Movimiento, Futuro y la Vanguardia en Italia

» …un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia«.

futurismoEn la Italia de 1909, y previo a la Primera Guerra Mundial, surgió un manifiesto con premisas políticas radicales al que se comenzó a llamar Futurismo. Como ya he escrito en entradas previas, siempre que existen conflictos políticos, está demostrado que hay una mayor creación artística en todos los medios y estilos de vida.

El Futurismo fue una crítica social radical que tuvo a la guerra como motor y surgió como un movimiento literario con Filipo Tommaso Marinetti, poeta y dramaturgo, como líder. Los futuristas se acogieron al lenguaje radical, glorificando la guerra a la que no apreciaban como un mal elemento, sino como una cuestión positiva y necesaria para el cambio social. El Futurismo ensalzó las revueltas, la tecnología y todo lo relacionado con las máquinas y el movimiento.

Poema Futurista

En los futuristas encontramos un germen muy similar al que años posteriores elaborarán y propagarán los partidos fascistas. Tenían la visión de una limpieza en la sociedad, ya que ninguno de los sistemas y modelos anteriores habían funcionando.

Italia desde el siglo XVIII no había producido artistas de gran nombre. No olvidemos que aunque en el siglo XX la capital del arte se consideraba París, y luego emigró a Nueva York, desde antaño se considera a Italia y sus ciudades como la cuna y meca del arte.

La actitud y visión de mundo de los futuristas estaba guiada por el “chauvinismo” o patrioterismo, una creencia narcisista en la que se considera a lo propio del país como lo mejor del mundo. De manera radical se le une una alusión y énfasis excesivo en el nacionalismo, rechazando lo extranjero y abriendo paso a la ideología de superioridad racial.

La obra Manifestación Intervencionista de Carlo Carrà es un ejemplo en el que diferentes tipografías e imágenes alusivas a Italia, dan un sentimiento patriótico acompañado de una composición circular que sugiere dinamismo y movimiento. La técnica del collage y la fragmentación nos da aires e impresiones cubistas en la obra.

Carlo Carrà, Manifestación Intervencionista.

Lo que muchos historiadores pasan por alto es que sumado al chauvinismo; fue el Futurismo quien coció y desarrolló un arte nacional que fue de la mano con las nuevas políticas y que pasó a Alemania bajo el nacional socialismo.

El nacional socialismo pone a una raza inferior a otra y por ende justifica cualquier acción. Los futuristas vieron el lado positivo de la guerra, y según sus palabras, la misma servía como herramienta purificadora. Es una línea de pensamiento muy similar al discurso que años más tarde dio Adolf Hitler.

Los futuristas entendían que existía la crueldad y la maldad, pero no había formas ni maneras de erradicarlas por vías pacíficas. Se apoyan en un discurso que enfatiza a los fuertes, sólo ellos pueden sobrevivir, rechazando totalmente al pasado y enfocándose en un futuro prometedor y nuevo.

En el ámbito artístico los temas principales fueron la tecnología, la velocidad, el movimiento, la rapidez y el dinamismo. Los futuristas tenían conciencia del Cubismo pero lo consideran estático, no por ello no recibieron una retroalimentación del mismo y en algunos momentos hacen referencia a él como el que ya mencioné en la obra de Carlo Carrà.

La obra que juzgo como ícono del Futurismo por excelencia, y una de mis pinturas favoritas, es Dinamismo de un perro sujeto con correa de Giacomo Balla. En el cuadro no importa nada, sólo el movimiento. Giacomo Balla logró pintar en una imagen estática el dinamismo y el movimiento. No hay narrativa presente, no hay historia y tampoco hay simbolismos, lo único y verdaderamente importante es el efecto del paso del tiempo.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa.

Marinetti propuso en su manifiesto futurista quemar las bibliotecas, destruir todos los libros, universidades y quemar todos los museos. En otras palabras destruir todas las instituciones tradicionales europeas. Siendo, a mi juicio, la vanguardia más radical del siglo XX. La masiva destrucción evitaría la reflexión, las personas tendrían solamente una visión de mundo y se impediría el desarrollo de un pensamiento crítico y reflexivo, que tantas desgracias había traído.

El Futurismo fue un movimiento de corta duración. Los eventos a los que debió su florecimiento tuvieron fecha de culminación temprana. Sin embargo, las ideas que promovió desarrollarán y jugarán un papel importante en los fundamentos políticos, ideológicos y sociales en el fascismo.

El Futurismo como la mayoría de las vanguardias, buscó romper con los cánones del pasado y los convencionalismos en la Historia del Arte. Los postulados principales radicaron en la acentuación sensual, el apego y propagación a lo nacional (banderas, guerras, soldados), una predilección impresionante por las máquinas y un interés peculiar por retratar el movimiento de las cosas.

