicycles

Daniel Barkley, Robert in Oil

Daniel Barkley, Robert in Oil

El museo como recurso en el proceso de enseñanza

Museo Dr. Pío López Martínez¿Qué importancia o qué lugar ocupan las artes en el proceso de enseñanza? Es una buena pregunta que de contestarse correcta y adecuadamente, tomando el tiempo y la seriedad que ello implica, mejoraría enormemente el sistema educativo de cualquier país.

El término educación es definido por algunos como el proceso de socialización en el que a base de aprendizaje se llega al desarrollo intelectual de las personas. Ahora bien, ¿qué medios y qué recursos se pueden utilizar para complementar este proceso tan importante? Una de las respuestas a esta pregunta es la implantación e integración de instituciones a los currículos y actividades extracurriculares.

AulaLa idea de “El museo como recurso en el proceso de enseñanza aprendizaje”, es frecuente en algunas de las metodologías modernas y fue una actividad que trabajé acompañado de un grupo de diversos profesionales con un fin en común; hacer contacto con los bienes culturales para utilizarlos en el salón de clase.

Como parte de este proyecto quedó demostrado cómo podemos convertir un museo en un aula de clases y como la misma se enriquece de los recursos culturales que tiene accesibles en muchas ocasiones.

Pedagogía

Pedagogía

Mediante el contacto cultural se promueve el desarrollo del saber y la razón. A través de este proyecto logramos hacer muestra de una realidad que ha estado presente desde la antigüedad hasta nuestros días y que rebasa todas las teorías pedagógicas; el proceso de aprendizaje es uno de retroalimentación en el que se benefician ambas partes.

En la actividad y las ponencias presentamos como el museo se puede convertir en “la casa de todos”, un concepto que beneficia grandemente a la educación y que rompe con los esquemas y estereotipos que se han creado, con el paso de los años, en relación a los museos. El museo no es un espacio privilegiado y exótico, para el disfrute y goce estético de una parte específica de la sociedad, sino una zona “vital primordial” llena de conocimientos e interacción.

puente-la-reina-gares_478_bigAl finalizar este encuentro hablamos del Museo Dr. Pío López Martínez como un puente entre dos espacios que de acercarse e interaccionar más podrían incluso fusionarse, dando un resultado satisfactorio a nuestra sociedad.

En el campo de la educación resulta un tanto irónico ver como los antiguos modelos, e incluso los nuevos estilos y sistemas educativos, promueven la enseña de campos como lo son las ciencias naturales y le dan de lado a las disciplinas que involucran la cultura y la humanidad.

Considero, que actividades y encuentros como lo fue este se deben promover más, no sólo en un recinto universitario, sino que a un marco regional educativo que involucre toda la nación. Resulta preocupante que los sectores más jóvenes de nuestra sociedad, en muchas ocasiones, ni siquiera pueden reconocer figuras y elemento claves de su cultura.

Como norma se intenta mostrar a nivel global que somos personas y ciudadanos “multiculturales” adentrando todo lo extranjero posible a nuestra cultura, pero al momento de hablar de nuestra cultura autóctona la inmensa mayoría son una tabla rasa.

La Escuela de la Bauhaus

Escuela de la Bauhaus, Dessau.

Escuela de la Bauhaus, Dessau.

La escuela de la Bauhaus fue una institución de enseñaza artística fundada por Walter Gropius en 1910 en Weimar y que se mantuvo vigente hasta 1933 en Dessau.

Vivió el tiempo de entre guerras, fungiendo como escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura. Su filosofía educativa giró en torno a preparar estudiantes en todas las áreas académicas para así ayudar al progreso social de acuerdo a las necesidades del siglo XX.

A pesar de colaborar e integrar diferentes disciplinas, la Bauhaus tenía el objetivo de lograr la arquitectura total, mezclando en los diseños todas las facetas del arte. La escuela de la Bauhaus trajo una manera innovadora de currículos y novedosas formas de dar las clases, mejorando los estándares y objetivos educativos.

