¿Es relativa la belleza?

En la entrada de hoy me alejo un poco de la lingüística y la filología para intentar abordar una cuestión que escuchamos a diario, pero que me parece no está del todo clara o bien podría ser que no se comprenda la semántica detrás de la expresión La belleza es relativa”.

belleza

Voy a comenzar por lo más básico definir de forma sencilla el término belleza:

1. Cualidad de una persona, animal o cosa capaz de provocar en quien los contempla o los escucha un placer sensorial, intelectual o espiritual.

2. Persona, animal o cosa que destaca por esta cualidad.

Ahora bien, luego de esa definición culminaría diciendo que, en efecto, la belleza es relativa dado que esa cualidad que tiene la habilidad de provocar placer sensorial, intelectual o espiritual seguramente será diferente en cada persona. Por lo tanto, puedo suspender la entrada aquí y eureka, pero como se imaginarán voy a indagar un poco más.

orange-color-namesUn ejemplo obvio sobre la relatividad de la belleza puede estribar en el color favorito de cada persona. Así para mí que me encanta el color naranja puedo decir que los atardeceres son bellos, algún adorador del color azul diría seguramente que el inmenso mar es lo más bello y así sucesivamente, es palpable la relatividad de la belleza.

Ahora me voy a adentrar en aguas más profundas. A lo largo de nuestro crecimiento, la enseñanza que recibimos y los valores que coleccionamos juegan un papel fundamental en nuestra apreciación sobre la belleza.

Aunque en la antigua península helénica ya Sócrates y Platón habían debatido y escrito sobre la belleza, no fue hasta el siglo XVIII que con la llegada de la Ilustración entra en el panorama la Estética como una disciplina filosófica que estudia las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza. Es aquí, donde a mi juicio, comenzamos a crear el modo particular de entender la belleza.

Estética

Diría entonces que existe una percepción de la belleza por parte de los individuos que se fue, y que va, convirtiéndose en un canon, pero es tan tangible que ha cambiado a lo largo de la historia. Es esa apelación a los sentimientos lo que nos va jugando una baza umbría con el pasar de los siglos. Si repasamos el ideal de belleza de al antigüedad notaremos que no es el mismo que el medieval, el moderno o el contemporáneo.

Lo que nos llevaría a preguntarnos si es percepción o sensibilidad lo que nos guía a definir a la belleza. En este renglón entran unos valores estéticos como la belleza, el equilibrio, la armonía, la tragedia y la horribilidad, entre muchos otros. Los mencionados valores hacen a las personas crear una escala que puede ser congruente a su sensibilidad de la belleza, pero que deja en evidencia que la estética es igual al gusto personal, mas no debería ser igual a la opinión colectiva.

Me explico un poco mejor; no porque la opinión converja en que una persona de tez clara, ojos verdes y cabello liso es bella, esto deba ser el dogma de la belleza. Aquí navegamos entonces en otro paradigma popular: la belleza está en el interior. Una aseveración que se volvió popular y que sirve de cobijo y consuelo al sector social que no cae en la cosmética del canon de belleza.

Belleza interior

En esa dirección llegó el siglo XXI y nos trae un nuevo arquetipo; la belleza socialEn la actualidad lo bello y lo estéticamente correcto lo dictaminan las redes sociales, los seguidores y los fans que crean una nube en el mainstream popular y que a pesar de no estar en el Medioevo nos enfrentamos a un sacramento o como me gusta llamarlo una teología de la belleza.

Belleza social

Sumado a todo lo que menciono vamos a entrar en el ámbito del lenguaje y su poder sobre la belleza. Tanto de manera oral como escrita podemos cargar los sustantivos, las personas o las ideas de un sinfín de adjetivos y diminutivos que nos permiten alterar un poco las ideas. Por ejemplo ningún ser humano socialmente correcto se atrevería a adirmar que un bebé es feo, pero si es común escuchar ese niño es graciocito. Por ese mismo camino si un niño mata una asquerosa cucaracha es un héroe valiente, pero si asesina a una indefensa y frágil mariposa es un posible psicópata que necesita ir a terapia.

A qué quiero llegar, hay muchos factores endógenos que crean la idea y la percepción de la belleza. Es erróneo afirmar así sin más que la belleza es relativa, porque nuestros valores, cultura y percepción juegan un rol importante en dicha definición. Esto que comento es así y no da visos de cambio, sin embargo, debemos ser flexibles en lo tangible de la idea y ser menos rigurosos y crueles con el tema.

En la belleza social del siglo XXI, la idea de lo bello, y lo sublime de la belleza, la dictan los famosos y los influencers de las redes sociales. Mientras sucede este juicio las miss universo nos hablan de la belleza interior, pero tienen que salir en bragas para un jurado y poder convertirse en la belleza mundial del año. En menor escala las personas obesas, que no tienen ojos claros o que quedan fuera de los renglones de la belleza colectiva se enfrentan al rechazo y la humillación diaria. En inglés lo llaman fatphobia, algo irónico pues no es un “miedo a los gordos” incluso el concepto abarca, rige y excusa a las tendencias del momento.