En esculturas como la de Boccioni se plasma el alto por ancho por profundidad por velocidad por tiempo. Teniendo como resultado final de la ecuación una obra que ante los ojos sentimos que se desplaza a través de tiempo y espacio.

Umberto Boccioni, Las formas únicas de la continuidad en el espacio.

A manera de conclusión soy partidario de que el Futurismo nació directamente del Cubismo. El paralelismo entre estas dos vanguardias es evidente. Observando muchas de las obras futuristas es imposible no pensar en Picasso, Braque y Gris. Aun así la obsesión por hacer visible la velocidad y el movimiento acabaron dándole características visuales únicas al Futurismo, siendo una de las vanguardias más radicales, originales y significativas.

Entre lo Macabro y el Complejo de Edipo

Edipo y la Esfinge, François-Xavier Fabre.

Edipo y la Esfinge, François-Xavier Fabre.

El Complejo de Edipo es uno de los temas más tabú y menos estudiado a lo largo de la historia. Yo lo llamaría complejo de Yocasta y no de Edipo, pero ese no será el foco de esta entrada. Las relaciones incestuosas han sido mal vistas desde antaño. Incluso en mundos como el de la Antigua Grecia, relaciones entre tíos-sobrinos y primos eran manejadas por los mortales. Casos estrictos como las relaciones entre hermanos, eran exclusivas para entes divinos y dioses, pues como sabemos Cronos y Rea eran hermanos igual que Zeus y Hera. Hades y Perséfone eran tío y sobrina y al inverso sucedió con Zeus que tuvo vástagos con sus tías Mnemosine y Temis.

En general, son los libros de psicología los que atienden el tema del llamado complejo de Edipo, teniendo como génesis la tragedia griega de Edipo Rey en la que el protagonista, desconociendo los hechos, asesinó a su padre, desposó a su madre y tuvo cuatro hijos con ella.

En contra de los psicólogos, y como amante y devoto que soy de la mitología griega, entiendo que el escandalizador tema del incestos madre-hijo debe tratarse desde una perspectiva de necesidad de respuestas que fue concebida desde mucho antes de los griegos. La mayoría de las teogonías y cosmogonías de una forma u otra atienden o involucran nociones incestuosas en sus orígenes.

Aclaro que la mitología, sea griega, egipcia, hebrea o escandinava, son un conjunto de relatos y creencias sujetos a la figura que decidió escribirlos. En ese sentido la mitología no es un sistema uniforme, invariable y mucho menos estático. En mi caso selecciono como guía a Hesíodo y basado en sus escritos hago mis planteamientos.

En la Teogonía de Hesíodo conocemos como primeros entes al Caos, la Tierra (Gea) y el Amor (Eros). Se interpreta que de la separación del Caos nació Erebo (las Tinieblas) y Nyx (la Noche) y que de la unió de Gea con Eros surgieron las primeras aguas; Pontos.

El caso de Urano (el Cielo Estrellado) es aún más complejo de analizar y trabajar. Comparto la visión de muchos mitógrafos, Hesíodo nos dice que Gea engendró al cielo por sí misma y sin la intervención de ningún varón, como lo hizo Nyx con los primeros daimônes. En ese sentido estamos hablando de que Gea concibió un hijo y posteriormente lo tomó por esposo; primer acto de incesto madre-hijo en la mitología.

Los hijos de Urano y Gea; Cíclopes, Hecantonquirros y Titanes, fueron una prole de criaturas gigantescas y grotescas, unos con un solo ojo, otros con cien brazos y los últimos con cincuenta cabezas. Me aventuro a decir que es aquí donde inicia la noción de que las relaciones incestuosas acaban en niños monstruos de dos cabezas, tres piernas y treinta dedos.

Polifemo

Esta larga introducción la llevo al folclore y la cultura del terror, una industria que se lucró mucho del tema en cuestión y que también a calado hondo en la psiquis de algunas personas. Es algo común que muchos de los grandes protagonistas del horror sean concebidos por relaciones incestuosas. Nos situamos entonces en un círculo vicioso con la psicología, el cual nunca acabamos entendiendo.

No voy a entrar en los patrones, conductas, comportamientos y demás cuestiones que involucran el complejo de Edipo, sino en cómo el tema es tratado por la sociedad y la cultura popular basándome en tres ejemplos; dos reales y uno ficticio.

El primer ejemplo que menciono es el de Edward Theodore Gein, mejor conocido como Ed Gein. Eufóricamente pasó a la historia como uno de los asesinos y ladrones de tumbas más famosos en la historia de los Estados Unidos. Muchos lo consideran un asesino en serie, pero dado que sólo se le probaron dos homicidios, no entra en el renglón de los grandes criminales.