Bauhaus_Stiftung_LogoEl manifiesto Bauhaus, dio la base al currículo de la escuela. El objetivo de la misma era entrenar a los artistas; artesanos, pintores, escultores y arquitectos, unidos en un ambiente de cooperación y retroalimentación. De esa forma todas las artes integradas, se vinculan a la industria y como resultado se tienen obras de arte totales que abordan todos los elementos de elaboración.

atelier-bauhausSe organizaron las aulas de la forma en que los artistas tenían sus talleres y todos los funcionarios y alumnos vivían en la escuela. La relación profesor-estudiante fue desapareciendo y se enfocó más la relación maestro-aprendiz.

A diferencia de las vanguardias tradicionales del siglo XX, Gropius propuso que el arte y la arquitectura regresaran a sus raíces artesanales, teniendo como inspiración la creación y no el diseño. Una visión que alude a los gremios medievales y al arte medievalista de conjunto, sociedad y sobre todo comunidad.

Artistas como Kandinsky fueron reclutados por la Bauhaus y se empleó la reproducción masiva que podía aportar mucho más a la sociedad. Dentro de todo destacó una visión socialista y muchos proyectos que quedaron inacabados, pero que muestran sus raíces de corte utópica. Fue el enfoque y el ansia de integrar el arte con la industria lo que llevó a la Bauhaus a explorar nuevas filosofías educativas y abrazar el concepto interdisciplinario como parte de su currículo.

bauhaus-hotelEn los estudios que he realizado, y en la mayoría de libros que he leído, la Bauhaus es muy poco estudiada. Algunos historiadores del arte no la miran como mucho ánimo dado que no encuentran un detonante radical como pasó con el Futurismo o una representación pictórica chocante como fue el Cubismo.

Considero que esta escuela guío a muchas otras que con el paso de los siglo fueron perdiendo el concepto de “universalidad” y se convirtieron en escuelas para las masas y el gusto popular. Tampoco debemos olvidar que al cerrar la escuela muchos profesores se trasladaron a Estados Unidos, específicamente a ciudades como Chicago y Nueva York donde un nuevo estilo Bauhaus continuó.

Movimiento, Futuro y la Vanguardia en Italia

» …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.«

futurismoEn la Italia de 1909, y previo a la Primera Guerra Mundial, surgió un manifiesto con premisas políticas radicales al que se comenzó a llamar Futurismo. Como ya he escrito en entradas previas, siempre que existen conflictos políticos, está demostrado que hay una mayor creación artística en todos los medios y estilos de vida.

Poema Futurista

Poema Futurista

El Futurismo fue una crítica social radical que tuvo a la guerra como motor y surgió como un movimiento literario con Filipo Tommaso Marinetti, poeta y dramaturgo, como líder. Los futuristas se acogieron al lenguaje radical, glorificando la guerra a la que no apreciaban como un mal elemento, sino como una cuestión positiva y necesario para el cambio social. El Futurismo ensalzó las revueltas, la tecnología y todo lo relacionado con las máquinas y el movimiento.

En los futuristas encontramos un germen muy similar al que años posteriores elaborarán y propagarán los partidos fascistas. Tenían la visión de una limpieza en la sociedad, ya que ninguno de los sistemas y modelos anteriores habían funcionando.

Italia desde el siglo XVIII no había producido artistas de gran nombre. No olvidemos que aunque en el siglo XX la capital del arte se consideraba París, y luego emigró a Nueva York, desde antaño se considera a Italia y sus ciudades como la cuna y meca del arte.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

La actitud y visión de mundo de los futuristas estaba guiada por el “chauvinismo” o patrioterismo, una creencia narcisista en la que se considera a lo propio del país como lo mejor del mundo. De manera radical se le une una alusión y énfasis excesivo en el nacionalismo, rechazando lo extranjero y abriendo paso a la ideología de superioridad racial.

La obra Manifestación Intervencionista de Carlo Carrà es un ejemplo en el que diferentes tipografías e imágenes alusivas a Italia, dan un sentimiento patriótico acompañado de una composición circular que sugiere dinamismo y movimiento. La técnica del collage y la fragmentación nos da aires e impresiones cubistas en la obra.

Lo que muchos historiadores pasan por alto es que sumado al chauvinismo; fue el Futurismo quien coció y desarrolló un arte nacional que fue de la mano con las nuevas políticas y que pasó a Alemania bajo el nacional socialismo.

El nacional socialismo pone a una raza inferior a otra y por ende justifica cualquier acción. Los futuristas vieron el lado positivo de la guerra, y según sus palabras, la misma servía como herramienta purificadora. Es una línea de pensamiento muy similar al discurso que años más tarde dio Adolf Hitler.