20110618-092820Esto de lo que hablo cala hondo, pues no sólo afecta al factor humano en la sociedad, también a las artes, los entornos familiares e incluso culturales. En esta última sección podría abarcar sobre la primacía blanca o lo bello del blanco que raya en las nociones racistas y nos lleva a equívocos lingüísticos donde lo malo o lo profano se adjetiva con el color negro y lo lindo y lo pulcro con el color blanco. Como presenta la imagen de la derecha.

Silvio Rodríguez en su canción alabanzas nos dice que cuando finalice la mutación nueva Edad Media habrá… aquí sigo sentando esperándola. Mientras tanto los invito a reflexionar sobre el tema, nuestro criterio siempre influirá en nuestras percepciones sobre la belleza, no obstante no debemos permitir que ese juicio nos nuble la capacidad de apreciación y aceptación.

Cierro la entrada afirmando que, en efecto, la belleza es relativa, pero me mantengo firme que dentro de esa relatividad contamos con unos cánones que nos brindan un molde dentro del cual colocamos lo que puede ser bello y lo arrastramos a nuestro diario vivir desde la infancia hasta la vejez. Finalizo dejando la siguiente frase de Vincent van Gogh:

“Encuentra bello todo lo que puedas; la mayoría no encuentra nada suficientemente bello”.

 

El Romanticismo Oscuro

Albert_Bierstadt_-_Mount_Corcoran-1Durante principios y mediados del siglo XIX el Romanticismo se bifurca en Norteamérica siendo notable dos ramas o corrientes dentro de este movimiento artístico, literario y político.

De un lado, y encabezado, por Ralph Waldo Emerson y Henry David Thoreau, encontramos el trascendentalismo, donde el idealismo puro prevalece y se centra en la creencia y los valores del alma y la luz interior.

No se debe pasar por alto que el trascendentalismo tiene su cuna en un movimiento de reforma dentro de la Iglesia Unitaria y que tiene como norte extender el pensamiento sobre el Dios interior y la intuición de cada individuo. En esa dirección para los trascendentalistas, tanto el hombre como la naturaleza gozan de una bondad innata albergada en un interior brillante.

577f2ff46e31791303c338d3699c2a958a4f3ff1Por otro lado hallamos el romanticismo oscuro con visiones menos optimistas del ser humano y la naturaleza. Aunque son estudiadas como dos vertientes del Romanticismo, el romanticismo oscuro es una reacción contra el idealismo trascendentalista y es representado por autores como Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne y Herman Melville.

Dark+Romanticism+Fascinated+with+evil,+madness,+murder,+and+deathEn este lado oscuro se explora al ser humano como un ente propenso al pecado y la autodestrucción. Es una médula puramente romántica que evoca incluso muchos de los postulados de la génesis romántica; el sturm und drang.

El punto de encuentro de ambas corrientes estribó en el reconocimiento de una espiritualidad en la naturaleza y el hombre, pero mientras los trascendentalistas lo veían como un punto mediador entre Dios y el hombre, los oscuros negaban cualquier noción de perfectibilidad humana. La naturaleza era concebida como una manifestación de verdades oscuras que el hombre tenía que enfrentar y que no daba lugar a ningún tipo de reforma social.

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cd5e3d047fbe6a222057b31a9b88911eLas obras de los oscuros eran retratos de individuos que fracasaban en sus intentos de reformas positivas. Las atmósferas estaban cargadas de elementos de horror, temas sobrenaturales y macabros, en suma a sufrimientos y tragedias. Todos estos ingredientes hacían al hombre propenso al mal y tenían consecuencias psicológicas funestas donde priman el pecado, la culpa, la venganza y la locura.

oehme_procession-webEn ese escenario que menciono, y sumando los grandes dotes de la literatura gótica clásica, se crearon los cimientos para la literatura de terror moderna. Los románticos oscuros pretendieron revelar verdades primitivas e irracionales usando el simbolismo para soslayar la pura razón.

Los motivos terroríficos emergen como la espuma y personas enterradas vivas, mansiones decadentes y encantadas y los tormentos psicológicos se encuentran entre las pesadillas recurrentes que plasman la vergüenza y el pecado oculto de los autores y la sociedad.

El romanticismo oscuro es a mi juicio la variación más pura del Romanticismo fuera de las fronteras europeas y la rama que sobrevive hasta el día de hoy. Si miramos un poco a los éxitos de series y películas de las últimas décadas podemos encontrar esta esencia oscura de la que hablo. Incluso si hacemos la investigación más exhaustiva y psicológica todos estos preceptos sobreviven en el día a día de las relaciones sociales y nos acompaña muchas veces desde el alba hasta el ocaso.