Ed Gein demostró una afinación y vehemencia por conservar cadáveres de mujeres en sus primeros meses de fallecimiento. Los cuerpos inertes eran decapitados y abiertos por el torso. En muchas ocasiones las diferentes partes del cadáver eran utilizadas para hacer vestimenta, enseres y mobiliario de hogar.

En la casa de Gein los agentes de la policía encontraron diez cabezas de mujer sin la parte superior, asientos hechos de piel humana, platos de sopa hechos con calaveras, órganos congelados en el frigorífico, un collar de labios humanos, una caja con nueve vaginas y muchos otros utensilios creados con diferentes fragmentos humanos.

Nunca se probó y Ed Gein jamás admitió haber cometido canibalismo. También negó la imputación de tener relaciones sexuales con los cadáveres pues según indicó “olían muy mal”. Los estudiosos e investigadores entienden que Augusta, la madre de Ed, se esforzó por impedir el contacto y la influencia de cualquier otra persona en la vida de sus hijos, siendo ella la responsable directa de los trastornos mentales de Ed.

Ed Gein House

Una vez Ed Gein fue arrestado en algo que se entiende como justicia popular, su casa fue totalmente incendiada. Lo último que quedó de Ed Gein fue su camioneta, la cual fue subastada y terminó llevándose de tour por los diferentes estados, donde se cobraba por ver el interior lleno de sangre y restos humanos. También sobrevivió una fuente de inspiración para futuros personajes e historias de terror.

Basado en Ed Gein se creó al asesino en serie Norman Bates, protagonista del clásico literario y cinematográfico; Psicosis. En esta ocasión se fue mucho más allá de los simples hechos. La adaptación de la historia original de Ed sufrió grandes modificaciones.

Anthony Perkins as Norman Bates

Norman Bates sufrió abusos emocionales a lo largo de su crecimiento, víctima de una madre posesiva y enfermiza. Aunque nunca se dice de manera explícita, se sugiere que Norman Bates también sufrió abuso sexual por parte de Norma Bates, la madre.

Freddie Highmore as Norman Bates

Freddie Highmore as Norman Bates

En Psicosis luego de la muerte del padre de Norman, él y su madre entran en una relación enfermiza de dependencia mutua. Su madre constantemente le decía que las mujeres y el sexo eran cuestiones demoníacas y perversas. Cuando Norma encuentra un amante, en un ataque de celos Norman los asesinó a ambos, conservando el cuerpo de su madre y en ocasiones asumiendo la personalidad de la misma. De esta gran obra nos sobrevive la frase:  “El mejor amigo para un muchacho es su madre”. Norman Bates enfrentó múltiples personalidades siendo clasificadas por el autor como tres: Norman, Norma y Normal.

El tercero y último de los ejemplos que estudió es el de Anthony Baekeland, llevado a escena en 2007 con la película Savage Grace. En esta ocasión Barbara Baekeland, una mujer de la alta sociedad sumergida en una vida de lujos, apariencias y trastornos acabó, con un trágico final.

Barbara and Anthony Baekeland

Barbara tuvo una relación peculiar con su hijo desde temprana edad, en opinión de muchos allegados a la familia malcrío y trastornó a su pobre hijo al que constantemente le repetía que la tendría que querer incluso cuando fuera vieja y sus senos estuvieran feos.

Anthony mostró desde temprana edad más afinación y afecto hacia los niños. Diversas situaciones como el divorcio de sus padres, los intentos de suicidio de su madre y el que su padre se quedará con una excompañera suya, fueron contribuyendo a la inestabilidad mental del chico.

Savage GraceSe entiende que Barbara Baekeland tenía una relación incestuosa más que compleja con su hijo gay, Anthony. Barbara trató de “arreglar” la homosexualidad de su hijo teniendo relaciones sexuales con él. Incluso desde que estaba casada con Brooks Baekeland. Anthony fue mostrando tendencias entre la esquizofrenia y la paranoia, pero su padre se negó a tratarlo con psiquiatras ya que según él eran profesionales amorales.

A finales de julio de 1972, Anthony trató de lanzar a su madre bajo el tráfico en el Cadogan Square de Chelsea, Londres. Sólo se salvó por su debilidad física, y la intervención de su amiga Susan Guinness. A pesar de que la Policía Metropolitana arrestó a Anthony por intento de asesinato, Barbara se negó a presentar cargos.

El 17 de noviembre de 1972 Anthony asesinó a su madre con un cuchillo de cocina, matándola instantáneamente. Cuando la policía llegó, encontraron a Anthony, con veinticinco años de edad, ordenando comida china por teléfono junto al cadáver. Más tarde confesó y fue acusado de asesinato.

En los tres ejemplos que menciono el complejo de Edipo aunque en diferentes escalas y con diversas nociones básicamente es reducido a un comportamiento psicocriminal, desarrollado a temprana edad y del cual la madre es la única responsable, siendo el niño una víctima y un futuro delincuente.