Los futuristas entendían que existía la crueldad y la maldad, pero no había formas ni maneras de erradicarlas por vías pacíficas. Se apoyan en un discurso que enfatiza a los fuertes, sólo ellos pueden sobrevivir, rechazando totalmente al pasado y enfocándose en un futuro prometedor y nuevo.

En el ámbito artístico los temas principales fueron la tecnología, la velocidad, el movimiento, la rapidez y el dinamismo. Los futuristas tenían conciencia del Cubismo pero lo consideran estático, no por ello no recibieron una retroalimentación del mismo y en algunos momentos hacen referencia a él como el que ya mencioné en la obra de Carlo Carrà.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

La obra que juzgo como ícono del Futurismo por excelencia, y una de mis pinturas favoritas, es Dinamismo de un perro sujeto con correa de Giacomo Balla. En el cuadro no importa nada, sólo el movimiento. Giacomo Balla logró pintar en una imagen estática el dinamismo y el movimiento. No hay narrativa presente, no hay historia y tampoco hay simbolismos, lo único y verdaderamente importante es el efecto del paso del tiempo.

Marinetti propuso en su manifiesto futurista quemar las bibliotecas, destruir todos los libros, universidades y quemar todos los museos. En otras palabras destruir todas las instituciones tradicionales europeas. Siendo, a mi juicio, la vanguardia más radical del siglo XX. La masiva destrucción evitaría la reflexión, las personas tendrían solamente una visión de mundo y se impediría el desarrollo de un pensamiento crítico y reflexivo, que tantas desgracias había traído.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

El Futurismo fue un movimiento de corta duración. Los eventos a los que debió su florecimiento tuvieron fecha de culminación temprana. Sin embargo, las ideas que promovió desarrollarán y jugarán un papel importante en los fundamentos políticos, ideológicos y sociales en el fascismo.

El Futurismo como la mayoría de las vanguardias, buscó romper con los cánones del pasado y los convencionalismos en la Historia del Arte. Los postulados principales radicaron en la acentuación sensual, el apego y propagación a lo nacional (banderas, guerras, soldados), una predilección impresionante por las máquinas y un interés peculiar por retratar el movimiento de las cosas. En esculturas como la de Boccioni se plasma el alto por ancho por profundidad por velocidad por tiempo. Teniendo como resultado final de la ecuación una obra que ante los ojos sentimos que se desplaza a través de tiempo y espacio.

A manera de conclusión soy partidario de que el Futurismo nació directamente del Cubismo. El paralelismo entre estas dos vanguardias es evidente. Observando muchas de las obras futuristas es imposible no pensar en Picasso, Braque y Gris. Aun así la obsesión por hacer visible la velocidad y el movimiento acabaron dándole características visuales únicas al Futurismo, siendo una de las vanguardias más radicales, originales y significativas.

Cuadrado, círculo, cuadrado, círculo, círculo, cuadrado

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

La otra corriente artística que surgió en la Rusia Bolchevique fue el Suprematismo, este movimiento artístico se desarrolló entre 1915 y 1916. Muchos de los artistas que formaron parte del Constructivismo emigraron o “evolucionaron” al Suprematismo. Sin embargo, es un error común clasificar al Suprematismo como una expansión, alargación o una rama dentro del constructivismo. Ambos estilos nacieron paralelos en Rusia y aunque recibieron una retroalimentación, yo diría que suprematismo y constructivismo son más independientes él uno del otro que movimientos como el expresionismo y el die brücke en la Alemania del norte.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

El Suprematismo se enfocó en las figuras geométricas con especial atención al círculo y el cuadrado. El padre de este movimiento o la gran mente, como lo llaman algunos, fue Kazimir Malévich. Las ideas de Malévich se alejan por completo de la funcionalidad y labor social que pregonaba el constructivismo, pues basándose en las figuras geométricas y el arte abstracto, proponía representar y plasmar lo más puro del arte.

El objetivo de Malévich, y dónde está la génesis del nombre del movimiento, era darle supremacía a la nada para así llegar a la representación del universo sin objetos. Los suprematistas rechazaron el arte tradicional y no les interesó seguir los estilos y modelos que se venían copiando en el mundo artístico desde antaño.