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Saint Tarcisius (ca. 1868)

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Saint Tarcisius, A. Falguière. ca. 1868

Como os había dicho en la entrada anterior, hoy voy a hablar un poco sobre la obra de arte que más me cautivó en mi última visita a Nueva York. En esta ocasión fue en el Metropolitan Museum of Art, donde mis sentidos se alinearon e hicieron colisión con la obra Saint Tarcisius del escultor francés Alexandre Falguière.

Alexandre Falguière nació en Toulouse el 7 de septiembre de 1831 y la crítica artística lo cataloga como un pintor realista y un escultor académico. Sin entrar en muchos detalles sobre la preparación y educación del artista, es meritorio mencionar que destacó en las esculturas de corte clásica donde priman los temas mitológicos y antiguos, campo en el que brilló y obtuvo el premio de Roma a la escultura.

File 2-15-18, 23 27 07Fue precisamente la escultura de San Tarsicio la que me impactó de sobremanera. Tarsicio fue un mártir de la iglesia católica que según el canon murió en la vía Apia de Roma cerca del año 257 d.C. bajo el mandato del emperador Valeriano. Es poco lo que se sabe de Tarsicio, la hagiografía se guía por las palabras grabadas sobre su tumba, por mandato del papa Dámaso I, y las cuales versan:

Par meritum, quicumque legis, cognosce duorum,
quis Damasus rector titulos post praemia reddit.
Iudaicus populus Stephanum meliora monentem
perculerat saxis, tulerat qui ex hoste tropaeum,
martyrium primus rapuit levita fidelis.
Tarsicium sanctum Christi sacramenta gerentem
cum male sana manus premeret vulgare profanis,
ipse animam potius voluit dimittere caesus
prodere quam canibus rabidis caelestia membra.

Tarsicio es venerado en la iglesia católica como el santo de los acólitos y su celebración es efectiva el día 15 de agosto (únicamente en el martirologio romano). Se entiende que como acólito recibió la encomienda de llevar la eucaristía a los cristianos presos por proclamar la fe. Escondida la Sagrada Comunión bajo sus mantos, fue atracado por un grupo de jóvenes que exigieron que entregase lo que escondía y Tarsicio se negó y murió apedreado y apaleado.

La historia de Tarsicio fue rescatada por el cardenal Nicholas Wiseman, que lo presenta como un joven acólito en su novela Fabiola. Fue gracias a la obra del clérigo que la imagen de Tarsicio se renovó y llegó a ser representada de forma artística por Falguière y por consiguiente perpetuado en la psiquis colectiva.

El artista eligió para su obra el momento del martirio del joven. Se presenta a Tarsicio con su vestimenta rasgada y con las escrituras de su epitafio colocadas en la base de la escultura. Falguière logró un nivel insospechable de seducción con esta pieza, en los años posteriores fueron muchas las replicas y representaciones de la obra. Para lograr su cometido el artista utilizó un joven que posó desnudo frente a un fotógrafo y añadió los elementos de la ropa mutilada y las piedras alrededor del escenario para confirmar el suplicio por lapidación.

File 2-15-18, 23 27 27Es, a mi criterio, en las expresiones faciales de la escultura donde Falguière acentúa su maestría de la técnica y nos cautiva con pasión, dolor y atracción. Estar frente a esta obra artística desborda los niveles de sensualidad y son trasmitidos casi de cuerpo a cuerpo, logrando un éxtasis similar al que expresa Juan de la Cruz en sus letras.

El enlace fulminante e incluso místico que creó esta obra en mí fue tan desorbitante que podría decir que en un lapso indescriptible pude sentir el dolor y la pasión del martirio de Tarsicio.

La crítica se ubica más en la línea de pensamiento sobre la cual se especula que esta escultura representa un dolor sin represiones por el martirio. Yo en cambio, inclino más la balanza hacia otra dirección, esta obra plástica simboliza para mí la pasión del suplicio, esa frágil línea que raya entre el dolor y la excitación. No podemos pasar por alto que la hagiografía clásica nos indica que Tarsicio murió no sólo apedreado, sino también apaleado.

 

 

Martes de Tennyson

La Sirena

sirenas1Pero por la noche erraría lejos, lejos,
dejaría que cayera mi cascada de rizos,
saltaría aérea sobre el trono y jugaría
con los tritones entre las rocas;
correríamos de aquí para allá, escondiéndonos y buscándonos
sobre los altos y ondulados terrenos marinos en los lechos carmesí,
cuyos plateados riscos se asoman al mar.

Pero si alguien se acerca gritaré
y como una ola saltaré desde las cornisas plateadas
que sobresalen de lo profundo.
Porque a mí no me besaría cualquiera de los atrevidos y
alegres tritones del fondo del mar;
ellos me seguirían y me cortejarían y me halagarían
en el ocaso púrpura del fondo del mar.