Dándome entonces la razón y teniendo pues que corregir un error científico e histórico, pues Yocasta, aunque hay quien me lo discuta, yo pongo las manos al fuego y soy partidario que ella siempre supo quién era Edipo desde el inicio. Nos enfrentamos entonces a un Complejo de Yocasta y no de Edipo.

Más allá de todo esto, en los tres ejemplos antes expuestos, y en muchas de las noticias que he leído sobre casos similares o conductas incestuosas madre-hijo, me quedó con el sabor agridulce en los labios de expresiones y señalamientos machistas, que son impartidos incluso por las más altas doctoras y gurús del tema.

En ese sentido cierro diciendo que un tema tan polémico y estremecedor como lo es el complejo de Edipo, complejo de Electra para las féminas, jamás podrá ser analizado o comprendido de manera certera hasta que no dejemos la sabiduría popular, los estigmas y los estereotipos de un lado.

La Metamorfosis

¿Acaso existirá un amor inmortal?

Éfeso – primavera

La metamorfosisSileno sabía que no tenía tiempo. Él no era un mortal más, no nació siéndolo. Sin embargo, gracias a las habilidades de su amigo Tritón, podía gozar de la vida y la forma de uno de ellos. Fue así como conoció a Calino.

A medida que transcurrían los días una llama que inició como pequeñas chispas se propagó más y más. Todos los rincones de Éfeso parecían gozar de armonía y concordia cuando Sileno y Calino estaban juntos. Así pasó la primavera con las más coloridas flores y el verano con las brisas más frescas.

Sileno comenzó a pensar en la proximidad del otoño, ya habían pasado varios meses y no recibía noticias de su amado Tritón, sabía que de no aparecer habrían repercusiones funestas. Fue así que llegado el equinoccio no le quedó más que ampararse a lo peor y abrigar lo efímero de la felicidad.

Citó a Calino a uno de sus lugares favoritos en la desembocadura del río Caístro. Era otro día en el que la naturaleza parecía estar en equilibrio. Ambos embriagados con la mutua desnudez y mientras apreciaron su encarnación en una pareja de cisnes, invocaron a Afrodita y la hicieron testigo de una de las entregas más eufóricas y épicas.

Pero Sileno sabía que no tenía tiempo. Dando su último beso en los labios de Calino, le dijo que nunca entendería el porqué, pero se marchaba. Las últimas palabras que le dirigió a Calino fueron que no olvidara sonreír y que siempre que lo quisiera recordar contemplara la naturaleza y sobre todo a los cisnes.

Así sin más desapareció y Calino de Éfeso desde ese día pasó a ser Calino de Cisneros.

Cuadrado, círculo, cuadrado, círculo, círculo, cuadrado

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista: Avión en Vuelo. 1915.

La otra corriente artística que surgió en la Rusia Bolchevique fue el Suprematismo, este movimiento artístico se desarrolló entre 1915 y 1916. Muchos de los artistas que formaron parte del Constructivismo emigraron o “evolucionaron” al Suprematismo.

Sin embargo, es un error común clasificar al Suprematismo como una expansión, alargación o una rama dentro del constructivismo. Ambos estilos nacieron paralelos en Rusia y aunque recibieron una retroalimentación, yo diría que suprematismo y constructivismo son más independientes él uno del otro que movimientos como el expresionismo y el die brücke en la Alemania del norte.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

Kazimir Malévich, Círculo Negro.

El Suprematismo se enfocó en las figuras geométricas con especial atención al círculo y el cuadrado. El padre de este movimiento o la gran mente, como lo llaman algunos, fue Kazimir Malévich. Las ideas de Malévich se alejan por completo de la funcionalidad y la labor social que pregonaba el constructivismo, pues basándose en las figuras geométricas y el arte abstracto, proponía representar y plasmar lo más puro del arte.

El objetivo de Malévich, y dónde está la génesis del nombre del movimiento, era darle supremacía a la nada para así llegar a la representación del universo sin objetos. Los suprematistas rechazaron el arte tradicional y no les interesó seguir los estilos y modelos que se venían copiando en el mundo artístico desde antaño.

Suprematism.

Suprematism.

El suprematismo, al igual que el fauvismo, fue de las pocas vanguardias del siglo XX que no difundió mensajes sociales y no se comprometió con ninguna causa o sector social. Muchos críticos juzgan y clasifican algunas obras de Aleksandr Ródchenko como suprematistas. En adición a Kazimir Malévich otros artistas destacados del suprematismo fueron Liubov Papova, El Lissitzky y Naum Gabo.