Suprematism.

Suprematism.

El suprematismo, al igual que el fauvismo, fue de las pocas vanguardias del siglo XX que no difundió mensajes sociales y no se comprometió con ninguna causa o sector social. Muchos críticos juzgan y clasifican algunas obras de Aleksandr Ródchenko como suprematistas. En adición a Kazimir Malévich otros artistas destacados del suprematismo fueron Liubov Papova, El Lissitzky y Naum Gabo.

El cubismo trabajó con las facetas y perspectivas de las figuras geométricas, pero fue el suprematismo el movimiento que se encargó se la representación tridimensional de la geometría. Las técnicas artísticas en ocasiones se mezclaron con tradiciones del folclore ruso como situar las obras en la unión de dos paredes, espacio tradicionalmente designado para los íconos religiosos.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

El Lissitzky trabajó con materiales no tradicionales intentando sacar el arte de las dos dimensiones y creó el término proun; concepto que usó para las obras que combinaban elementos de la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. Lissitzky destacó también en la técnica del collage y los carteles, siendo un artista destacado en la futura Segunda Guerra Mundial.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Naum Gabo, considerado por la crítica como  la antítesis de Vladimir Tatlín, a nivel teórico se opuso a las ideas del espacio que proclamó el constructivismo y escribió un manifiesto en contra de Tatlín. El argumento de Gabo indicó que el enfoque de los artistas debía ser en lo real, algo que trascendía más allá de la Faktura. Gabo se concentró más en las fórmulas matemáticas. En sus teorías hay confusión de términos, en ocasiones compartió puntos que le criticó a Tatlín.

Es importante señalar que las construcciones suprematistas debían ser hacia afuera, dándole al artista libertad de representación. Para los constructivistas las construcciones eran hacia dentro, condicionadas a la sociedad y la funcionalidad.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Ambos movimientos, aunque diferentes e incluso antagónicos, prepararon e hicieron caminar, no solo a la Rusia Bolchevique, sino también a toda la Unión Soviética en su inicio. Mientras el constructivismo preparó tecnológica e industrialmente a Rusia, el suprematismo lo hizo cultural y artísticamente. No olvidemos que algunas de las raíces de la futura abstracción y el xxpresionismo abstracto están presentes en el suprematismo.

La Construcción del Mundo

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Luego de la Revolución de Octubre de 1914, en la Rusia bolchevique surgieron dos tendencias artísticas de forma paralela. En la entrada de hoy me concentro en la construcción del mundo ruso o como en la historia del arte llamamos al movimiento artístico: el Constructivismo ruso.

La Rusia de las vanguardias fue el producto de climas de guerra desde antes de 1917. La Revolución Bolchevique o Revolución de Octubre derrocó al gobierno provisional e instaló un gobierno bolchevique que anexó una inmensa cantidad de territorios formando así la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

El objetivo de la revolución fue mostrar el poder de las masas al mundo. El gobierno central ruso comenzó a utilizar el arte, y sobre todo la arquitectura, como herramienta educativa. Cabe señalar, que antes de la formación de la URSS el gobierno bolchevique y los comunistas hacían uso del llamado Agit-prop; arte como propaganda de agitación. Tampoco debemos pasar por alto que el urbanismo y la Revolución Industrial, llegaron tarde a Rusia que se mantuvo aislada de todo el mundo.

Los avances tecnológicos moldearon en la Rusia bolchevique la concepción del arte al servicio de la política. El constructivismo ruso, por tanto, rechazó todo lo tradicional. Los cuadros y las esculturas eran vistos como una conexión con la burguesía a la que ellos intentaban aplastar.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

En la maqueta del Monumento a la tercera internacional, se hacía homenaje al progreso logrado gracias a la unión de la ciencia, la tecnología, la industria y el arte. Podríamos decir que aunque se aisló al arte de sus “funciones” y cánones tradicionales, en compensación se le integró al mundo primario dándole un valor funcional y vital en igualdad de condiciones con doctrinas, a veces antagónicas, como la ciencia.