Pero el rey de todos ellos sí podría raptarme
y cortejarme, ganarme y casarse conmigo,
entre las ramas de jaspe del fondo marino.
Entonces todos los seres que están en los traslúcidos musgos
del fondo oceánico, se enroscarán silenciosamente
a mis pies de plata, mirando hacia arriba, buscando mi amor.
Y cuando yo cantara alegremente desde lo alto,
todos los seres blandos, ahorquillados y con cuernos
se asomarían a la honda esfera del mar
y mirarían abajo buscando mi amor.

A little bit of Greco

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Doménikos Theotokópoulos, el Greco, es uno de mis pintores favoritos, así que hoy he decidido introducir un poco de su obra. Este magnífico artista, adoptado por España, se ubica cronológicamente en el periodo que llamamos Renacimiento, aunque a mi me gusta más clasificarlo como manierista.

Entre las muchas características que marcan el siglo XV europeo, resaltó la belleza ideal, que va más allá de la naturaleza, nos hayamos ante una beldad matemática en la cual la palabra clave podría ser proporción. Las medidas, el sistema métrico y la belleza artificial del mundo, se convierten en complementos necesarios para alcanzar el ideal de belleza del momento.

La perspectiva tridimensional o el afán de convertir algo de dos dimensiones en un espacio que aparente tres dimensiones, es otra peculiaridad de este siglo y es obtenida mediante los cálculos matemáticos, marcando un punto focal y trazando diagonales para luego acomodar los componentes de la obra en orden de tamaño ascendente.

El Greco, Laocoonte

El Greco, Laocoonte

Finalmente, y la que debe ser la característica más importante dado que otorga el nombre a este estilo artístico, es la vuelta a los modelos clásicos griegos y romanos o al llamado mundo grecorromano, grecolatino para otros. Distinto a lo que señalan muchos historiadores del arte, soy de la opinión que el Renacimiento no es una copia del Clasicismo, sino una inspiración basada en unos ideales de belleza, medidas y proporciones.

Es este entorno presentado, es en el que colocamos al Greco. No obstante, como pasa con la mayoría de los estilos artísticos, no son dogmas de fe y mucho menos estáticos de su principio a su final. Entran entonces subcategorías o, como prefiero llamarlas, corrientes que agrupan un conjunto de particularidades que permiten  y facilitan su estudio.

El Greco, San Sebastián

El Greco, San Sebastián

Es así como llegamos al Manierismo aproximadamente para el año 1520. Cuando en el Renacimiento la belleza se supera por la emoción es que hablamos de Manierismo y es cuando, a mi criterio, mejor destaca y sobresale el Greco.

La formación del Greco se dio entre su natal Grecia, en Italia y España. Los roces religiosos a los que se expuso el artista a lo largo de su vida serán influencia decisiva en sus pintura y creaciones artísticas. En la Grecia del momento eran cristianos ortodoxos, pero el Greco pertenecía a la minoría católica, enfrentándose a una dualidad de principios artísticos y pictóricos.

El Greco es uno de esos artistas que logró un lenguaje pictórico propio, en otras palabras sus pinturas son reconocibles por rasgos únicos. Aunque en la historia del arte no hablamos de una Escuela del Greco ni utilizamos un adjetivo como greconiano, sin lugar a dudas, el Greco nos deleitó de una forma singular.

El Greco recibió su oferta de empleo desde España y es en la ciudad de Toledo donde el artista madura y evolucionas sus técnicas pictóricas. Mencionando algunos ejemplos de su trabajo, marcaré algunas de las características particulares y únicas que definen el Manierismo, pero más que nada al Greco.

Recalco que donde más destaca o, según algunos historiadores del arte, triunfa el Greco es en los retablos y la pintura religiosa. Esto no debe sorprendernos, dado que todavía es temprano en el tiempo para la aparición de múltiples museos y por lo tanto las formas más importantes en las que un artista plástico podía resaltar y ganar dinero y fama eran o en la corte o en la iglesia.

El Greco, La anunciación

La Anunciación, realizada entre los años 1575 – 1576, presenta el momento en el que el ángel Gabriel anuncia a María que será la madre de Jesús. El objetivo primordial de la obra es mostrar la espiritualidad. A simple vista, y más allá de la perspectiva central y el fondo clásico tridimensional, se aprecia la división de la obra en dos escenarios o mundos propios diferentes; el cielo y la tierra. Si bien no podemos afirmar que esto sea una técnica propia del Greco, sí fue él uno de los que mejor la utilizó.

Seguido de lo mencionado, destacan los colores antinaturales o colores imposibles, algo puramente del Greco. Estos colores eran básicamente imposibles en las vestimentas de la época, lo que causaba una emoción máxima en los espectadores.

En la virgen María notamos que esta vestida de los colores rojo y azul, aquí nuevamente el Greco fue un pionero en la historia del arte creando una iconografía y simbología en la vestimenta de la virgen, basada en los códigos religiosos de la Contrarreforma y que abundo en esta entrada anterior. La virgen con esta vestimenta representa a la virgen madre, posterior al milagro.