El cubismo trabajó con las facetas y perspectivas de las figuras geométricas, pero fue el suprematismo el movimiento que se encargó de la representación tridimensional de la geometría. Las técnicas artísticas en ocasiones se mezclaron con tradiciones del folclore ruso como situar las obras en la unión de dos paredes, espacio tradicionalmente designado para los íconos religiosos.

El Lissitzky trabajó con materiales no tradicionales intentando sacar el arte de las dos dimensiones y creó el término proun; concepto que usó para las obras que combinaban elementos de la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. Lissitzky destacó también en la técnica del collage y los carteles, siendo un artista destacado en la futura Segunda Guerra Mundial.

El Lissitzky, URSS in costruzione.

Naum Gabo, considerado por la crítica como  la antítesis de Vladimir Tatlín, a nivel teórico se opuso a las ideas del espacio que proclamó el constructivismo y escribió un manifiesto en contra de Tatlín. El argumento de Gabo indicó que el enfoque de los artistas debía ser en lo real, algo que trascendía más allá de la Faktura. Gabo se concentró más en las fórmulas matemáticas. En sus teorías hay confusión de términos, en ocasiones compartió puntos que le criticó a Tatlín.

Naum Gabo, Cabeza de Mujer.

Es importante señalar que las construcciones suprematistas debían ser hacia afuera, dándole al artista libertad de representación. Para los constructivistas las construcciones eran hacia dentro, condicionadas a la sociedad y la funcionalidad.

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Kazimir Malévich, Composición Suprematista, 1915

Ambos movimientos, aunque diferentes e incluso antagónicos, prepararon e hicieron caminar, no sólo a la Rusia Bolchevique, sino también a toda la Unión Soviética en su inicio. Mientras el constructivismo preparó tecnológica e industrialmente a Rusia, el suprematismo lo hizo cultural y artísticamente. No olvidemos que algunas de las raíces de la futura abstracción y el expresionismo abstracto están presentes en el suprematismo.

La Construcción del Mundo

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Aleksandr Rodchenko, Lila Brick poster.

Luego de la Revolución de Octubre de 1914, en la Rusia bolchevique surgieron dos tendencias artísticas de forma paralela. En la entrada de hoy me concentro en la construcción del mundo ruso o como en la historia del arte llamamos al movimiento artístico: el Constructivismo ruso.

La Rusia de las vanguardias fue el producto de climas de guerra desde antes de 1917. La Revolución Bolchevique o revolución de octubre derrocó al gobierno provisional e instaló un gobierno bolchevique que anexó una inmensa cantidad de territorios formando así la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

El objetivo de la revolución fue mostrar el poder de las masas al mundo. El gobierno central ruso comenzó a utilizar el arte, y sobre todo la arquitectura, como herramienta educativa. Cabe señalar, que antes de la formación de la URSS el gobierno bolchevique y los comunistas hacían uso del llamado Agit-prop; arte como propaganda de agitación. Tampoco debemos pasar por alto que el urbanismo y la Revolución Industrial, llegaron tarde a Rusia que se mantuvo aislada de todo el mundo.

Los avances tecnológicos moldearon en la Rusia bolchevique la concepción del arte al servicio de la política. El constructivismo ruso, por tanto, rechazó todo lo tradicional. Los cuadros y las esculturas eran vistos como una conexión con la burguesía a la que ellos intentaban aplastar.

En la maqueta del Monumento a la tercera internacional, se hacía homenaje al progreso logrado gracias a la unión de la ciencia, la tecnología, la industria y el arte. Podríamos decir que aunque se aisló al arte de sus “funciones” y cánones tradicionales, en compensación se le integró al mundo primario dándole un valor funcional y vital en igualdad de condiciones con doctrinas, a veces antagónicas, como la ciencia.

Vladimir Tatlin – Monumento a la tercera internacional – 1919.

En el constructivismo ruso algunos de los aspectos más importantes eran el espacio y el tiempo, que condicionaban al arte haciéndolo productivo, masivo y funcional. Más que artistas estas personas fueron teóricos en la creación de las posibilidades. Fue en Rusia donde la escultura moderna se fundió por fin con los profundos cambios sociales y políticos operados por la revolución de octubre dando como resultado la elaboración de grandes y ambiciosos proyectos.

Ninguno de los portavoces y miembros del constructivismo poseía formación escultórica. Los constructivistas crearon arquitecturas más radicales que cualquier otra tendencia de la época. Hacían una referencia especial a reorganizar el sentido visual en función del tacto.

En mi opinión, diría que a pesar de romper con los cánones renacentistas, barrocos y neoclásicos hay una raíz medievalista en el constructivismo, vale recordar que el arte Medieval surgió como uno de comunidad, donde desaparecían los protagonistas y se aprovechaba y adaptaba las creaciones al espacio trabajado.