En el constructivismo ruso algunos de los aspectos más importantes eran el espacio y el tiempo, que condicionaban al arte haciéndolo productivo, masivo y funcional. Más que artistas estas personas fueron teóricos en la creación de las posibilidades. Fue en Rusia donde la escultura moderna se fundió por fin con los profundos cambios sociales y políticos operados por la Revolución de Octubre dando como resultado la elaboración de grandes y ambiciosos proyectos.

Ninguno de los portavoces y miembros del constructivismo poseía formación escultórica. Los constructivistas crearon arquitecturas más radicales que cualquier otra tendencia de la época. Hacían una referencia especial a reorganizar el sentido visual en función del tacto. En mi opinión, diría que a pesar de romper con los cánones renacentistas, barrocos y neoclásicos hay una raíz medievalista en el constructivismo, vale recordar que el arte Medieval surgió como uno de comunidad, donde desaparecían los protagonistas y se aprovechaba y adaptaba las creaciones al espacio trabajado.

Georgia

Georgia

Los teóricos constructivistas más influyentes se oponían al idealismo, ya que todo se ponía a disposición de la creación de objetos útiles para la sociedad y la industria. A diferencia de movimientos como el Die Brücke, el constructivismo tenía una visión más optimista del hombre.

Cuando hablamos del arte no debemos pasar por alto el concepto Faktura: parte material y visible de la obra. El aspecto físico material, lo táctil del mismo y los distintos tipos de materiales son los cimientos de la vida cotidiana del Constructivismo.

En el ámbito de la propaganda y agitación destacó la figura de Aleksandr Ródchenko, un teórico que escribió un ensayo sobre la línea y que declaró que el color y la pincelada habían muerto. Ródchenko criticó a los artistas que se desplazaron hacia la otra tendencia artística; el Suprematismo y que alegaban que el arte era una manera de plasmar los sentimientos puros.

rodchenko3_122341sA manera de conclusión recalco que el arte del Constuctivismo tenía que ser algo pragmático. Los artistas como constructores pasaron de la bidimensionalidad a la tridimencionalidad. La Revolución Bolchevique y la Rusia Comunista, más allá de las demonizaciones y críticas que recibimos en Occidente, significó el cambio y la evolución de Rusia. En mis palabras diría que fue también la que preparó a Rusia para competir con las potencias europeas del momento.

No es menos importante el rol social que este movimiento significó, empleando a miles de artistas en su momento. Los artistas se convirtieron en agentes de cambio social,  que no se podían quedar ajenos a las transformaciones sociales. En Rusia, aunque no sea así hoy día, se construyó el espacio con posibilidades de mejoramiento social. Generalmente, recibimos la crítica de que los artistas dejaron sus verdaderas vocaciones o talentos, por hacer infraestructura y labor comunitaria. Sin embargo, y como siempre ando diciendo, no debemos juzgar el pasado con los criterios del presente.

Si os interesa el tema del Constructivismo ruso os recomiendo la película Man with a Movie Camera, la misma muestra las dos vertientes del Constructivismo: la social-política y la estética-cultural. No es una película de cine tradicional por lo que va en contra de la burguesía y las clases sociales. Juega con el tiempo y el espacio, dándole a la cámara la cualidad de ojo humano y mostrándonos la enajenación de la Unión Soviética hacia el mundo.

Un Puente Hacia Nuevas Dimensiones

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

El Expresionismo alemán, del que hable anteriormente, llevó a los artistas de la Europa del Norte a una lucha por un nuevo mundo. Querían pasar del universo existente a su utopía con bases artísticas. Estos artistas si contaron con una agenda política y social, a diferencia de las fieras salvajes en Francia. Ellos mismos se dieron el nombre de Die Brücke, El puente, pues eran el vehículo y guía para la nueva sociedad pensada.

Los miembros del grupo, reunidos en la ciudad de Dresde, eran artistas jóvenes, que pretendían llevar un nuevo tipo de arte y estilo de vida. En general abarcaron la visión de un mundo pesimista; entendiendo que la juventud era la única alternativa que tenía Alemania para lograr un cambio social.

Todos los pintores eran expresionistas y abandonaron y rechazaron la educación formal del arte, pensando despectivamente del fauvismo, que lo veían como muy idealista y superficial. Para algunos historiadores del arte el Die Brücke es la evolución del expresionismo, para otros es una categoría o etapa del mismo.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Los artistas del Die Brücke plasmaron lo peor del mundo en que vivían. Mientras Matisse quería trasmitir tranquilidad y placer desinteresado, los expresionistas alemanes querían excitar e incitar al público; donde el primero evitaba los problemas de la vida moderna, los últimos se sumergían en ellos. Los expresionistas sentían empatía por lo impuro, lo miserable y lo oprimido de la Tierra.