El expolio, es una obra emblemática del Greco. Luego de su realización la Catedral de Santa María de Toledo decide no pagarle al artista. La razón que da la iglesia es que es un cuadro que no se ajusta a los ideales de la Contrarreforma y a los valores de los católicos del sur. Todas las imágenes del momento, más rigurosamente en España, eran controladas por la iglesia, pues las mismas iban a inculcar un dogma.

El Greco, El expolio

El Greco, El expolio

El litigio entre el Greco y la Iglesia se extendió y se aclaró que no era un problema de calidad artística, sino de representación escénica. Nuevamente, hayamos la perspectiva central, la división en dos mundos, los colores imposible, pero ahora nos encontramos frente a una nueva peculiaridad del Greco; las figuras alargadas.

Los conflictos que la iglesia planteó al Greco eran que algunos personajes eran más altos que Jesucristo y le roban protagonismo, era una escena del siglo I y aparece un soldado del siglo XVI y en la parte inferior izquierda de la obra aparecen las tres Marías, algo que de acuerdo a la Biblia jamás sucedió en el momento en que van a desnudar a Cristo para ser crucificado.

El Greco de forma muy elocuente responde a la iglesia planteando que efectivamente hay personajes más altos que Cristo, pero él lleva ropa roja lo que acapara toda la atención, aunque si hay un soldado del siglo XVI, no podían olvidar que el dogma de Cristo no tiene caducidad y cierra mencionando que a pesar de que ningún evangelio dice que las tres Marías estuvieran juntas, el utilizó un libro de San Buenaventura que habla de la humillación que sintieron las tres Marías en el momento que desnudaron a Jesucristo.

Gracias a la polémica levantada por la iglesia El expolio se hizo famoso y el Greco se dio a conocer en toda la península Ibérica, la iglesia nunca pagó por el cuadro lo que lo hizo un fracaso económico, pero irónicamente a su vez un éxito publicitario.

El objetivo del Greco se convirtió en ser pintor de Felipe II, el monarca más poderoso del momento y que se encontraba trabajando en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Felipe II encargó una obra al Greco para el Escorial y el artista realizó El Martirio de San Mauricio.

El Greco, Martirio de San Mauricio

El Greco, Martirio de San Mauricio

Esta, que fue la gran oportunidad del Greco, no cumplió con las expectativas del rey. Felipe II pagó 500 ducados por la obra, pero no le encargo ninguna otra pintura al artista. La opinión del rey coincide con la de la iglesia, la obra no se adapta a los ideales de la Contrarreforma. El arte del Greco se apreció como uno pasivo y benevolente, no agresivo.

El cuadro no muestra claramente quien es San Mauricio, un hombre que se negó a reconocer a otros dioses y se convirtió en santo. El Greco puso el énfasis de la obra en la decisión de morir por la religión y no llenó las expectativas del monarca. En el cuadro se acentúan todas las técnicas que ya he mencionado del Greco, sobresaliendo más que nada las figuras alargadas y los escorzos en el mundo divino.

El Greco es el maestro de la técnica del escorzo que consiste en representar una figura saliendo de la perspectiva central hacia el espectador, una de las más difíciles técnicas artísticas. En el mundo del arte homoerótico moderno, se señala al Greco como uno de los pintores que mejor embellecé y resalta la figura masculina, esta obra bien podría ser un ejemplo de ese señalamiento.

Luego del fracaso con Felipe II, el Greco se quedó en Toledo y sólo trabajó la pintura religiosa, con alguno que otro retrato. El mercado del arte del momento eran las iglesias y afortunadamente el Greco se convirtió en el favorito de las iglesias.

El Greco, Entierro del conde Orgaz

El Greco, Entierro del conde Orgaz

Para cerrar este pequeño viaje por la obra del Greco presento la que a mi juicio es la obra más madura y fluida del artista; El entierro del Conde Orgaz. Esta obra fue un encargo del párroco de la Iglesia de Santo Tomé en Toledo. La obra dividida en dos mundos, el celestial y el terrenal, utiliza a los ángeles como elemento de transición entre ambos y que representan al alma del conde Orgaz.

En la tierra ocurrió un milagro, un hombre tan bueno muere y dos santos descienden del cielo a cargar su cuerpo, los santos son San Esteban y San Agustín, los símbolos en su ropa los identifican. Según el dogma católico, ni los santos, ni los milagros caducan. El cielo se observa como una explosión o derroche de luz, algo que nos acerca a las ideologías dantescas del paraíso.

Dios, la virgen María y san Juan forman un triángulo, la figura perfecta por excelencia. La virgen madre, vestida de rojo y azul, es acompañada por un sinfín de santos, representativos de los dogmas del catolicismo. Una curiosidad señalada es que en el espacio celestial el Greco pintó a Felipe II. Los historiadores del arte dividen sus opiniones sobre el porqué Felipe II aparece en la pintura. Para algunos el Greco no perdía la esperanza de trabajar para la corte, para otros es la manera de pensar y vivir en ese siglo lleno de guerras, el rey está en el cielo porque está haciendo todo lo posible por la única religión.