Georgia

Georgia

Los teóricos constructivistas más influyentes se oponían al idealismo, ya que todo se ponía a disposición de la creación de objetos útiles para la sociedad y la industria. A diferencia de movimientos como el Die Brücke, el constructivismo tenía una visión más optimista del hombre.

Cuando hablamos del arte no debemos pasar por alto el concepto Faktura: parte material y visible de la obra. El aspecto físico material, lo táctil del mismo y los distintos tipos de materiales son los cimientos de la vida cotidiana del Constructivismo.

En el ámbito de la propaganda y agitación destacó la figura de Aleksandr Ródchenko, un teórico que escribió un ensayo sobre la línea y que declaró que el color y la pincelada habían muerto. Ródchenko criticó a los artistas que se desplazaron hacia la otra tendencia artística; el Suprematismo y que alegaban que el arte era una manera de plasmar los sentimientos puros.

rodchenko3_122341sA manera de conclusión recalco que el arte del Constuctivismo tenía que ser algo pragmático. Los artistas como constructores pasaron de la bidimensionalidad a la tridimencionalidad. La Revolución Bolchevique y la Rusia Comunista, más allá de las demonizaciones y críticas que recibimos en Occidente, significó el cambio y la evolución de Rusia. En mis palabras diría que fue también la que preparó a Rusia para competir con las potencias europeas del momento.

No es menos importante el rol social que este movimiento significó, empleando a miles de artistas en su momento. Los artistas se convirtieron en agentes de cambio social,  que no se podían quedar ajenos a las transformaciones sociales.

En Rusia, aunque no sea así hoy día, se construyó el espacio con posibilidades de mejoramiento social. Generalmente, recibimos la crítica de que los artistas dejaron sus verdaderas vocaciones o talentos, por hacer infraestructura y labor comunitaria. Sin embargo, y como siempre ando diciendo, no debemos juzgar el pasado con los criterios del presente.

Si les interesa el tema del Constructivismo ruso les recomiendo la película Man with a Movie Camera, la misma muestra las dos vertientes del Constructivismo: la social-política y la estética-cultural. No es una película de cine tradicional por lo que va en contra de la burguesía y las clases sociales. Juega con el tiempo y el espacio, dándole a la cámara la cualidad de ojo humano y mostrándonos la enajenación de la Unión Soviética hacia el mundo.

Un Puente Hacia Nuevas Dimensiones

El Expresionismo alemán, del que hable anteriormente, llevó a los artistas de la Europa del Norte a una lucha por un nuevo mundo. Querían pasar del universo existente a su utopía con bases artísticas. Estos artistas si contaron con una agenda política y social, a diferencia de las fieras salvajes en Francia. Ellos mismos se dieron el nombre de Die Brücke, El puente, pues eran el vehículo y guía para la nueva sociedad pensada.

Los miembros del grupo, reunidos en la ciudad de Dresde, eran artistas jóvenes, que pretendían llevar un nuevo tipo de arte y estilo de vida. En general abarcaron la visión de un mundo pesimista; entendiendo que la juventud era la única alternativa que tenía Alemania para lograr un cambio social.

Ernst Ludwig Kirchner, The Soldier Bath.

Todos los pintores eran expresionistas y abandonaron y rechazaron la educación formal del arte, pensando despectivamente del fauvismo, que lo veían como muy idealista y superficial. Para algunos historiadores del arte el Die Brücke es la evolución del expresionismo, para otros es una categoría o etapa del mismo.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Ernst Ludwig Kirchner, Cinco Mujeres en la Calle.

Los artistas del Die Brücke plasmaron lo peor del mundo en que vivían. Mientras Matisse quería trasmitir tranquilidad y placer desinteresado, los expresionistas alemanes querían excitar e incitar al público; donde el primero evitaba los problemas de la vida moderna, los últimos se sumergían en ellos. Los expresionistas sentían empatía por lo impuro, lo miserable y lo oprimido de la Tierra.

Aunque se suele ver al Die Brücke como un movimiento dentro del expresionismo alemán, se debe tener presente su base filosófica existencialista basada en Frederich Nietzsche como inspiración y una visión contraria al pensamiento cristiano. Para ellos el ser humano no tenía prueba de una vida lejana, el hombre tenía que vivir para hoy sin esperar el consuelo de una futura vida mejor.

De acuerdo a ellos, el hombre para superarse no necesitaba depender de un dios sino de sí mismo, para lograrlo debía trascender de su condición actual creando al “superhombre”. El resultado final sería una sociedad armónica sin dependencia de nadie.

El Die Brücke entendía que ellos podían construir “el puente” para pasar del hombre al superhombre. Su enfoque se centró en la juventud, pues la revolución debía nacer desde la base de la sociedad. Los artistas de el puente formaron una comuna en la que vivieron bajo sus propias leyes y al margen de las normas sociales de la época. El Die Brücke no era un nombre o un simple movimiento, era un estilo de vida en todo el sentido amplio de la palabra.