Aunque se suele ver al Die Brücke como un movimiento dentro del expresionismo alemán, se debe tener presente su base filosófica existencialista basada en Frederich Nietzsche como inspiración y una visión contraria al pensamiento cristiano. Para ellos el ser humano no tenía prueba de una vida lejana, el hombre tenía que vivir para hoy sin esperar el consuelo de una futura vida mejor. De acuerdo a ellos, el hombre para superarse no necesitaba depender de un dios sino de sí mismo, para lograrlo debía trascender de su condición actual creando al “superhombre”. El resultado final sería una sociedad armónica sin dependencia de nadie.

El Die Brücke entendía que ellos podían construir “el puente” para pasar del hombre al superhombre. Su enfoque se centró en la juventud, pues la revolución debía nacer desde la base de la sociedad. Los artistas de el puente formaron una comuna en la que vivieron bajo sus propias leyes y al margen de las normas sociales de la época. El Die Brücke no era un nombre o un simple movimiento, era un estilo de vida en todo el sentido amplio de la palabra.

Aunque criticaron al fauvismo y a Henri Matisse, esto no quiere decir que no se dio una retroalimentación entre las dos vanguardias. Ambos movimientos creían en la separación del color de su función descriptiva y tenían a  Nietzsche como instructor filosófico.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

El expresionismo empleó imágenes religiosas grotescas con Emil Nolde, el Die Brücke continuó con esta línea representativa y añadió a los marginados como protagonistas de su práctica. El impasto era la técnica grotesca por excelencia y la ciudad volvió a sus bases renacentistas en las que se convirtió en el centro de intercambio cultural.

A pesar de reconocer la importancia de la ciudad, para el Die Brücke las ciudades eran la herencia de generaciones anteriores, desgastadas y miserables. En su gran mayoría, los miembros eran hijos de la burguesía y como tales adoptaron la tradición de vivir en las afueras de la ciudad.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

El arte del Die Brücke fue uno impulsivo y contó con la participación activa de mujeres. Un ejemplo fue Paula Modersohn, quien se concentró más en temas personales como la mujer y la fertilidad y no se inclinó tanto por la mirada social y política. Muchas otras mujeres fueron acogidas en las comunas como musas.

Uno de mis artistas favoritos, fue uno de los miembros más destacados del Die Brücke; Egon Schiele. Egon mostró una visión más explicita y cruda, una crítica al arte tradicional y a la representación de la mujer a través de la historia del arte. (Mi análisis de Egon Schiele aquí.)

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Los pintores del Die Brücke querían denunciar las atrocidades del ser humano para cambiarlas. Más que una nueva estética del arte se centraron en crear una nueva ética. En mi opinión, más allá de la innovación y experimentación, fue el carácter de crítica y protesta lo que destacó del Die Brücke como movimiento artístico y vanguardia del siglo XX. En mis palabras diría que más que Der Blaue Raiter, fue el Die Brücke el movimiento que marcó y dio fin a la conocida Belle Époque del arte.

Egon Schiele Autorretrato, 1911 naranjaSi hablamos de Die Brücke como estilo artístico cabe señalar que dentro de sus características principales destacaron las siguientes tres:

  • Los colores estridentes
  • Las líneas caóticas
  • Los múltiples ángulos

Los temas preferidos por estos artistas eran los cargados de ansiedad y deformaciones. A la vez que nos presentaron sus propias inquietudes psicológicas también retrataron la sociedad decadente de principios del siglo XX. La presencia del simbolismo de Munch y el uso de colores y técnicas como las de Vincent van Gogh y Paul Gauguin son apreciables claramente. Algunos discuten lo innovador del Die Brücke plásticamente hablando, como ya mencioné me concentro y enfoco más en lo que el movimiento significó como estilo de vida y arte de protesta.


Cronológicamente al Die Brücke le siguen movimientos artísticos que ya he comentado anteriormente en este blog como lo son Der Blaue Raiter y el Orfismo.

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes. Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizá le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.