El Greco, el caballero de mano en el pecho

El Greco, el caballero de mano en el pecho

A manera de conclusión coloco algunos de los retratos y paisajes que realizó el Greco. Aquí resalto las técnicas de los rostros simétricos y los aros de luz que bordean los personajes y elementos haciendo juego con los fondos neutros y los semitonos.

Considero a este artista un eslabón fundamental en la cadena de la historia del arte. No podríamos hablar de pintura religiosa española sin tocar al Greco, tampoco hablar de pintura metafísica sin la simbología que en su momento el Greco comenzó. En el mundo español es aún más vital dado que como se observará en futuras obras de Velázquez, Goya, Picasso y Dalí, las alusiones e influencias del Greco son muy evidentes.

Tristemente con la muerte del Greco se pasó al Barroco y se olvidó un poco al artista. Elementos barrocos como el tenebrismo y los claroscuros ya son apreciables en las obras finales del Greco, así como una pincelada suelta y cada vez más alargada.

El Greco, Vista de Toledo

El Greco, Vista de Toledo

 

Pintura para pensar

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Georgio de Chirico, Antique horses on the aegean shore

Ya comenté un poco el arte italiano del Futurismo, hoy pongo los ojos nuevamente en Italia, que fue la cuna de otro de los grandiosos movimientos artísticos; La Pintura Metafísica. Esta corriente artística fue gestada por el magnífico Giorgio de Chirico y uno de los grandes del Futurismo; Carlos Carrà.

Las pinturas de los metafísicos suelen representar plazas o lugares públicos idealizados y acompañados de una inmensa yuxtaposición de objetos, creando así un mundo en el que convergen las visiones con el inconsciente del artista. La Pintura Metafísica fue, sin lugar a dudas, necesaria y una de las principales fuentes de inspiración para el desarrollo de los futuros movimientos llamados Dadaísmo y Surrealismo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Giorgio de Chrico, La conquista del filósofo.

Ejemplos como “La Conquista del filósofo” de Giorgio de Chririco abarcan una obra completamente llena de elementos y factores tanto objetivos como subjetivos. No es posible pasar por alto algo, dado que todo en la representación goza de un simbolismo y significación mucho más importante que las pinceladas, colores o método de elaboración. Es de vital importancia el paso del tren bajo el reloj, como las alcachofas del primer plano, símbolos de sabiduría, conocimiento y que no debemos olvidar que hay que llegar al corazón de la alcachofa para deleitarnos con su sabor.

El gran juego

El gran juego

La inquietud por explorar el mundo interior del artista y el deseo por representarlo fueron los detonantes para crear esta nueva corriente artística. La Pintura Mestafísica suele estar cargada de objetos cotidianos que tienden a ser sacados de su contexto original por los artistas, dándole estos sus particulares y personales significados y representaciones. En la mayoría de las pinturas la yuxtaposición de los componentes suele unir diversos mundos o tiempos, e incluso hacernos ver un mundo irreal como real. 

DE CHIRICO 1La mayoría de objetos, plantas, edificios y demás componentes suelen ser representados de una forma que cumplen con las definiciones sociales de “realidad”, sin embargo, el contexto y el mundo de la pintura suele estar lleno de destinos o lugares que no suelen responder a la realidad representada de las cosas. Así pues, podremos ver un tren en el cielo, frutas tropicales en el ártico, entre una gran cantidad de elementos y escenarios “incompatibles”.

Georgio Bains mystérieux avec statue ou L'Idole des bains mystérieux , vers 1948El simbolismo es un elemento esencial en la Pintura Metáfisica y de vital importancia para la correcta comprensión de las obras y el movimiento artístico. Es por ello que muchos críticos del arte y estudiosos llaman a este movimiento como uno “elitista” que fue sólo para un sector social.

Más allá de las mencionadas críticas, en lo personal, considero que es un movimiento que necesita ser estudiado para ser entendido, pero no por ello debe ser etiquetado como secesionista y burgués.

Giorgio de Chirico, Palfreniere con due cavali, 1937Los juegos de colores, escenarios y elementos componen retruécanos pictóricos que es a mi juicio uno de los mejores legados de la pintura metafísca. En suma las complementaciones geográficas, territoriales y los elementos clásicos grecorromanos así como los toques homoeróticos hacen de Giorgio de Chirico uno de mis artistas preferidos y un gran maestro que sirvió y sigue sirviendo de inspiración a muchos artistas.

El GRANDE de los grandes

>>No puedo expicar la sensación al ver eso, me invadió y me consumió. Toco tan hondo que no me podía quedar tranquilo<<.

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Guernica, Pablo Picasso. 1973.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, Ciencia y Caridad. 1897.