Aunque criticaron al fauvismo y a Henri Matisse, esto no quiere decir que no se dio una retroalimentación entre las dos vanguardias. Ambos movimientos creían en la separación del color de su función descriptiva y tenían a Nietzsche como instructor filosófico.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

Ernst Ludwig Kirchner, La Torre Roja de Halle.

El expresionismo empleó imágenes religiosas grotescas con Emil Nolde, el Die Brücke continuó con esta línea representativa y añadió a los marginados como protagonistas de su práctica. El impasto era la técnica grotesca por excelencia y la ciudad volvió a sus bases renacentistas en las que se convirtió en el centro de intercambio cultural.

A pesar de reconocer la importancia de la ciudad, para el Die Brücke las ciudades eran la herencia de generaciones anteriores, desgastadas y miserables. En su gran mayoría, los miembros eran hijos de la burguesía y como tales adoptaron la tradición de vivir en las afueras de la ciudad.

El arte del Die Brücke fue uno impulsivo y contó con la participación activa de mujeres. Un ejemplo fue Paula Modersohn, quien se concentró más en temas personales como la mujer y la fertilidad y no se inclinó tanto por la mirada social y política. Muchas otras mujeres fueron acogidas en las comunas como musas.

Paula Modersohn-Becker, Selbstporträt.

Uno de mis artistas favoritos, fue uno de los miembros más destacados del Die Brücke; Egon Schiele. Egon mostró una visión más explicita y cruda, una crítica al arte tradicional y a la representación de la mujer a través de la historia del arte. (Mi análisis de Egon Schiele aquí.)

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Egon Schiele, Autorretrato, 1910

Los pintores del Die Brücke querían denunciar las atrocidades del ser humano para cambiarlas. Más que una nueva estética del arte se centraron en crear una nueva ética. En mi opinión, más allá de la innovación y experimentación, fue el carácter de crítica y protesta lo que destacó del Die Brücke como movimiento artístico y vanguardia del siglo XX. En mis palabras diría que más que Der Blaue Raiter, fue el Die Brücke el movimiento que marcó y dio fin a la conocida Belle Époque del arte.

Egon Schiele Autorretrato, 1911 naranjaSi hablamos de Die Brücke como estilo artístico cabe señalar que dentro de sus características principales destacaron las siguientes tres:

  • Los colores estridentes
  • Las líneas caóticas
  • Los múltiples ángulos

Los temas preferidos por estos artistas eran los cargados de ansiedad y deformaciones. A la vez que nos presentaron sus propias inquietudes psicológicas también retrataron la sociedad decadente de principios del siglo XX. La presencia del simbolismo de Munch y el uso de colores y técnicas como las de Vincent van Gogh y Paul Gauguin son apreciables claramente. Algunos discuten lo innovador del Die Brücke plásticamente hablando, como ya mencioné me concentro y enfoco más en lo que el movimiento significó como estilo de vida y arte de protesta.


Cronológicamente al Die Brücke le siguen movimientos artísticos que ya he comentado anteriormente como lo son Der Blaue Raiter y el Orfismo.

Sensación y éxtasis

Emil Nolde, Mar y sol.

Emil Nolde, Mar y sol.

Mientras las Fieras Salvajes asolaban los salones y el otoño francés, en el norte de Alemania el Expresionismo nació en contra del arte académico guillermino por excelencia. Este nuevo movimiento de vanguardia surgió como una lírica pictórica de paisajes.

Los expresionistas reaccionaron a la agitación y al entorno cada vez más inhumano de las ciudades industriales. La industrialización y el urbanismo desolaron los campos de Alemania y crearon ciudades grosso modo antihumanas.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde, Crucifixión.

Emil Nolde fue el representante más destacado del nuevo arte expresivo del norte alemán. En Nolde se aprecia un periodo donde abunda la religiosidad estática; emociones cuyo fervor se remonta a la influencia de Mathias Grünewald y cuya penetración psicológica deriva de la admiración de Nolde, presentando lo sublime y lo grotesco, lo sagrado y lo profano, la desesperación y la transfiguración conviviendo en estas obras como en los cuadros primitivos medievales. Los conceptos opuestos no son innovación de Emil Nolde, más si su forma de presentarlos.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde, Pentecostés. 1909.

Emil Nolde para alcanzar sus objetivos plásticos desarrolló y empleó una nueva técnica pictórica; el impasto, logrado con la acumulación excesiva de pintura en el lienzo. El impasto desde el punto de vista estético y filosófico del arte, es una manera de acabar con la forma de hacer el arte.