Pablo Picasso, sin lugar a dudas, ha sido uno de los artistas más grandes que ha tenido nuestra historia. Aunque fue poseedor de un talento innato para crear obras de la magnitud de Velázquez, elaboró un lenguaje propio, muy personal y único.

Pablo Picasso

Pablo Picasso

Picasso abandonó su natal Málaga a temprana edad, estableciéndose en Barcelona; ciudad que sin duda marcó la evolución artística y su visión de mundo. Muchos artistas se parecen a su ciudad, Barcelona fue la Ciudad de la Furia para Picasso.

 

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso, Viejo con Guitarra. 1903.

Pablo Picasso es una figura clave en el desarrollo de la pintura y la democratización del arte. En su carrera encontramos pinturas tradicionales españolas, pinturas melancólicas y nostálgicas muy características de su “Periodo Azul,”

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

Pablo Picasso, Joven Conduciendo un Caballo. (Periodo Rosa)

los vaticinios de un cambio radical, que comenzó en el que los historiadores del arte llamamos “Periodo Rosa”, figuras colosales, diferentes perspectivas conviviendo en un mismo plano, geometrización y un sinfín de nuevas características nunca antes vistas, o muy poco tratadas, en el mundo de la Historia del Arte.

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Dos Mujeres Corriendo por la Playa. 1922. (Etapa Colosal)

Pablo Picasso, Les Demoiselles D'Avignon. 1907.

Pablo Picasso, Les Demoiselles D’Avignon. 1907.

La constante búsqueda y el interés en otras culturas, como la africana, llevaron a Picasso a adentrarse en un mundo mágico que tuvo como resultado el “cubismo“.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso, Autorretrato. 1907.

Pablo Picasso fue una figura clave para los posteriores movimientos de vanguardia en Europa. Gracias a él, el arte comenzó a dejar de ser una simple reproducción o representación simbólica. Picasso dio una nueva definición al arte. Un arte libre que no se rige por reglas arcaicas y que no es exclusivo a los sectores elitistas de la sociedad. 

Gracias y feliz cumpleaños Picasso.

El Museo del Romanticismo

Noche triste viste ya,
aire, cielo, suelo, mar.
Mirando del mundo profundo solaz,
esparcen los sueños beleños de paz.

Museo del RomanticismoCreo que no es un secreto para ninguno que soy un romántico empedernido, así que porque no aprovechar los ratos que me quedan libres para complacerme y dedicarme al savoir-faire, llegando así al Museo del Romanticismo en Madrid.

Este magnífico y sencillo museo, fue fundado por el Marqués de la Vega Inclán quien donó la mayoría de sus obras y proyectó el foco y enfoque de la institución artística. Aunque sin el Marqués no existiera hoy día el museo, es de igual importancia la aportación de José Ortega y Gasset. Este filósofo español en su obra; Para un museo Romántico, creó una especie de manifiesto sobre los postulados y rigores a tomar en cuenta para la creación de un nuevo museo, uno romántico.

Como nos señala en su obra Ortega y Gasset, el Museo Romántico es una encomienda. El Romanticismo resume la vida española de la primera mitad del siglo XIX. Me atrevo a decir que incluso los estilos de vida e ideologías como el nacionalismo vasco y catalán, también absorbieron y enriquecieron sus soportes con el movimiento artístico y literario que llamamos Romanticismo.

Real Hospicio de San Fernando

Real Hospicio de San Fernando

En palabras de Ortega y Gasset, en el caso de Madrid fue gracias a los románticos que la historia se vistió de color. Originalmente el proyecto para el Museo Romántico estuvo enfocado en el edificio Real Hospicio de San Fernando, existía una necesidad estética incluso en las construcciones para reconocer y ensalzar lo oriundo de Madrid.

El estilo Barroco de la edificación representa el triunfo de la pasión sobre la razón. Sin embargo, José Ortega y Gasset demuestra y señala las similitudes entre Barroco y Romanticismo, pero aclara que el barroquismo en ocasiones reflejó una pasión muda, en contra parte el Romanticismo abundó en expresiones y palabras.

Aunque el Hospicio debió ser el edificio para el Museo Romántico, hoy día es el Museo de Historia de Madrid, quedando la época impregnada en sus muros y como la exhortación del filósofo a unos “vecinos sentimentales” evitó el deterioro y abandono de la instalación. José Ortega y Gasset satiriza alguno parámetros del Romanticismo, pero en los momentos de dar su opinión deja de entrevisto su alma pura y romántica.

Una mártir

Una mártir

El Museo del Romanticismo como lo conocemos hoy día es a su vez una clase filosófica de Ortega y Gasset, llevando el mensaje de la importancia de aprender a adoptar frente al pasado una actitud certera que nos guíe y no nos lleve a enfrentamientos erróneos y estériles.

La crítica al progresismo y la modernidad se marcó en las letras de Ortega y Gasset y hace eco en los muros del museo. Los progresistas, con su ingenuidad específicamente moderna, creen que sus puntos de vista son definitivos y los únicos admisibles. En ese sentido el progresismo del presente no ha cambiado en nada.

Vivimos en un afán de supeditar la vida actual y la pasada a un mañana que no llega nunca, esa es una de las enfermedades de nuestro tiempo y la trasmitimos a las futuras generaciones de forma innata.

Para vivir se debe aprender las ciencias y cultivar el arte como diría Ortega y Gasset; ser un dilettante apasionado de los modos de vivir. Para mí el museo del Romanticismo es un homenaje a la estética Romántica y marca la diferencia entre Museos Modelos y un nuevo género de museos que lleva tiempo tratando de emerger y la sociedad llena de clichés se lo impide.

No nos encontramos ante un museo que pretende reunir las obras de arte más valiosas, es un museo que demuestra el que aunque muchos llaman Mal del Siglo definió y continúa definiendo la vida española, europea y latinoamericana; el Romanticismo.

Un Mundo de Impresiones Fluorecentes

Frédéric Bazille, Autorretrato.

Frédéric Bazille.

Frédéric Bazille fue un pintor impresionista francés que alcanzó el renombre en el mundo de la plástica por sus pinturas de retratos.

Las obras de Eugène Delacroix fueron las que lo motivaron a entrar en el mundo de las bellas artes y es palpable en casi todas sus pinturas la influencia y el toque de Delacroix.

Una vez se trasladó a París y conoció a Pierre-Auguste Renoir confirmó su nueva profesión y el estilo artístico que trabajó y del cual formó parte; el Impresionismo.

Bazille fue amigo cercano de Claude Monet, Alfred Sisley y Édouard Manet; amigos que sin duda alguna impactaron y aportaron a la evolución artística de Bazille.  Más que amigos fueron mentores y vehículos de retroalimentación que colaboraron mutuamente en sus carreras.

Auguste Renoir, Portrait of Frédéric Bazille. 1867.

Auguste Renoir, Portrait of Frédéric Bazille. 1867.

A la edad de veintitrés años Frédéric Bazille realizó la mayoría de sus obras más asombrosas, destacadas y reconocidas. Desafortunadamente Bazille murió en combate en la guerra Franco-prusiana. Su fallecimiento a temprana edad es otro de los infortunios y sinsabores de la vida que se llevó a un joven promesa para el mundo de las bellas artes.

Sumado a esto, Bazille no es un pintor muy estudiado fuera del marco francés o el continente europeo. Libros y tomos que han sido dedicados al estudio del Impresionismo a penas lo mencionan.

Frédéric Bazille, El pescador con la red. 1868.

Frédéric Bazille, El pescador con la red. 1868.

Los desnudos que pintó Bazille, en su mayoría masculinos, son a mi interpretación parte de sus mejores elaboraciones. Nuevamente en Frédéric Bazille apreciamos la belleza de la anatomía humana, pero más que nada la armonía y el éxtasis que se obtiene tras la fusión de la desnudez y la Naturaleza.

El ambiente y los escenarios son la otra mitad que complementa y hace exquisitos los desnudos. El toque impresionista de los paisajes define y aporta simetría, profundidad e incluso deseo a un cuadro inanimado.

Para cerrar esta entrada, coloco dos obras parte de un análisis previo que realicé y al que llamé Homoerotismo entre amigos; The Bathers. En esta ocasión vemos una misma temática ambientada desde la plástica de dos artistas diferentes.

Paul Cézanne, Bathers.

Paul Cézanne, Bathers.

Frédéric Bazille, Escena veraniega, 1869.

Frédéric Bazille, Escena veraniega, 1869.

Ambas obras nos dan como resultado final una estética agradable al ojo humano del siglo XIX, pero también al de nuestro siglo actual, son obras en las que el cuerpo del hombre y la compañía masculina se acogen a una atmósfera natural paradisíaca, brindando un toque que aunque bien es homoerótico, cumple con los cánones sociales y cosmético de una sociedad machista, homófoba e hipócrita.

El matrimonio Arnolfini (para relajarse)

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini 1434.

Como muchos de vosotros ya sabéis y como comenté y reseñé en la entrada anterior: El Matrimonio Arnolfini, esta magna obra del flamenco Jan van Eyck es mi pintura favorita.

La simbología, la técnica, las pinceladas, la originalidad y más que nada los vivos colores de la recién inventada paleta de óleo, son los ingredientes que convergen para deleitarnos con una joya tan exquisita como lo es esta pintura.

Una de las actividades que más disfruto del arte son las respuestas y renovaciones, o algunos llamarán copias e impresiones, que otros artistas hacen sobre una obra ya existente, ícono de la Historia del Arte. Así que aquí os muestro algunas versiones jocosas y divertidas del Retrato de boda de Giovanni Arnolfini y su esposa.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

Fernando Botero, El matrimonio Arnolfini. 1978.

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, Benjamín Domínguez

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

El Matrimonio Arnolfini, José Guadalupe

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