Alguno quizá le sorprenda la brevedad de esta entrada, el Expresionismo no fue el resultado de decisiones individuales arbitrarias, sino que representó un movimiento que abarcó toda Europa. En el caso de la madre patria del expresionismo, el movimiento fue la cuna o por así decirlo el entrenamiento de artistas que rápidamente evolucionaron a nuevos ismos y vanguardias que más adelante abarcaré.

Las Fieras Salvajes

Expresión y forma: Los fauvistas y su representante clásico

Henri Matisse, La Danse.

Henri Matisse, La Danse.

El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración, 1904 – 1908. El crítico de arte Louis Vauxcelles le puso el nombre de “faves” fieras en español, como un calificativo peyorativo a las obras expuestas en el Salón de Otoño de París en 1905. Faves terminó por darle el nombre al grupo de artistas que encabezados por Henri Matisse crearon nuevas pinturas que abogaban por la liberalizacíon del color.

Alfred Henry Maurer, Provenza.

Alfred Henry Maurer, Provenza.

Las principales obras del Fauvismo simplificaron las creaciones y plasmaron la subjetividad del color que tanto predicaban los miembros del nuevo movimiento artístico. Fue el rechazo de la crítica lo que convirtió al fauvismo en un movimiento de vanguardia.

El fauvismo no fue un movimiento definido, careció de manifiesto y cada pintor acometía sus obras como experiencia personal, cargadas de espontaneidad y frescura. No tuvo una base teórica como el resto de las vanguardias. Tampoco debemos olvidar que El fauvismo converge cronológicamente con el Expresionismo Alemán.

Los fauvistas se enfrentaron con una actitud violenta a los convencionalismos, rechazando las reglas y los métodos establecidos. Las principales influencias de los fauvistas fueron Paul Gauguin, Émile Zola y Friedrich Nietzsche. Como movimiento artístico los componentes del fauvismo reaccionaron contra el Expresionismo, pero continuaron siendo un movimiento expresionista.

Los fauvistas creían que a través de los colores se podía expresar los sentimientos, este pensamiento condicionó su forma de pintar. Emplearon una pincelada directa y vigorosa con toques gruesos buscando la máxima intensidad emocional, combinada con la máxima simplificación de los elementos.

Henri Matisse  fue considerado el líder de los fauvistas, siendo el único de ellos que no cambió su dirección. Estaba influenciado por Vincent van Gogh y Paul Gaugain principalmente. El sueño de Matisse era crear un arte de equilibrio, pureza y serenidad, desprovisto de temas inquietantes o depresivos. Un arte que para cualquier trabajador mental, fuera un hombre de negocios o un escritor, sería una fuente de sosiego, como un calmante mental, algo así como una buena butaca donde descansar de la fatiga física.

Henri Matisse, Self-Portrait.

Los objetivos de los fauvistas eran: las cosas bellas, la tranquilidad del espíritu y el placer sensual. El fauvismo fue un movimiento de vanguardia que surgió tras la inconformidad social, respondiendo a muchos asuntos sociales. Se representan escenas del diario vivir, un liviano contenido con técnicas de colores puros y hace un especial énfasis en la bidimensionalidad.

Henri Matisse, Game of Bowls.

Henri Matisse, Game of Bowls.

Como todo movimiento de vanguardia quería romper con los cánones establecidos en el arte, para así liberar el color que según ellos era lo más importante en la obra. El motor y objetivo primordial era liberar al color de su forma descriptiva. Ahora no se hablaría de verde césped, ni de azul cielo.

Los fauvistas se cuestionaron el porqué representar las cosas de la misma manera, sí el mundo en sí no es el mismo. Estamos hablando de que el fauvismo fue también una escuela de pensamiento filosófico del siglo XX. Las decisiones de los fauvistas no eran por un vacío, sino que fueron el resultado de causas sociales. Sin embargo, enfatizo que los fauvistas nunca desarrollaron una agenda política.

El ejemplo clásico para estudiar el fauvismo es la obra “Armonía en rojo” donde Matisse liberó el color de su función descriptiva. Matisse definió su creación como “pintura pura, pintura liberada de cualquier aleatoriedad, pintura por sí misma”. Una pintura donde el rojo se funde con una infinidad de cosas que a mi interpretación acaba en muchas cosas, mas no en armonía.

Henri Matisse, Armonía en rojo.

Teniendo como mentor, guía e inspiración al color, los fauvistas combinaron una pincelada brusca con el empleo de la Teoría de Colores. Volviendo a los colores primarios, secundarios y complementarios el fauvismo creó una armonía colorida que acabó dando un mayor contraste visual y cromático.

Maurice de Vlaminck, The River Seine at Chatou.

Siendo el color el personaje principal de las obras, las mismas terminaron careciendo de perspectiva y técnicas tradicionalistas como el claroscuro. Aunque lo que más destaca del fauvismo son los paisajes, no dejan de ser menos encantadores los escenarios urbanos, los bodegones y sobre todo los desnudos.